Hace ya unos días se conocieron lo premiados a los premios de la Academia de Cine de la India, los IIFA Awards 2014, una gran gala que cada año se celebra en un lugar diferente fuera de la india, y que sirve para premiar a lo mejor de la industria del pasado año y para promocionar el cine local fuera del país. En esta ocasión la gran ganadora ha sido Bhaag Milkha Bhaag, que se ha llevado el premio a mejor película, director, actor para Farhan Athkar y actriz secundaria, además de nueve premios técnicos. Veamos la lista completa de premiados.

Mejor Película

Aditya Chopra – Dhoom 3
Karan Johar – Yeh Jawaani Hai Deewani
Kishore Lulla & Sanjay Leela Bhansali – Goliyon Ki Rasleela-Ramleela
Rakesh Roshan – Krrish 3
Ronnie Screwvala & Siddharth Roy Kapoor – Kai Po Che
Ronnie Screwvala,Siddharth Roy Kapoor, Gauri Khan & Karim Morani – Chennai Express
Rakeysh Omprakash Mehra – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Director

Abhishek Kapoor – Kai Po Che
Rakesh Roshan – Krrish 3
Rakeysh Omprakash Mehra – Bhaag Milkha Bhaag
Rohit Shetty – Chennai Express
Sanjay Leela Bhansali – Goliyon Ki Rasleela- Ramleela

Mejor Actor

Farhan Akhtar – Bhaag Milkha Bhaag
Hrithik Roshan – Krrish 3
Ranbir Kapoor – Yeh Jawaani Hai Deewani
Ranveer Singh – Goliyon Ki Rasleela-Ramleela
Shahrukh Khan – Chennai Express
Sushant Singh Rajput – Kai Po Che

Mejor Actriz

Deepika Padukone – Chennai Express
Deepika Padukone – Goliyon Ki Rasleela- Ramleela
Deepika Padukone – Yeh Jawaani Hai Deewani
Nimrat Kaur – The Lunchbox
Shraddha Kapoor – Aashiqui 2
Sonakshi Sinha – Lootera

Mejor Actor secundario

Aditya Roy Kapoor – Yeh Jawaani Hai Deewani
Anupam Kher – Special 26
Nawazuddin Siddiqui – The Lunchbox
Pawan Malhotra – Bhaag Milkha Bhaag
Saurabh Shukla – Jolly LLB

Mejor Actriz secundaria

Divya Dutta – Bhaag Milkha Bhaag
Kalki Koechlin – Yeh Jawaani Hai Deewani
Kangana Ranaut – Krrish 3
Richa Chadda – Goliyon Ki Rasleela-Ramleela
Shruti Hassan – D Day
Swara Bhaskar – Raanjhanaa

Mejor Actor cómico

Arshad Warsi – Jolly LLB
Riteish Deshmukh – Grand Masti
Varun Sharma – Fukrey

Mejor villano

Rishi Kapoor – D-Day
Rishi Kapoor – Aurangzeb
Supriya Pathak – Goliyon Ki Rasleela- Ramleela
Vivek Oberoi – Krrish 3

Mejores Letras

Mithoon – Tum Hi Ho – Aashiqui 2
Prasoon Joshi – O Rangrez – Bhaag Milkha Bhaag
Sandeep Nath – Sunn Raha Hai – Aashiqui 2

Mejor Playback masculino

Ankit Tiwari – Sunn Rahai Hai – Aashiqui 2
Arijit Singh – Tum Hi Ho – Aashiqui 2
Siddharth Mahadevan – Zinda – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Playback femenino

Bhoomi Trivedi – Ram Chahe Leela – Goliyon Ki Rasleela – Ramleela
Monali Thakur – Sawaar Loon – Lootera
Shreya Ghoshal – Sunn Raha Hai – Aashiqui 2
Shreya Ghoshal – O Rangrez – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Historia

Prasoon Joshi – Bhaag Milkha Bhaag
Pubali Chaudhuri, Abhishek Kapoor & Chetan Bhagat – Kai Po Che
Ritesh Batra – The Lunchbox

Mejor Actor novel

Dhanush – Raanjhanaa

Mejor Actriz novel

Vaani Kapoor – Shuddh Desi Romance

Mejor Fotografía

Binod Pradhan – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Guión

Prasoon Joshi – Bhaag Milkha Bhaag

Mejores Diálogos

Prasoon Joshi – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Edición

P S Bharti – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Diseño de Producción

Wasiq Khan – Goliyon Ki Rasleela- Ramleela

Mejor Coreografía

Remo D’souza – Yeh Jawaani Hai Deewani

Mejor Acción

Sham Kaushal y Tony Ching Siu Tung – Krrish 3

Mejor Diseño Sonoro

Nakul Kamte – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Grabación sonora

Vinod Verma – Lungi Dance

Mejor Mezcla sonora

Anup Dev – Chennai Express
Debajit Changmai – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Banda sonora

Shankar-Ehsaan- Loy – Bhaag Milkha Bhaag

Mejores Efectos Especiales

Keitan Yadav & Haresh Hingorani – Red Chillies VFX

Mejor Vestuario

Dolly Ahluwalia – Bhaag Milkha Bhaag

Mejor Maquillaje

Vikram Gaikwad – Bhaag Milkha Bhaag

Este año he tenido la gran experiencia de asistir en persona a un festival al que tenia muchas ganas, el Far East Film Festival celebrado en la ciudad italiana de Udine. El pasado año su directora, Sabrina Baracetti, fue jurado en el Festival de Granada – Cines del Sur y tuvimos la oportunidad de conocerla y charlar con ella, eso ha dado pie a que este año estemos rondando por italila

Este es un festival dedicado al cine asiático en su vertiente más popular, viéndose en él cosas que no quizás no son del tipo tradicional en grandes festivales occidentales, en el cual además se le da mucha importancia a la presencia de invitados que presenten las películas, y por ello hemos podido ver e incluso charlar con un buen numero de directores y actores tanto de Hong Kong como de Japón, Corea, Filipinas o Tailandia. Es un festival con un buen presupuesto, pero pequeño en realidad, ya que solo cuenta con un espacio escénico y se pueden ver casi todas las películas que a uno le interesan. A eso hay que sumar tanto la ciudad de Udine como la región del Friuli Venezia Giulia, lugares hermosos que merece la pena visitar. En definitiva, una gran experiencia que esperemos podamos repetir en años venideros.

Hong Kong Talks: Matt Chow, Sandra Ng y Dante Lam

En cuanto al festival en sí, pues películas buenas, películas regulares y películas malas, como suele suceder en todos sitios, si bien ha habido buenas experiencias cinematográficas en general y alguna gran decepción. Todo ello espero ir comentándolo más detenidamente en los especiales que iré publicando durante las próximas semanas. No obstante me he decidido ha hacer algo que no suelo hacer, un TOP 10 del festival con lo mejor que he visto en el mismo, sin orden aparente: Black Coal, Thin Ice, 3D Naked Ambition, Aberdeen, Golden Chickensss, From Vegas to Macau, That Demon Within, Unbeatable, The Eternal Zero, The Attorney y Pee Mak. Como veréis mucha comedia delirante, un doblete del director Dante Lam, la flamante ganadora del Festival de Berlin y el blockbuster japonés de la temporada. Pero hay más cosas, no creáis.

Otra de las características de este festival es que todos los premios del mismo se conceden mediante votación popular, a continuación os dejo la lista de ganadores:

2014 Golden Mulberry.
The Eternal Zero (Talashi Yamazaki, Japón)

2014 Silver Mulberry.
The Attorney (Yang Woo-seok, Corea del Sur)

2014 Bronze Mulberry.
Barber’s Tale (Jun Robles Lana, Filipinas)

Premio Black Drangon (concedido por las personas que habían comprado este pase preferente para el festival)
The Attorney (Yang Woo-seok, Corea del Sur)

2014 MyMovies Audience Award
Thermae Romae II (Hideki Takeuchi, Japón)

Diao Yinan presentando Black Coal, Thin Ice

Talks con Pang Ho-Cheung

Banjong Pisanthanakun presentando Pee Mak

A L R E D E D O R · D E · L A · M E D I A N O C H E
cine de acción extremo

Iniciamos aquí un viaje (quizás no muy ortodoxo) a los límites de un género, el de acción, aproximaciones a esos momentos (películas) en los que se vuelve extremo (en sus contenidos) o bien se acerca a los extremos (con los que siempre jugó), de la categoría III, de lo incorrecto. Quizás tan sólo sea una (no) retrospectiva basada en algo tan subjetivo como los estados de ánimo… un cine para ver por la noche, o de madrugada, alrededor de la medianoche, como hemos decidido llamarle… Quizás tan sólo queremos vagar por la noche hongkonesa, encontrarnos con tipos extraños, peligrosos, dejarnos caer en cualquier antro de perdición, frecuentar calles infrecuentables, qué se yo. En todo caso, preparaos para el cine más brutal, más delirante, más inmoral, más sucio, oscuro y criminal que vuestras cabezas puedan imaginar…

Como todo este Hong Konk noir, éste es un trabajo colectivo… La selección de películas está abierta a todo el mundo, los comentarios también…

Empezamos, nuestro particular viaje al fin de la noche…

Películas:

Alrededor de la Medianoche – Angry Ranger
Alrededor de la Medianoche – Bet on Fire
Alrededor de la Medianoche – Crazy Blood
Alrededor de la Medianoche – Daughter of Darkness 2
Alrededor de la Medianoche – He lives by Night
Alrededor de la Medianoche – Fatal Vacation
Alrededor de la Medianoche – Hired Gungs
Alrededor de la Medianoche – The Last Duel
Alrededor de la Medianoche – Red to Kill
Alrededor de la Medianoche – Run and Kill

Empezamos nuestro repaso asiático a todo lo que pudimos ver en nuestro viaje al Udine Far East Film Festival. Empezamos de forma cronológica con las películas que vimos el día 25 y 26 (nos falta una pero será para la siguiente entrega), un cuarteto ganador compuesto por los films de Dante Lam, Unbeatable y That Demon Within, la película inaugural Aberdeen de Pang Ho-Cheun y The Midnight After de Fruint Chang. Una crónica muy hongkonesa.

Unbeatable
Dante Lam, 2013

Desde su impresionante The Beast Stalker, Dante Lam se ha convertido en uno de los reyes del cine de acción Hongkones, pero en sus películas siempre existe un punto que lleva al espectador más allá, un melodrama de fondo que da profundidad a sus personajes, un porqué que mueve sus actos y no una simple escusa para las escenas de acción. Esta es quizás una de las clave de su éxito, y uno de los pilares de Unbeatable.

Esta película nos presenta a tres personajes principales, por un lado el joven Lin Si-Qi, interpretado por Eddie Peng, que quiere introducirse en el mundo del MMA (Artes Marciales Mixtas), un estilo de lucha agresivo y directo, para ganar el gran premio y ayudar así a su padre que ha caído en desgracia. Por otro lado tenemos a Ching Fai (Nick Cheung), ex-campeon del MMA y que acaba de salir de la carcel (y sigue perseguido por los miembros de la mafia) y necesita buscarse la vida, lo cual hace en el gimnasio de un amigo. Para terminar tenemos a Ming-Jun (Mei Ting), una madre traumatizada por la muerte de su hijo, y su hija. Estos tres personajes cruzaran sus caminos y esto será la base de la propia película.

Unbeatable mezcla acción con melodrama, pero quizás en esta ocasión se le da una especial importancia a este último en comparación con otras películas del director, siendo muy importante el pasado y el desarrollo de los personajes, como cambian al conectar sus vidas, como se recupera la esperanza por el futuro. Ahí esta esa dualidad, la lucha en el ring y la lucha fuera de él por encontrar un camino en la vida. Y es que esta esperanza es también algo menos visto en la obra de Dante Lam, una visión optimista de como cada cual puede encontrar su lugar y reconciliarse consigo mismo, aunque no todo es bello ni agradable, no podía ser menos.

Todo en esta película es remarcable, desde las grandisimas escenas de acción, coreografiadas por Ling Chi-Wah y que nos muestran adrenalínicas peleas y muchos agarres, hasta las interpretaciones, sobre todo de Nick Cheung que hace un papelón grandioso, si segundo premio a mejor actor en los Goldne Horse tras The Beast Stakler, una vez más de Dante Lam. También destacable Eddie Peng como el joven aprendiz del maestro. Destacar además una gran banda sonora.

En definitiva, Unbeatable tira de temas ya vistos, pero su dirección, desarrollo e interpretaciones la convierten en una de las mejores películas de Dante Lam y un imprescindible que merece ser visto varias veces. No obstante es uno de los taquillazos del pasado año en Hong Kong.

Aberdeen
Pang Ho-Cheun, 2014

Pang Ho-Cheung lleva algunos años sorprendiéndome cono excentricidades de la talla de Dream Home o Vulgaria, pero no obstante es un director que sabe lo que se hace, y creo que Aberdeen es un nuevo ejemplo de su saber hacer.

Para los neofitos Aberdeen es un distrito de Hong Kong, una zona costera, antiguo pueblo de pescadores, que poco a poco ha sido engullido por la gran ciudad. Y este es quizás el tema principal del que trata la película, tal y como nos contaba el director, analizar la ciudad en si, la evolución de la sociedad de Aberdeen, de sus valores, a través de una familia donde se unen varias generaciones, desde el abuelo a los nietos, y donde cada cual tiene sus problemas y sus traumas, su forma de adaptarse al mundo. Hay tenemos a Louis Koo, Eric Tsang, Miriam Yeung, Gigi Leung y Ng Man-tat, y en menor medida a Chapman To o Carrie Ng, un elenco de lujo.

Tras más de veinte minutos de película se sobreimpresiona el título de la misma, tomando como base un cartel de autopista de “Todas Direcciones”, y es que el director nos decía que esa había sido un poco su inspiración, el hecho de que un camino te lleve a todas las direcciones. A partir participaremos en un viaje entre lo real y lo onírico, una visión de la ciudad a través de sus personajes y de los problemas e inquietudes sociales de Hong Kong. Pang Ho-Cheung no deja momentos de humor, drama familiar, sueños y visiones, usando acontecimientos reales acaecidos en la ciudad para darle un acercamiento más directo al publico local (por ejemplo el caso de un marido que se divorció de su mujer al descubrir que había recibido cirugía plástica antes de casarse con él se usa como base para una de las subtramas).

Una película atractiva, que me ha gustado bastante, que tiene grandes momentos y un final que vuelve a tirar de optimismo, de que el futuro está siempre delante nuestro y hay que reconciliarse con él. Una película con detalles y matices. Muy recomendable.

The Midnight After
Fruit Chan, 2014

En su paso por Udine el director Fruit Chan demostró se una persona con buen humor, a pesar de que sus películas más conocidas en occidente suelen tirar de terror y thriller. En esta ocasión construye un thriller en tono de comedia y horror un poco loco que tiene muy buenos momentos.

Todo parte de un autobús, un vehículo de trasporte público donde un variopinto grupo de personajes normales (desde unos jóvenes estudiantes, a un yonki que huye de los traficante locales, pasando por un joven introvertido o una pareja que vuelve a casa, entre otros) se montan para llegar a su casa o lugar de destino. Pero durante su viaje, al pasar por un túnel, descubren que toda la población del barrio ha desaparecido. A partir de aquí se suceden escenas tanto desde el punto de vista del thriller de terror, como momentos de comedia, todo ello bien desarrollado y equilibrado, enganchando al espectador por el “que pasará ahora” o “que ha sucedido realmente”.

Conforme la película avanza el ritmo decae, hay varios momentos de conversación o uno de “tortura” que se hacen pesados y casi aburridos. Conforme se acerca el final la cosa torna hacia la locura, con cosas realmente raras (mejor no hablar mucho y así lo descubrís), hecho no necesariamente malo, pero que a mí no me terminó de convencer. Cuando el film termina ves que el guión hace aguas por algunos sitios, las explicaciones son entre inexistentes e inverosímiles para las cosas que han sucedido, algunas escenas quedan descolgadas… vamos que no esperes verosimilitud, es más bien para dejarse llevar.

A pesar de que parece que estoy recalcando un poco los puntos negativos, la película en general es recomendable, funcionando en su primera mitad, quizás más, muy bien tanto en el thriller como en los toques de comedia.

That Demon Within
Dante Lam, 2014

La segunda película que Dante Lam traía este año a Udine es That Demon Within, y me alegro mucho ya que el mismo nos reconocía que Unbeatable y esta eran una especie de dualidad, las dos caras de una moneda. A pesar de no tener nada que ver, si Unbeatable nos ofrecía un mensaje de esperanza, esta nos lo ofrece de desesperanza.

Dave, interpretado por Daniel Wu, es un policía aparentemente normal que trabaja como guardia de un hospital. Un día llega un herido de un tiroteo, realmente el sanguinario jefe de una banda de ladrones interpretado por Nick Cheung, y le dona sangre salvándolo, lo cual provoca el enfado del detective que lideraba la operación para detenerlo que había perdido varios hombres a sus manos. Poco a poco iremos conociendo realmente a Dave, sus obsesiones y como es alguien “conflictivo” dentro del cuerpo a pesar de una gran hoja de servicios. Y no quiero decir más, ya que parte de la gracia de esta película es descubrir su desarrollo.

Esta es una de las películas más oscuras del director, el cual nos comentaba que esta era una especie de cierre de una trilogía de películas oscuras que empezaba con The Beast Stalker y seguía con The Stool Pigeon. Su arranque es simplemente brutal, con una banda sonora tremenda y una fuerza visual muy potente, a esto hay que sumar unas escenas de acción tremendas y unos tiroteos muy directos. El desarrollo es bueno, si bien tiene algunos bajones de ritmo, normal cuando te centras en explorar la mente de una persona, cosa que a Dante Lam le gusta hacer.

Aparte de la acción o el apartado técnico y la BSO, la película se basa en Daniel Wu, y es que creo que no he visto a Wu así en mi vida, realmente hay momentos en que da un miedo terrible, delgado, con ojeras, y esa cara de aparente niño bueno medio loco… bufff, me ha encantado su interpretación, a pesar de que si pensáis en la película después de verla veréis como el guión tiene algunos fallos muy gordos en su premisa. Por último, aunque no afecte al conjunto, no puedo dejar de decir lo horrible que me parece el fuego digital, a ver si se cortan las manos los del CGI.

En fin, una gran película, que te hace pasar momentos realmente inquietantes, a pesar de sus pequeño fallos, y con un sobresaliente Daniel Wu.

Después de unos meses continuamos con nuestras Opiniones Cruzadas, donde compañeros y amigos comentan o reflexionan sobre las diferentes películas que ha podido verse en el pasado Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2013. Hoy volvemos con Jose Luis (@jluisrosalesch), que nos expone sus impresiones sobre algunas de las películas vistas en este festival.

Horror Stories II
Corea del Sur, 2013.
Directores: Min Kyu-dong, Jung Bum-shik, Kim Hwi, Kim Sung-ho.

Secuela de la infumable “Horror Stories”, en este caso, con alguna que otra historia visible.

Mientras que en la primera cinta, el nexo de unión de las historias era una chica secuestrada a la que el secuestrador obligaba a contarle historias de terror, aquí nos adentramos dentro del archivo de una compañía de seguros donde un jefe y su subordinada revisan varios casos extraños (Tanto este como el nexo de la primera parte están dirigidos por Min Kyu-dong). Por supuesto, esta historia para anexionar casos tendrá su final dentro de los cánones de la saga.

El primer caso, dirigido por Kim Sung-ho, se llama “The Cliff”. Esta historia nos cuenta las peripecias de dos amigos que se van de excursión y quedan atrapados en el acantilado del título. Es muy entretenido, si bien es cierto que podría haber tirado un poquito más por el terror que provoca la supervivencia y las cosas que se podrían hacer en esa situación, pero, en realidad (como ya nos dejó claro la primera peli), esto va más por el rollo sobrenatural y pegar sustos, y la verdad es que no lo hace mal y se pasa un buen rato viéndola.

Aquí llega la parte aburrida de la peli, el segundo caso llamado “The Pain of Death”, dirigido por Kim Hwi. ¿Qué decir?, esta historia de dos amigas que tienen un accidente de coche podría haber dado mucho de sí, ya que el tema es muy jugoso, pero en este caso se trabaja bajo la previsibilidad total y la falta de interés que despierta en el espectador. Ideal para hacer una siestecita antes del punto fuerte de la cinta.

El tercer y último caso es “Escape” de Jung Bum-shik. Rodado en tono de comedia es el mejor de los tres, es más, creo que es un corto muy recomendable (parece ser que en estas películas de relatos de terror la mejor parada siempre es la rodada en tono de comedia, en la cinta Tailandesa “3 A.M. 3D” pasa lo mismo, tercera historia en tono de comedia, de lo más recomendable). Aquí se nos cuentan las vicisitudes de un profesor novato que es asignado a una clase de chicos problemáticos. Tras no empezar con buen píe (los alumnos hicieron con él lo que quisieron) y llegar al ridículo más extremo, decide hacer un pacto con el diablo para poder superarlo, gracias a una alumna suya que resulta ser seguidora de Satán. Trama delirante para un desarrollo igualmente tratado. Muy divertido y que destaca muchísimo sobre el resto de historias, y ya ni hablemos de las historias de la primera película, que ni llegan al nivel de la segunda historia de ésta.

Por lo tanto, este “Horror Stories II” es una mejora importante con respecto a la primera. Aún así, si exceptuamos la tercera historia (que directamente es una comedia), la película no llega al nivel de lo que se espera del cine de género, pero da esperanzas a que la tercera (si la hay, claro) llegue.

Jellyfish Eyes
Japón, 2013.
Director: Takashi Murakami.
Intérpretes: Himeka Asami, Masataka Kubota, Asuka Kurosawa.

¿Cómo sería Pokemon si se hiciera en acción real?, pues creo que la película de Murakami es el mejor exponente de cómo debería ser.

Entretenidísima cinta infantil, en la que un niño, Masashi, que ha perdido recientemente a su padre, al ir a vivir a un pueblo se encuentra una criatura al más puro estilo Pikachu. A su vez ve que los otros niños tienen sus propias mascotas sobrenaturales. Por supuesto, no faltan los malvados que usan a estas criaturas para sus propios fines. No hay que engañarse, esta película está destinada a los más pequeños de la casa ya que la simpleza del guión o el ridículo de algunas cosas (los villanos, por ejemplo) no son aptas para algunos estómagos. Así que hay que liberarse totalmente de prejuicios antes de meterse de lleno en la película, si se consigue, la sonrisa de satisfacción al finalizar está asegurada.

Shield of Straw
Japón, 2013
Director: Takashi Miike
Intérpretes: Takao Osawa, Nanako Matsushima, Goro Kishitani

Este año se homenajeaba a Miike en el festival (libro, premio y retrospectiva), a su vez nos trajo dos de sus más recientes películas, “Shield of Straw” es una de ellas.

Miike demuestra con esta película que ya está preparado para rodar taquillazos USA. Los parecidos con la extraordinaria “The Gauntlet” de Clint Eastwood, son más que evidentes. Aquí, cuatro policías deben custodiar a un asesino para ser juzgado, el problema radica en que el padre de su última víctima es un hombre muy rico y ofrece un millón de Yenes a la persona que lo mate, así que su viaje al juzgado es un pelín más complicado de lo que debiera. La película está dirigida con ritmo, no aburre y cumple sobradamente con los requisitos mínimos de este tipo de películas. Por supuesto, nada tiene que ver con el estilo Miike, cosa innecesaria realmente, ya que está claro que aquí prima otra cosa, esto es cine taquillero y aquí Miike ha demostrado que lo maneja con soltura, consiguiendo un film asequible para todo el mundo. Al finalizar la película tuve la sensación de que esta aproximación de Miike al más puro estilo Hollywood no debe ser casual y que en unos años le veamos haciendo alguna superproducción por esos lares (incluso puede que un remake de este film).

De la segunda película presentada por Miike (y de tres films más) hablaré en la próxima entrega, última ya, de mi repaso por el cine asiático que he visto en el Sitges 2013.

Continuamos nuestro repaso asiático a todo lo que pudimos ver en nuestro viaje al Udine Far East Film Festival. Hoy seguimos de forma cronológica con lo que pudimos ver el día 27 más alguna cosa que se nos había quedado pendiente, una crónica compuesta por cine clásico coreano, el blockbuster del año pasado en japón, una comedia muy hongkonesa y la mayor decepción del cine de acción en años, el hype desinflado. Vamos a ello.

Flame in the Valley
Kim Soo-yong, 1967

Siempre es un lujo poder ver una película clásica restaurada y recuperada de un país como Corea del Sur, que debido a su convulsa historia de dictaduras militares, no siempre ha tenido un acceso sencillo a su propia cinematografía. En este aspecto Undine siempre ha tenido una buena relación con el Korean Film Council y esto nos ha permitido disfrutar de esta producción.

Nacida como una obra de teatro estrenada en 1962 en el Teatro Nacional, nos traslada a la década de 1950 durante la Guerra de Corea a un pequeño pueblo rural del suroeste del país. Aquí solo viven mujeres y niños, perdidos todos los hombres en la Guerra o en los reclutamientos forzosos. Un día un desertor del Ejercito de Corea del Norte se refugia en el bosque de bambú cercano al pueblo. Una viuda (cuyo marido luchó en le Sur) se lo cruza y comienza una relación entre ellos, pero otra viuda (cuyo marido lucho por el Norte) descubre su secreto.

La obra de teatro original mostraba de forma indirecta los daños provocados por la guerra representados en esa aldea donde solo quedan mujeres, además de un mensaje anti-comunista en la relación de las dos viudas. En la película Kim Soo-yong se aleja de la crónica social y del mensaje ideológico para centrarse en otros aspectos como el deseo o la naturaleza humana, temas que otros realizadores como Kim Ki-young también trabajarían de forma muy insistente.

La potente fotografía en blanco y negro, las impresionantes localizaciones, una banda sonora escasa y concreta, casi inquietante, y un ejercicio dramático con un buen manejo de la tensión y una forma de tratar a los personajes muy particular hacen de esta película un ejercicio cinematográfico digno de verse si quiere descubrirse el cine clásico coreano.

The Eternal Zero
Takashi Yamazaki, 2013

Unos de los grandes éxitos de taquilla japoneses, dentro del top 10 de mayor recaudación de la historia del país, y flamante ganadora de esta edición del Far East Film Festival, The Eternal Zero es la adaptación de la novela “Eien no Zero” de Naoki Hyakuta. Su director, Takashi Yamazaki es bien conocido por sus adaptaciones de mangas como Returner, Space Battleship Yamato o Always.

Durante el funeral de su abuela, Kentaro Saeki, interpretado por el joven Haruma Miura, se entera de que Kenichi Oishi, el hombre que creía su abuelo no lo era en realidad. Kentaro y su hermana Keiko, encarnada por Kazue Fukiishi, se embarcan entonces en la búsqueda de su verdadero abuelo, Kyuzo Miyabe, magníficamente interpretado por Junichi Okada, que murió como kamikaze durante la Segunda Guerra Mundial. Conversando con antiguos veteranos de guerra todo parece apuntar a la falta de honor y cobardía de su abuelo, pero la investigación desvelara toda la verdad.

Takashi Yamazaki construye un drama humanista en torno a la figura de Miyabe, un hombre tildado de cobarde solo porque deseaba volver con su familia, que era lo que mas le importaba en el mundo, un hombre que veía la guerra como una atrocidad que haría perder a toda una generación de jóvenes japoneses, un hombre capaz de aceptar su destino solo cuando estuvo seguro de que lo que mas quería estaba a salvo. Para unos una especie de alegato antibelicista, para otros un cine aparentemente propagandístico que honra el valor y estoicismo de los soldados, por encima de la glorificación de la propia guerra, como ya hicieran en su día clásicos como Tomotaka Tasaka y Keisuke Kinoshita.

El director se aleja de los artificios mostrados en otras obras suyas y las escenas de guerra son escasas, centrándose más en mostrar los valores de Miyabe y como influye en sus compañeros y alumnos. Aún así las escenas de aviación son buenas, sin alardes pero con grandes momentos. Digamos que Yamazaki interpreta las ideas de la novela original más en el corte de su propio melodrama “Always”.

Es comprensible que haya gustado en Japón, dado que tira directamente de historia y sentimientos muy relacionados con el país. También es comprensible que no guste demasiado en los países limítrofes, por motivos similares. La cosa es que es una gran película, que no abusa de nacionalismos ni belicismos y que muestra una historia humana y universal.

Golden Chickensss
Matt Chow, 2014

Hace más de 10 años Sandra Ng dio vida a Kam, una entrañable, optimista y aguda prostituta con una malsana obsesión con Andy Lau. Golden Chickensss es la tercera parte de la saga iniciada en 2002, pero realmente sin una continuidad real, en donde vemos que Sandra Ng sigue en plena forma.

Las prostitutas en Hong Kong son llamadas Chickens en el argot local. Kam es una veterana madam que a pesar de tener ya cierta edad es reconocida y hace su trabajo con buen hacer y preocupación por sus clientes. La película comienza con una serie de gags y viñetas explicando que es eso del
“oficio más antiguo del mundo”, unas escenas llenas de cameos, destacando a Donnie Yen haciendo de Ip Man, y muy muy divertidas. Después de esto nos centraremos en la vida de Kam, que ha ascendido desde el autoempleo a una madam de pleno derecho, y su variopinto grupo de chicas.

La película mezcla gags subidos de tono con una parte de comedia mas sentimental, pero donde predomina un humor muy local, en donde se hacen multitud de referencias que tienen más gracia si se conoce el contexto Hongkonés de donde provienen. Igual sucede con muchos de los cameos que aparecen y que juegan con la ironía de los personajes que encarnan, dstacando uno de Louis Koo haciendo de imitador de Louis Koo, genial. Aún así la película funciona muy bien aunque uno no tenga claros muchos de los chistes que se construyen en ella. El punto irónico y mordaz es quizás su gran baza.

Este año en Udine hemos visto muchas comedias, esta tuvo la suerte de ser la primera de ellas y yo al menos me reí mucho con ella a pesar de ser consciente de que me perdía más de un chiste. Tras esta vimos algunas que no tenían realmente mucha gracia, pero ya hablare de eso en su momento.

The Raid 2
Gareth Evans, 2013

The Raid fue una de esas películas minoritarias que creció como si fuera un monstruo gracias a las nuevas tecnologías, creando una expectación inusitada por las imágenes que nos habían ofrecido las redes sociales. Luego no defraudo, y es, a efectos prácticos y a pesar de que no ha inventado nada que los hongkoneses no hubieran inventado ya, una de las grandes películas de acción de la última década, cruda, directa, que iba a lo que iba y ofrecía lo que prometía. Esta segunda parte sin embargo es un ejercicio pretencioso, mal realizado y aburrido, donde Gareth Evans se ha perdido en estilismos y guiones vacíos y ha olvidado la esencia que lo ha llevado a donde está.

En The Raid 2 se ha querido dar mucha más importancia a un guión y una historia que en la primera parte, donde la acción lo copaba prácticamente todo. Esto no sería malo si el guión no fuera vacío e insustancial, si la historia no fuera algo mil veces visto, mal desarrollado y en general aburrido. Una historia manida y a veces estúpida, que evoluciona hacia una especie de adaptación de un mal cómic cuando quiere superarse a si misma para ofrecer lo que el “fandom” espera y se plaga de asesinos estrambóticos o un “malo” en mi humilde opinión ridículo. A esto se le unen los estilismos, los recursos visuales y la forma de tratar muchas escenas, que si bien buenas por separado, juntas hacen una especie de batiburrillo sin pies ni cabeza, como si Gareth fuera el típico director de cortos que toma escenas grandiosas y recursos de muchas películas, las junta y hace un engendro que en el fondo no tiene nada de original o atractivo. El director quiere ser alguien que no es.

¿Pero que estoy diciendo? Si lleva el nombre de The Raid queréis acción y no tontunas de guión aunque estas ocupen más de una hora y media de metraje ¿no?. Pues acción hay, pero no el festival de la primera parte, sino que aquí las escenas se mezclan con la historia, lo cual hace que cuando crees que va a empezar fuerte, siempre se vuelva a parar y te deje un poco a medias. Parte de la acción además está muy desaprovechada, peleas metidas porque tocaba sin mucha relación con lo que esta pasando. Si quieres una historia, se consecuente con ella. A efectos prácticos la acción es mucho más salvaje que en la primera parte, cosa que a mi al final me saturó un poco, porque si en la tercera hostia dislocas un brazo, en la quinta incrustas una cabeza en una tubería y en la décima rajas una pierna de abajo a arriba… ¿que te queda para las dos horas y diez minutos restantes? Pues mas de lo mismo en cantidades industriales. En mi opinión The Raid lo tenia más equilibrado y ajustaba mejor la acción para sorprender, además de que estaba menos manipulada digitalmente, que en esta segunda parte bufffff.

“Pero eres un criticón, acción hay y mucha”, es cierto, acción tendréis y es lo único salvable de la película, sobre todo esa primera introducción en los lavabos de la cárcel, la persecución en coche que es impresionante y brutal, y parte de la pelea final, que al menos tiene una coreografía más o menos visible. También cierto enfrentamiento con unos productores de películas porno tiene buenas escenas.

En definitiva, que los momentos de acción que pueden ser interesantes no salvan una película pretenciosa, vacía y aburrida en general, una película donde Gareth Evans quiere ser un director que no es y (parafraseando a Enrique Garcelan) “ha quedado atrapado en en un traje que no es el suyo, ha querido ser “fashion”, cuando a diario te vistes con bermudas y camiseta de manga corta.”

Durante la novena edición de la Semana de Cine de Hong Kong en Barcelona, se proyectará una selección de siete títulos. Casa Asia, Cinemes Girona y la Hong Kong Economic and Trade Office de Bruselas colaboran para dar continuidad a este ciclo, que ofrece la producción cinematográfica más representativa del último cine hongkonés, a cargo de directores como Heiward Mak-Hei Yan, Jin Wong, Adam Wong, Longman Leung o Vincent Chui, entre otros.

Programa:

Jueves, 22 de mayo de 2014

21.30 h The Way We Dance, Adam Wong, 2013. 110’. VOSE

Fleur es una chica criada en una tienda de tofu con una gran habilidad para el baile. Cuando ingresa en la universidad, es admitida en el grupo de baile Los Bomba, cuyo gran objetivo será derrotar a la banda rival, Los Rooftoppers. En esa creciente rivalidad, Fleur conocerá a Alan, el presidente del club de Tai Chi, de quien se enamorará.

Viernes, 23 de mayo de 2014

20.00 h Love Me Not, Gilitte Pik Chi Leung, 2012. 101’. VOSE

Un retrato dulce y atrevido que cuenta la historia de Dennis y Aggie, amigos desde la escuela primaria y compañeros durante cinco años. Él, homosexual, trabaja en un taller de pintura, mientras que ella, lesbiana, es una fotógrafa y aspirante a cineasta.

22.00 h Fig, Vincent Chui, 2012. 90’. VOSE

La muerte de un niño cambia todo en la casa de Ka. Esta deja a su marido y decide emprender un viaje a Macao, donde conoce a un hombre que aún culpa a su padre mujeriego por la muerte accidental de su madre. Ambos cultivarán una buena amistad.

Sábado, 24 de mayo de 2014

16.00 h Fig, Vincent Chui, 2012. 90’. VOSE

La muerte de un niño cambia todo en la casa de Ka. Esta deja a su marido y decide emprender un viaje a Macao, donde conoce a un hombre que aún culpa a su padre mujeriego por la muerte accidental de su madre. Ambos cultivarán una buena amistad.

18.00 h My Sassy Husband, James Yuen, 2012. 110’. VOSE

Hace diez años, Cheung Sub Sam y Yo Yo Ma se casaron para cumplir una promesa por parte de sus padres, sólo para enamorarse de verdad el uno del otro, independientemente de su gran diferencia de edad ya que ella tiene 18 años. Ahora, Sam está experimentado la crisis de los 40 mientras que Yo Yo empieza a pensar que su marido es insípido, falto de agresividad y sin ningún tipo de planificación. Del mismo modo, la obstinación de Yo Yo y el hábito de compras son considerados como gestos de inmadurez por el mismo Sam. En un giro de los acontecimientos, la pareja descubre que el sacerdote que certificó su matrimonio no está oficialmente reconocido y eso provoca que su matrimonio no sea válido.

20.00 h The Way We Dance, Adam Wong, 2013. 110’. VOSE

Fleur es una chica criada en una tienda de tofu con una gran habilidad para el baile. Cuando ingresa en la universidad, es admitida en el grupo de baile Los Bomba, cuyo gran objetivo será derrotar a la banda rival, Los Rooftoppers. En esa creciente rivalidad, Fleur conocerá a Alan, el presidente del club de Tai Chi, de quien se enamorará.

22.00 h The Last Tycoon, Wong Jin, 2012. 107’. VOSE

Una nueva mafia hace aparición en Shanghai. Película que aborda la figura de Du Yuesheng, un jefe de la mafia china que crea un imperio histórico entre los años veinte y treinta, hasta que al comienzo de la Segunda Guerra Mundial acaba implicándose en política.

Domingo, 25 de mayo de 2014

16.00 h Diva, Heiward Mak-Hei, 2012. 101’. VOSE

La película cuenta la historia de la diva J, que pierde su voz temporalmente por un accidente y decide irse a un pueblo alejado de la gran ciudad para reencontrarse consigo misma. Allí encontrará a Hu Ming, un joven ciego del que se enamorará y que la animará para que vuelva a los escenarios. Sin embargo, al regresar a Hong Kong, una nueva diva le ha usurpado el puesto.

18.00 h Cold War, Longman Leung, Sonny Luk, 2012. 101’. VOSE

La policía de Hong Kong controla implacable la ciudad. Son totalmente intocables en la ciudad más segura de Asia. Sin embargo, una noche reciben una llamada anónima en el cuartel que informa del secuestro de cinco oficiales y un camión cargado de material policial. Para poder liberar a los rehenes tendrán que cumplir todas las demandas de los secuestradores.

Cinemes Girona 
c/ Girona, 175
Barcelona

Entrada individual: 2,5 euros
Entrada reducida: 1 euro

“Tras una década, un viernes de cada dos, los programas dobles de “cinéma bis” se han convertido en una cine ineludible para los amantes de las serie B y Z, continuando atrayendo la curiosidad de los espectadores atraídos por las películas fuera de lo común, extrañas y excéntricas, exhumadas del olvido por las nuevas generaciones de cinéfilos.”

Así se presenta el proyecto más alocado de la Cinémathèque française, que parece ser que tiene una mente mucho más abierta que la inmensa mayoría (quizás todas) de las filmotecas mundiales. Bajo la dirección de Jean-François Rauger, como ellos mismos dicen, llevan más de diez años acercando a los espectadores, en rigurosa sesión doble, el cine que no se nos muestra fácilmente. El verdadero cine invisible. Y su trabajo es impecable. Tienen la extraña habilidad de ser capaces de encontrar algo más donde parece que ya no quedaba nada. Porque, esa es otra, no se dedican a poner los clásicos de estos géneros olvidados, sino que se preocupan de rebuscar mejor en los cajones y sorprendernos.

¿Qué pretende ser esta retrospectiva? Pues una traslación literal de aquel Cinéma bis francés. De cuando en cuando iré traduciendo los textos que acompañan a estos programas dobles. No es un trabajo especialmente sencillo, pero es gratificante. Espero que lo disfrutéis como lo disfrutaré yo. (Silien)

Sirva esta pequeña presentación a modo de recopilatorio, cuando se vayan publicando nuevas entregas iré actualizando este hilo para que quede todo ordenado y concentrado.

Considerado por algunos como un genio, Chusei Sone es sin duda el autor más incomprendido del Roman Porno y aquel más merecedor de ser revaluado. Culpa de las circunstancias históricas que llevaron al cineasta a retirarse definitivamente del mundo del cine a finales de los años ochenta, tras un fracaso comercial (Flying). Nacido en 1937 y diplomado en Historia del Arte por la Universidad de Tohoku, entra en la Nikkatsu en el 62 y se convierte, notablemente, en el asistente de Seijun Suzuki (Youth of the beast ,Tokyo drifter), que tendrá sobre él una influencia determinante. Con el fin de completar su escaso salario de asistente, colabora como guionista con el cineasta pink Koji Wakamatsu (Sex Jack, Ecstasy of the angels) con el seudónimo de Yoshiaki Otani; colectivo bajo el cual trabajan igualmente Atsushi Yamatova y Yozo Tanaka, dos brillantes guionistas que se convertirán en sus principales colaboradores (Showa onnamichi: Rashomon, la serie A!! Hana no oendan), y con los cuales integra el Hachiro Guryu (el Grupo de los Ocho), el famoso equipo de guionistas formado alrededor de Seijun Suzuki y autor de la cultísima Branded to kill(1967).

Dotado de un sentido único de la dirección, Sone es junto a Masaru Konuma (Sasurai no koibito: memai) el cineasta más extremo del género y aquel que estará llamado a exprimir mejor su creatividad a través del Roman Porno. Director de éxito (33 Roman Porno del 71 al 86) destaca por su sentido de la parodia rozando a menudo lo grotesco. Por otra parte, su importancia va más allá del Roman Porno, ya que rodó para el Art Theatre Guild (Furenzoku satsujin jiken), fundó su propia productora (Film Workers), y la Nikkatsu le confió la dirección películas “normales”, como la serie A!! Hana no oendan, comedia desenfrenada sobre la cultura de las animadoras universitarias, que se convirtió en Japón en un gran suceso de público. Es también reconocido por sus adaptaciones de mangas, entre ellas la serie Angel Guts, dibujada y escrita por Takashi Ishii, de la que supo trasladar con una rara intensidad el universo erótico y violento (High School Coed , Red Classroom).

En Delinquent Girl, película juvenil paródica, el cineasta retoma el personaje de joven ingenua interpretado por la actriz Yuko Katagiri en Secret chronicle: prostitution market (1972), para narrar la depravación en un Tokio contemporáneo. Deconstruye el guión y le aporta una dimensión absurda, reescribiendo el final inicialmente previsto. Por el contrario, Shinjuku, Messy District es una película atípica, que no pertenece a ningún género. Obra de culto, le debe mucho a la personalidad de su talentoso guionista, Haruhiko Arai (The Woman with Red Hair), que firma aquí su primer Roman Porno. Bajo la forma de una autoficción que narra las aventuras de un aspirante a guionista, la película describir con vivacidad la efervescencia del barrio de Golden Gai, algo así como el Greenwich Village de Tokio.

Dimitri Ianni (Cinémathèque française)

Título: Delinquent girl: Alley cat in heat Título V.O: Furyo shoujo: noraneko no seishun Director: Chusei Sone Año/País: 1973 / Japón Duración: 70 minutos Género: Roman porno (Erótico) Reparto: Setsuko Ohyama, Yuko Katagiri, Hideaki Ezumi

 

Título: Shinjuku, Messy District: I’ll be there Título V.O: Shinjuku midaregai: Ikumade matte Director: Chusei Sone Año/País: 1977 / Japón Duración: 81 minutos Género: Erótico, Drama Reparto: Miyako Yamaguchi, Moeko Ezawa, Machiko Aoki, Hiroshi Gojo

La reputación de la Nikkatsu reposa sobre un cierto número de factores: el empleo de grandes autores (Kenji Mizoguchi en sus comienzos, Yuzo Kawashima, Shohei Imamura), sobre una apertura a la modernidad a finales de los años cincuenta, sobre una cierta manera de reinventar los films de gangsters (Koreyoshi Kurahra, Seijun Suzuki), sobre la invención, finalmente, del Roman Porno, categoría autónoma nacida al principio de los años setenta para evitar la quiebra del estudio. Las películas de monstruos (kaiju eiga) por el contrario no se asociaron jamás con la Nikkatsu. Es la Toho, tras el éxito de Godzilla en 1954 y Rodan en 1956, la que se hizo especialista en el género, produciendo intensivamente, durante más de dos décadas, obras que ponían en escena a gigantescas criaturas destruyendo Tokio y algunas grandes ciudades. El primitivismo de los efectos especiales (un figurante vestido con un pesado traje de caucho rodeado de maquetas) no impedía una cierta inventiva poética.

Otros estudios intentaron competir con la Toho en su propio terreno, como la Shochiku, que inventó a Itoka, el monstruo de las galaxias, la Toei y sus Monstruos del apocalipsis, la Daiei, que creó la tortuga a reacción Gamera y, claro está, la Nikkatsu, con ese efímero Daykioju Gappa, dirigido en 1967 por Haruyasu Noguchi, cineasta de la casa que firmará seis películas entre 1965 y 1967. Un grupo de científicos descubre un huevo gigantesco del que nace un monstruito que sus padres quieren recuperar. La particularidad de “Gappa”, más allá del sentido familiar, es la de poder desplazarse tanto por la tierra, como por el aire o bajo el mar. Entre los actores contamos con Tatsuya Fuji, que fue el protagonista, ocho años más tarde, de El imperio de los sentidos, de Nagisa Oshima. El fracaso comercial disuadirá a la Nikkatsu de continuar en el género. Daykioju Gappa se estrenó en Francia en 1970, tres años más tarde de su producción, con el fantasioso título de Gappa, el hijo de Godzilla.

Como complemento de la sesión doble, en forma de contrapunto dialéctico, proponemos una producción representativa de la Toho rodada en 1974 por los 20 años de la creación del personaje, Godzilla vs MechaGodzilla, de Jun Fukuda. La película, tras el fracaso comercial de Godzilla vs Megalon, logra relanzar una figura agotada por el infantilismo y lo cómico. Desembarazado de todo tipo de florituras inútiles que congestionaban las producciones precedentes, el guión hace que se enfrente el célebre lagarto gigante con su doble mecánico, enviado por los malvados extraterrestres. Godzilla vs MechaGodzilla fue dirigido por Jun Fukuda, autor de varias entregas de la serie.

Jean-François Rauger (Cinémathèque française)

Título: Gappa. Monster from a Prehistoric Planet Título V.O: Daikaiju Gappa Director: Haruyasu Noguchi Año/País: 1967 / Japón Duración: 90 minutos Género: Kaiju Eiga Reparto: Tamio Kawaji, Yôko Yamamoto, Yuji Okada, Koji Wada, Tatsuya Fuji

 

Título: CiberGodzilla, Máquina de Destrucción Título V.O: Gojira tai Mekagojira Director: Jun Fukuda Año/País: 1974 / Japón Duración: 84 minutos Género: Kaiju Eiga Reparto: Masaaki Daimon, Kazuya Aoyama, Akihiko Hirata, Hiroshi Koizumi, Reiko Tajim

El próximo domingo día 1 de Junio dará comienzo el Festival de Granada – Cines del Sur, uno de mis festivales favoritos. Este es un festival pequeñito, pero con una calidad increíble, donde he visto grandisimas películas en alguna de las mejores secciones oficiales de todos los festivales españoles (y no exagero en nada), un festival que este año recupera una de las cosas que no he podido vivir en persona, las pantallas abiertas, con cine al aire libre en los marcos incomparables de Granada. Este año no podré asistir, pero tendremos enviado especial, nuestro compañero y amigo Jose Luis, que nos dará cumplida cuenta de todo lo que de de sí el evento asiáticamente hablando, programación específica que repasamos hoy aquí de forma rápida..

Inauguración

KÖKSÜZ (NOBODY’S HOME)
Turquía. 2013. 81min.
Director: Deniz Akçay
Intérpretes: Ahu Türkpençe (Feride), Lale Başar (Nurcan), Savaş Alp Başar (İlker), Melis Ebeler (Özge)

Tras la desaparición de su marido, Nurcan se queda a cargo de su hija mayor, Feride, y sus dos hijos adolescentes, İlker y Özge. Nurcan se casó muy joven, antes de haber desarrollado su propia personalidad. Sus años de matrimonio con un marido dominante la llevan a adoptar el papel de víctima desamparada. En su ausencia, Nurcan obliga a Feride a asumir más responsabilidades, al tiempo que se olvida obstinadamente del trauma de sus dos hijos menores. Consciente de los defectos de su madre, la joven Feride se ve en la necesidad de erigirse como cabeza de familia. Sin embargo, ya tiene la carga de ser la hija mayor de una familia disfuncional y, con esta responsabilidad añadida, Feride está cada vez más alienada.

Nobody’s Home es la historia de cuatro personajes con dificultades para volver a ser una familia tras una gran pérdida, los cuales acaban por destruirse ellos mismos día tras día.

Pinche aquí para ver el vídeo

Sección Oficial

CHILLA (40 DAYS OF SILENCE)
Uzbekistán, Alemania, Francia, Holanda. 2013. 88min.
Director: Saodat Ismailova.
Intérpretes: Rukhshona Sattarova (Bibicha), Barohat Shukurova (Khamida), Saodat Rahimova (Bibi Saodat), Farida Olimova (Sharifa).

En un pueblo aislado, rodeado por altas montañas, viven cuatro mujeres de diferentes generaciones bajo un mismo techo, unidas por una joven llamada Bibicha. Perseguida por su pasado, con un futuro desconocido y un presente angustioso, Bibicha decide hacer un voto de silencio. Ninguna conoce sus motivos pero todas deciden apoyarla en su viaje interior hacia la madurez.

Retrato cuasi etnográfico de la vida cotidiana en las montañas uzbekas, 40 Days of Silence nos ofrece un relato sobre una tradición mantenida y liderada por mujeres en la que, inevitablemente, los hombres marcan su constante presencia a pesar de estar ausentes físicamente. Onírico y hermoso, el film de la directora uzbeka Saodat Ismailova nos propone una reflexión sobre las tensiones entre la tradición y la modernidad.

BING DU (ICE POISON)
Taiwán, Myanmar. 2014. 95min.
Director Midi Z
Intérpretes: Ke-Xi Wu (Sanmei), Shin-Hong Wang (conductor), Cai Chang Zhou (padre), Shu Lan Yang (madre de Sanmei), Shang Da Li (tío del conductor).

En el norte de Myanmar, en el estado de Shan, un joven agricultor y su padre apenas pueden sobrevivir con su escasa cosecha de maíz, de modo que tienen que bajar de las montañas al pueblo para pedir dinero prestado a sus familiares que trabajan en las minas de jade o en plantaciones de opio. Sin embargo, estos también se ven arruinados a causa de una serie de documentos extraviados, de engaños y de corrupción. Finalmente, el padre acaba empeñando su vaca por una motocicleta para que su hijo pueda ganarse la vida como taxista. Su primera clienta es Sanmei, que ha vuelto a Myanmar para enterrar a su abuelo. Cuando Sanmei acepta un trabajo como contrabandista de drogas, convence al joven granjero para que sea su conductor.

Con sensibilidad, un humor sutil y un estilo majestuoso y minimalista al mismo tiempo, Ice Poison examina discretamente los sentimientos de alienación de estos dos jóvenes, así como sus miedos a perder el modo de vida que llevan.

Pinche aquí para ver el vídeo

ASABANI NISTAM!(I’M NOT ANGRY!)
Iran. 2014. 110min.
Director: Reza Dormishian.
Intérpretes: Baran Kosari (Setareh), Navid Mohammadzadeh (Navid), Reza Behboudi (señor Javadi), Misagh Zare (señor Bagheri), Milad Rahimi (Ahmad), Vahid Ghazi Zahedi (Vahid Tarantino)

Navid es un ciudadano kurdo-iraní que vive en Teherán. Durante las protestas que siguieron a las elecciones de 2009, conoce a Setareh. Los jóvenes continúan su activismo político en la universidad hasta que Navid es expulsado de la institución. Por si esto fuera poco, el padre de Setareh le pide que se mantenga alejado de ella, alegando que su precaria situación económica va a arruinar el futuro de su hija. Desesperado, Navid pide un periodo de gracia para encontrar un trabajo y un techo que ofrecerle a su pareja. Sin embargo, su búsqueda en la frenética Teherán solo le hará ser más consciente de los diferentes estratos sociales que cohabitan en la capital. A medida que pasa el tiempo, su frustración se va transformando en agresividad.

LIAR’S DICE
India. 2014. 103min.
Director Geetu Mohandas.
Intérpretes: Nawazuddin Siddiqui, Geetanjali Thapa, Manya Gupta.

Kamala vive con su hija Manya en Chitkul, un pueblo tranquilo cerca de la frontera indotibetana. Tras pasar varias semanas sin noticias de su marido Harud, la joven esposa y su hija emprenden un viaje en su busca. Durante su odisea, Kamala conoce a Jampa, un contrabandista de espíritu libre, originario del Tibet, que gana dinero fácil con el juego de apuestas “Los dados del mentiroso” (Liar’s Dice). Por motivos egoístas, Jampa acepta ayudar a Kamala y Manya a llegar a su destino.

Con esta narración, la realizadora Geetu Mohandas expresa cierto sentido de futilidad de la vida y su indignación con el sistema, al tiempo que explora las dinámicas en las relaciones entre hombres y mujeres. Liar’s Dice es una narración lineal de la historia de un viaje, con las alarmantes condiciones socio-políticas que vive la India actual como trasfondo.

Pinche aquí para ver el vídeo

Clausura

TOKYO BITCH, I LOVE YOU
Japón. 2013. 70min.
Director: Kōki Yoshida.
Intérpretes: Yu Yanagi (Hatsue), Kenshi Takemoto (Yoshinori), Yoi Kojima (Tomoko),
Yūko Kageyama (Sakurako), Kōichi Ito (Ippei).

Hatsue es una trabajadora del sexo que tiene un affair con Yoshinori, un hombre al que inicialmente conoció como cliente. Yoshinori se siente reprimido en su vida conyugal y sus secretos encuentros amorosos con Hatsue le proporcionan paz y tranquilidad. Hatsue evita, por lo general, entablar acercamiento emocional alguno con los demás. Sin embargo, cuando está con Yoshinori, siente que tiene una relación sentimental como la de cualquier otra mujer. Un día, uno de los compañeros de trabajo de Yoshinori le pide que haga de avalista de un préstamo, hecho que lleva a su esposa a descubrir su relación con Hatsue.

Esta adaptación del clásico del bunraku (teatro japonés de marionetas), Los amantes suicidas de Sonezaki, de Chikamatsu Monzaemon, traslada la narración al Tokio contemporáneo.

Pantalla Abierta (Pasiegas)

ILO ILO
Singapur. 2013. 99min.
Director: Anthony Chen.
Intérpretes: Yann Yann Yeo (Hwee Leng), Tian Wen Chen (Teck), Angeli Bayani (Teresa), Koh Jia Ler (Jiale)

Ambientada en el Singapur de 1997 durante la crisis financiera asiática, Ilo Ilo relata el drama cotidiano de la familia Lim: el problemático estudiantede primaria, Jiale, y sus estresados padres, Heck y Leng. La pareja, de clase media acomodada y con otro bebé de camino, contrata como criada y niñera interna a Teresa, una inmigrante filipina. Desde el principio, Teresa es una extraña tanto dentro de la familia como en Singapur, y sufre lidiando con las travesuras de Jiale e intentando integrarse en su nueva comunidad. Con el paso del tiempo, ambos llegan a formar fuertes lazos pero, justo cuando Teresa empieza a sentirse parte de la familia, se producen una serie de circunstancias imprevistas que volverán a suponer un reto a la ‘nueva normalidad’ alcanzada.

Pinche aquí para ver el vídeo

ZINDAGI NA MILEGI DOBARA
India. 2011. 154min.
Director: Zoya Akhtar.
Intérpretes: Hrithik Roshan (Arjun), Abhay Deol (Kabir), Farhan Akhtar (Imraan), Katrina Kaif (Laila), Kalki Koechlin (Natasha), Ariadna Cabrol (Nuria), Naseeruddin Shah (Salman Habib)

Kabir se acaba de comprometer con Natasha. Para su despedida de soltero quiere cumplir la promesa que hizo con sus dos mejores amigos de la infancia: hacer juntos un viaje de tres semanas recorriendo España por carretera. El problema es que el paso del tiempo y el trabajo han creado una gran distancia entre ellos. Kabir, Imraan y Arjun parten hacia Barcelona y se lanzan en una aventura que no solo les hará limar sus diferencias, sino que también hará que se enfrenten a sus miedos. A medida que van recorriendo diferentes ciudades de España, los tres amigos verán las cosas bajo una nueva perspectiva. Obligados a quitarse las máscaras y confesar las mentiras cotidianas con las que se han visto forzados a convivir, descubrirán que “solo se vive una vez”, tal y como reza el título del film.

Pinche aquí para ver el vídeo

Retrospectiva Ritwik Ghatak

AJANTRIK (THE PATHETIC FALLACY)
India. 1958. 96min.
Director Ritwik Ghatak
Intérpretes: Kali Bannerjee (Bimal), Gangapada Basu (tío), Satindra Bhattacharya (sobrino)

En Ranchi, una pequeña ciudad industrial y minera situada en la frontera entre Bengala y Bihar, Bimal se gana la vida al volante de un taxi. Iracundo y excéntrico, el conductor mantiene una relación tan obsesiva con su coche, un Chevrolet de los años treinta, que casi parece amorosa. El vínculo es tan estrecho que llega incluso a poner un nombre: Jagaddal, que en bengalí significa “inamovible”.

Estructurada en ocho momentos diferentes de la vida de Bimal, The Pathetic Fallacy es una fábula poética y antimaterialista que mezcla drama e ironía a partes iguales.

MEGHE DHAKA TARA (THE CLOUD-CAPPED STAR)
India. 1960. 126min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Supriya Choudhury (Neeta), Anil Chattopadhyay (Shankar), Bijon Bhattacharya (Vater), Gita De (madre_mother), Niranjan Ray (Sanat), Dwiju Bhawal (Mantu)

La joven Neeta y su familia, refugiados del este de Pakistán, viven en los suburbios de Calcuta. Siempre dispuesta a ayudar a los demás, su entorno se aprovecha constantemente de su bondad a pesar de que padece tuberculosis. Obligada a posponer su boda y convertida en el único apoyo económico de su familia, Neeta tiene que luchar por superar esta adversa situación mientras que su madre comienza a sugerir a su prometido que se case con la hija menor.

La innovación de los efectos sonoros y la magnífica plasmación de las emociones han convertido a esta primera parte de la llamada “Trilogía de la Partición” en un melodrama imprescindible, donde el director Ritwik Ghatak reflexiona sobre la pobreza, la desilusión y el exilio.

KOMAL GANDHAR (A SOFT NOTE ON A SHARP SCALE)
India. 1961. 134min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Supriya Choudhury (Anasua), Abanish Banerjee (Rhringu), Anil Chatterjee (Rishi), Chitia Mandal (Jaya), Gita De (Shanta), Satindra Bhattacharya (Shibnath)

Segundo episodio de la “Trilogía de la Partición”, este film se llama Komal gandhar por un poema del célebre escritor Rabindranath Tagore que en español significa “Sí bemol”. Con fuertes tintes autobiográficos, la historia se centra en la rivalidad entre dos compañías de teatro pertenecientes al IPTA (Indian People’s Theatre Association). A través de la compleja relación amorosa entre Bhrigu, el taciturno líder de uno de los grupos, y de Anusuya, una actriz de la formación rival, Ritwik Ghatak ilustra los traumas de la Partición, la incertidumbre surgida tras la Independencia y una crítica abierta a las premisas radicales que tomaron forma entre los años cuarenta y cincuenta en el seno del IPTA.

RAMKINKAR BAIJ (RAMKINKAR BAIJ. A PERSONALITY STUDY)
India. 1975. 30min.
Director: Ritwik Ghatak.
Intérpretes: Ramkinkar Baij.

En julio de 1975, Ritwik Ghatak inició el rodaje de un documental sobre la vida y obra del escultor indio Ramkinkar Baij. Lamentablemente, el director murió antes de concluir el proyecto y de él solo han quedado para la posteridad un total de treinta minutos. A lo largo del metraje, Ghatak presenta no solo el lado más personal del artista sino que también subraya su posición de icono político. En una mezcla de vida, arte y reflexión política, Ramkinkar Baij explica ante la cámara los problemas a los que tuvo que hacer frente a lo largo de su trayectoria vital.

Tan Lejos, Tan Cerca

BIR ZAMANLAR ANADOLU’DA (ÉRASE UNA VEZ EN ANATOLIA)
Turquía. 2011. 150min.
Director: Nuri Bilge Ceylan.
Intérpretes: Muhammet Uzuner (Cemal), Yilmaz Erdogan (Naci), Taner Birsel (Nusret), Ahmet Mumtaz Taylan (Arab Ali), Firat Tanis (Kenan), Ercan Kesal (Mukhtar), Erol Eraslan (Yaşar), Murat Kiliç (İzzet), Safak Karali (Abidin).

Una noche, en un recóndito paraje de la estepa de Anatolia, en el interior de Turquía, un presunto asesino guía a un grupo de policías, acompañados por el juez Nusret y el médico Cemal, hasta el lugar donde enterró a su víctima. Pero una vez allí, no encuentran el cuerpo. Es entonces cuando prosigue la búsqueda a través de carreteras infinitas y desiertas, en un viaje que hará que la culpa y la sospecha comiencen a diluirse entre ellos, y que conducirá a las verdaderas causas del crimen.

Pinche aquí para ver el vídeo

L’IMAGE MANQUANTE (LA IMAGEN PERDIDA)
Camboya, Francia, 2013. 96min.
Director: Rithy Panh.
Intérpretes: Randal Douc.

El documental más reciente del cineasta camboyano Rithy Panh refleja una búsqueda que ha llevado a cabo durante muchos años: la búsqueda de una fotografía tomada entre 1975 y 1979 por los Jemeres Rojos cuando gobernaban en Camboya. Una imagen perdida, desconocida, que ha intentado encontrar en vano en archivos, en viejos papeles, en las aldeas de Camboya.

Adaptación del libro La eliminación, co-escrito junto a Christophe Bataille, La imagen perdida reconstruye a través de inmóviles figuritas de barro la infancia del director, un infancia perdida y llena de muerte que fue compartida por todo el pueblo camboyano y silenciada por el gobierno.

Pinche aquí para ver el vídeo

METRO MANILA
Filipinas, Reino Unido. 2013. 114min.
Director: Sean Ellis.
Intérpretes: Jake Macapagal (Oscar), John Arcilla (Ong), Althea Vega (Mai), JM Rodríguez (Alfred Santos)

Oscar Ramirez vive con su esposa Mai y sus dos hijas en los arrozales de las montañas del norte de Filipinas, rodeados de miseria y escasez. Buscando un futuro mejor, deciden mudarse a la asfixiante ciudad de Manila, donde se verán abrumados por su bulliciosa población. Oscar encuentra un empleo estable en una compañía de camiones blindados, pero pronto descubre que es un trabajo peligroso con un alto índice de mortalidad. Sin embargo, necesita el dinero y tendrá que enfrentarse a nuevos problemas, tanto en su trabajo como en su vida.

El valor que prevalecerá será el amor por su familia: la familia por encima de la tentación a sucumbir a lo que Oscar sabe que está mal, la familia por encima de su propia persona.

Pinche aquí para ver el vídeo

Continuamos nuestro repaso asiático a todo lo que pudimos ver en nuestro viaje al Udine Far East Film Festival. Para no variar seguimos de forma cronológica con lo que pudimos ver el día 28 de abril, 4 películas dispares compuestas por una supuesta comedia negra e irónica sin gracia, una simpática aunque olvidable comedia Indonesia, la ganadora del Oso de Oro en el pasado festival de Berlin y una de las comedias más delirantes y picantes de la temporada. Aquí lo tenéis.

Sweet Alibis
Lien Yi-Chi, 2014

Esta edición del Far East Film Festival ha estado un poco marcada, al menos en nuestro periplo de visionados, por las comedias, o más bien por las supuestas comedias, ya que a cosas locas y divertidísimas como Golden Chickensss, 3D Naked Ambition, de la que os hablare en este mismo artículo, From Vegas to Macao o Pee Mak, se mezclaban con otras cosas, comedietas de medio pelo, supuestas comedias japonesas en las que nadie se ríe o curiosas mezclas de géneros con resultado no demasiado satisfactorio. Esta última descripción es la que se podría aplicar a la taiwanesa Sweet Alibis.

Esta película empieza como un thriller policíaco, con un dúo protagonista compuesto por un policía solitario, despreocupado y algo desaliñado, y una policía que es la hija del jefe del distrito, novata pero muy entusiasta. Todo comienza con la muerte de un perro, caso que irá degenerando hasta implicarse en él desde una pareja de gemelos de lo más dispar, un turbulento triangulo amoroso o una pequeña mafia local. Ya sea por asesinato, tráfico de drogas o venganza, los acontecimientos nunca serán lo que parece.

Esta aparentemente atractiva sinopsis, que salvo la ridícula canción principal de la banda sonora, comienza de forma curiosa e interesante, para ir evolucionando de forma dispar, volviéndose algo ridicula, sin garra, y terminando de forma bastante mediocre. La gracia de la película es la mezcla de géneros, en donde el director rompe muchas reglas de los mismos para mezclarnos de forma en ocasiones bastante chula, en otras bastante ridícula, pero la cosa era esa, no saber muy bien como tomarse lo que estas viendo. Supongo que si entras en el juego bien, pero yo desde luego no entré y me pareció bastante mediocre y olvidable, es más me ha costado recordar detalles de la misma ahora que me he puesto ha escribir sobre ella.

Brontosaurus Love
Fajar Nugros, 2013

Y ahora nos enfrentamos a otra de esas comedias con poca gracia, esta vez con la curiosidad de venir de Indonesia, una cinematografía no excesivamente vista en occidente. Raditya Dika, el actor principal y guionista de esta película, es un personaje muy conocido y querido en Indonesia debido a un blog que escribió contando sus vivencias mientras estudiaba en Australia, vivencias recopiladas en un Best-seller llamado Kambing Jantan que también se convirtió en película.

Basada en otro libro de Raditya Dika, el original es una colección de relatos cortos que recuerdan las experiencias amorosas del autor en el amor. En la película, estos cómicos episodios no son más que una premisa, condensada en un capítulo inicial que introduce al protagonista Dika, interpretado por el propio Raditya Dika, y como su desilusión por encontrar el amor lo lleva a escribir un libro sobre estos desencuentros. Después de una curiosa promoción es contactado por un productor, reconocido pro sus películas de terror, para adaptar al cine su libro, y entre tanto conoce a Jessica, la chica que puede convencerlo de cambiar sus opiniones sobre el amor.

Esta comedia con toques románticos y de situación no es realmente para reírse durante todo su metraje, es más bien una película simpática de bajo presupuesto, con algunos gags bastante graciosos pero en general plana y sin mucho que recordar una vez que se ha visto. Se pasa un rato entretenido, te ríes algo y poco más. Donde esconde algún punto interesante es en su visión satírica del cine comercial indonesio. Ese personaje del director Soe Lim, que quiere hacer dinero solo haciendo películas de terror que dan más risa que otra cosa, convirtiendo cualquier historia en algo que el cree que le dará dinero, es una extrapolación de la moda que ha asolado el sudeste asiático con subproductos de terror desde hace ya muchos años.

Black Coal, Thin Ice
Diao Yinan, 2014

Nos encontramos ante la flamante ganadora del Oso de Oro de Berlin, y eso ya hacia que tuviese muchas ganas de verla. Si además su premisa nos muestra un thriller policíaco, más de ambientación que de acción, la cosa pintaba muy bien, y la verdad Diao Yinan no ha decepcionado y su película es presenta ciertas dosis de tensión y una gran ambientación.

La cosa, como no podía ser de otra manera, comienza con un asesinato. Ambientada en una zona rural del norte de China, un grupo de policías encuentra una parte humana en una planta de procesamiento de carbón, para descubrir luego otras repartidas por toda la región, quedando el caso sin resolver. Años más tarde uno de los policías de aquel caso, borracho y hastiado de la vida, conversa con un compañero que investiga otro caso de asesinato, estando involucrada una mujer que también había estado relacionada con ese primer caso años atrás. Mientras investiga a la mujer y descubre una serie de sospechosos relacionados con el caso, este policía irá poco a poco enamorándose de la chica.

La película comienza como un film noir típico, con el descubrimiento de las partes humanas, una pequeña investigación e incluso un tiroteo. Es interesante ese primer tiroteo, grabado de una forma muy curiosa, con una naturalidad fría, mostrando a una policía que se cree invulnerable y que por tanto son descuidados y prepotentes, sufriendo las consecuencias de esta creencia. Hay quien ve crítica social hacia el sistema chino en la película de Yinan, yo realmente no se la veo, veo más bien una ambientación realista, que muestra lo que hay en China, no una crítica expresa hacia el sistema en si, peor este primer tiroteo me parece interesante ya que le propio director nos habló de este tema en el Talks del festival. Nos comentaba como en occidente la policía teóricamente servia a los ciudadanos mientras que en China la policía servia al gobierno. Algo que pude tenerse en la mente mientras se ve la película.

Pero retomemos el tema. No esperéis ver un film de acción y tiroteos, lleno de personajes carismáticos, femmes fatales o sangre y asesinatos, esto es más bien un thriller con toques de autor, con un guión no muy rebuscado pero bien plasmado en pantalla y una puesta en escena realmente sobresaliente. Su ritmo pausado, una fotografía oscura, decadente, con una ambientación que termina siendo el plato fuerte de la película, casi opresiva en si misma, y una fotografía realmente absorbente, es lo que nos mantendrá pegados en pantalla dejándonos llevar por la historia.

Esta es una película muy recomendable, para los que buscan un thriller distinto pero muy bien trabajado.

3D Naked Ambition
LEE Kung-lok, 2014

Ya os comentaba como las comedias fueron uno de nuestros platos fuertes del festival, y particularmente hemos tenido una buena ración de comedias eróticas, con la ya comentada Golden Chickensss y con esta 3D Naked Ambition, sin el 3D pero con un Chaman To desatado y una mezcla de humor y sexo divertidisima.

Nos trasladamos a Hong Kong para conocer a Wyman Chan, interpretado por Chapman To, un escritor de literatura erótica y guionista que ve como el pirateo e Internet están haciendo mella en el negocio del cine porno. Asociándose con sus amigos deciden viajar a Japón para grabar cine AV (Adult Video) y asi poder ganar dinero y exportarlo a Hong Kong. Pero al llegar todo se tuerce y Wyman terminará convirtiéndose en el actor porno más de moda en Japón realizando películas donde es un juguete sexual de las mujeres.

Y con este guión lo que se espera es lo que se encuentra, una comedia divertidisima que mantiene el ritmo durante toda la película, es más va in crescendo con una parte final delirante. Todo su metraje se llena de gags de humor absurdo y de situación, con un toque de comedia Mo Lei Tau (comedia de conversación absurda) muy hongkones, con unos diálogos si bien no ingeniosos si chispeantes, torciendo situaciones hacia derroteros casi absurdos y muy divertidos. Todo está lleno de referencias y guiños, desde el nombre artístico del protagonista Mario Ozawa, en referencia a una de las grandes pornstars japonesas Maria Ozawa, hasta la aparición de Sandra Ng como nuestra Golden Chicken favorita, incluyendo un cameo en la parte final de Louis Koo como el competidor del personaje de Chapman To, interesante porque el propio Koo es el protagonista de Naked Ambition, película de 2003 dirigida por Hing-Ka Chan y Dante Lam, en la que está inspirada esta. A todo esto hay que añadir muchas escenas eróticas y de ámbito sexual, casi todas ellas protagonizadas por Chapman To y actrices AV reales de la escena japonesa.

Pero si algo brilla en esta película es Chapman To, un actor con experiencia y cómico casi por vocación, que hemos visto en pequeños papeles en varias de las películas de esta edición de Udine, y que estando entre el público ya se dejaba ver con su humor y carisma.

En definitiva, una comedia terriblemente divertida y picantona que garantiza risas y diversión.

Durante la semana pasada se ha celebrado el Festival de Granada Cines del Sur, uno de mis festivales favoritos por calidad cinematográfica, cercanía y buen ambiente, peor al que tristemente este año no he podido asistir. Sea como fuere hoy quiero acercaros el palmares de esta edición, que cuenta con dos presencias asiáticas muy destacables, la ganadora de festival 40 DAYS OF SILENCE, de SAODAT ISMAILOVA, de Uzbekistán y la india LIAR’S DICE, de GEETU MOHANDAS.

ALHAMBRA DE ORO:
40 DAYS OF SILENCE, de SAODAT ISMAILOVA, Uzbekistán, Alemania, Francia, Holanda.
Por asumir riesgos narrativos con una propuesta novedosa donde todos los elementos son fundamentales en la construcción de la historia y en el desarrollo de los personajes.

Con gran audacia formal la película apela a una experiencia sensorial que va más allá de lo tradicionalmente visual y hace que el silencio, que históricamente la sociedad patriarcal ha atribuido a la mujer, sea un silencio elocuente y no de resignación.

ALHAMBRA DE BRONCE:
LIAR’S DICE, de GEETU MOHANDAS, India
Por su original y logrado uso del género establecido de la road movie con un sólido empaque formal y su capacidad de generar múltiples interpretaciones. La película construye un singular grupo de personajes que apelan a los espectadores más allá de las fronteras geográficas y culturales.

MENCIÓN ESPECIAL:
IT’S US, de Nick Reding, Kenia.
Por su apuesta por transformar la realidad, y de contar con el humor como elemento transgresor.

El Jurado ha dado la enhorabuena al festival Cines del Sur por el excelente nivel de la selección oficial, que ha hecho tan ardua como placentera su labor y que permite conocer cinematografías invisibles y que, habitualmente, no tienen cabida en las salas. Y ha animado a las instituciones y al público a seguir apoyando esta enriquecedora iniciativa.

Por su parte, Noelia Ruiz portavoz del JURADO JOVEN, compuesto por dieciocho miembros de la Universidad de Granada ha anunciado la decisión de otorgar el premio ALHAMBRA DE PLATA a “Heritages” de Philippe Aractingi.
Por ser una película emotiva, que narra con gran efectividad y sentimiento el problema de la emigración desde el punto de vista de los propios protagonistas de la historia. Por la originalidad en el tratamiento de la historia, con un uso maravilloso del collages y la mezcla de técnicas; por la cercanía y la empatía que crea la familia al contar su historia, sin olvidarnos del genial papel que juega la hija pequeña del director. Con todos estos ingredientes consigue arrojar cierta esperanza y tratar sin una crudeza exagerada un tema que ciertamente es dramático.

Si la serie Roman Porno lanzada en 1971 por la Nikkatsu –más de 700 películas producidas hasta 1988- permitió el nacimiento de auténticos autores como Tatsumi Kumashiro (Woods are wet: Woman hell) o Noboru Tanaka (Rape and death of a housewife), fue a la sombra de estos últimos que brillantes artesanos, respaldados por estupendos técnicos herederos de la tradición de la edad de oro del cine japonés, salidos de los equipos de Mizoguchi, Yuzo Kawashima, Imamura… sostuvieron estas estrategias de producción así como su diversidad genérica.

El primero, Yasuharu Hasebe, es considerado como un maestro del cine de acción. Diplomado en literatura francesa, entra en la Nikkatsu en 1958, en la que se convierte en asistente de Seijun Suzuki (Youth of the beast, Tokyo drifter) y Takashi Nomura (A colt is my passport), antes de debutar como director en 1966 ( Black tight killers). Conocido por sus colaboración con el gran guionista de acción Shuichi Nagahara, a quien se le deben obras maestras de la talla de A colt is my passport o The most dangerous game, Hasebe se impone rápidamente como una de las puntas de lanza del estilo Nikkatsu New Action (la saga Stray cat rock), al lado de Yukihiro Sawada, director del Roman Porno de acción Retreat through the wet wasteland. Alimentado por la serie B americana y admirador de Siegel, le debemos incluso una versión Roman Porno de Dirty Harry (Dirty Mary). Menos interesado por la descripción de los sentimientos que por la acción pura, no realizará más que nueve Roman Porno antes de volver a la televisión y contribuir al éxito del V-cinema para la Toei en los años noventa. Rodando las escenas de sexo como si fuesen escenas de acción, sus Roman Porno rebasan las fronteras del género. Con Assault! Jack the Ripper, su película más extrema, sustituye las escenas clásicas de amor por escenas de violaciones y muerte, que hacen de la relaciones amorosas un desecadenamiento surrealista de violencia barroca que haría pasar Natural born killers de Oliver Stone por pequeños delincuentes.

Al contrario que Hasebe, que se movió fundamentalmente en el cine de acción, Koyu Ohara es uno de esos artesanos entre los más versátiles y prolíficos (cuarenta y ocho Roman Porno de 1972 a 1985). Entra en el estudio el mismo año (1961) que Noboru Tanaka y Masaru Konuma, que le apodan «Funky», uniendo camisas hawaianas y gafas de sol, como un verdadero «golden boy» de estudio. A gusto en todos los géneros (jidaigeki, SM, comedia musical, películas de jóvenes,…), rueda alguno de sus más grandes éxitos comerciales (Pink hip girl). Coronado por una reputación de director rápido que sabe responder a los presupuestos económicos del estudio, Ohara realiza un cine de entretenimiento sin plegarse a las exigencias artísticas. Como White Rose Campus que se muestra como un ejercicio de perversión paródico de las road-movie y del «film de colegiales», en el que la realización nerviosa no tiene nada que envidar a la obra maldita de Bava, Cani arrabbiati.

Bajo el signo del sexo y la violencia, esta doble sesión muestra, más allá de la alta calidad artística del Roman Porno, toda la elasticidad de un género que fue para sus creadores un verdadero terreno de experimentación y libertad creativa desatada.

Dimitri Ianni (Cinémathèque française)

Título: Assault! Jack the Ripper Título V.O: Bôkô Kirisaki Jakku Director: Yasuharu Hasebe Año/País: 1976 / Japón Duración: 72 minutos Género: Pinku eiga/violent pink Reparto: Tamaki Katsura, Yutaka Hayashi, Yuri Yamashina, Natsuko Yashiro, Rei Okamoto, Luna Takamura

 

Título: White Rose Campus: Then everybody gets raped Título V.O: Shirobara gakuen: Soshite zen’in okasareta Director: Koyu Ohara Año/País: 1982 / Japón Duración: 66 minutos Género: Roman porno (Erótico) Reparto: Nami Misaki, Ayako Ohta, Tsutomu Akashi, Yuichi Minato, Tomoyuki Taura

Ya sabéis que no soy muy dado ha realizar comentarios o críticas de películas salvo en festivales, eventos clave que merecen ser contados y recordados. Pero tenia algo pendiente desde hace aproximadamente un mes que debía hacer y se ha retrasado por motivos laborales, y es hablaros de mi humilde opinión sobre Godzilla, la ultima película del monstruo japones que se traslada a América por su 60 cumpleaños, dirigida por Gareth Edwards.

Aunque hace tiempo que no escribo o comento el tema, no debería ser ajena a los lectores de este pequeño espacio mi pasión por el Kaiju Eiga en general y por Godzilla en particular, no obstante ahí arriba lo tenéis, como leiv motiv e imagen de Asiateca desde hace muchos años. Con esto quiero decir que el hype que tenia sobre esta película era tremendo y que mi visión y opinión sobre ella es totalmente parcial, sesgada y llena d espoilers (no sigáis leyendo sino queréis saber ciertas cosas de la película), como no podía ser de otro modo.

Pero pongámonos en materia. Gareth Edwards es un joven director proveniente del mundo del cine independiente que ya hizo una película de monstruos hace unos años llamada “Monsters” y que resulto una especie de “road movie” (no se muy bien como definirlo) que contaba las andanzas de una pareja por una zona de México invadida, o más bien infectada, por especies alienígenas. Lo curioso de esta película es que no es una película de monstruos entendida dentro de los cánones del género, sino que es una película intimista con la pareja de actores y su viaje como protagonistas, guardando su fuerza en lo visual y lo casi onírico (al menos así la recuerdo). Esta película seguro que decepcionó a todo aquel que esperaba una cinta de monstruos más típica (como sucedió a parte del público tras su pase en el festival de Sitges), pero a mi me resulto muy curiosa.

Este 2014 es el 60 aniversario del nacimiento del saurio gigante en 1954, y los primeros trailers apuntaban a que esta celebración (made in EEUU) podría recurrir a una cinta parecida a la original, con Godzilla como único protagonista monstruoso y cierta trascendencia social y fuerza narrativa en los personajes humanos. Luego nos enseñaron ciertas imágenes de un monstruo volador con cierto parecido a Gyaos de la saga de Gamera y ya la cosa me descolocó aún más, incrementando más las ganas de verla y la gran pregunta “¿Que me voy a encontrar?”.

Y lo que me encontré es una película con una estructura fílmica y narrativa muy similar a los Godzillas japoneses de los 90, pero sublimando las escenas de acción entre monstruos hasta unos niveles altísimos. Esta me parece una película de momentos, de escenas que se quedan grabadas a fuego en la retina, de fotogramas que recordaré toda la vida dentro de la saga del saurio gigante. Pero una película no puede basarse solo en eso y por ello esta tiene puntos oscuros, muy oscuros.

La cinta podría estructurarse en tres partes, una introducción, una parte central y el desenlace (aunque suene a evidencia). La introducción, si bien nos presenta una historia típica, me parece bien narrada y posee el buen hacer de los actores Bryan Cranston y, en menor medida, Juliette Binoche, que con tan solo unos minutos en pantalla te llegan, te hacen sentir esa historia que estamos viendo. La cosa desaparece rápido al terminar esta introducción y entonces surge uno de los problemas, la falta de un personaje con carisma que mueva la película, ya que Aaron Taylor-Johnson no llega a decir mucho en cuanto a este respecto. Mención aparte el desaprovechadisimo papel de Ken Watanabe, que solo pone cara de preocupación y poco más.

Y es que es el guión uno de los grandes lastres de la película, un guión típico, lleno de clichés y con un desarrollo un tanto ingenuo, un guión que podría haber dado mucho más de si. En toda la parte intermedia ese guión pierde fuelle, hace cosas raras solo para favorecer ciertas escenas y no voy a desgranar todas esas pequeñas incongruencias que puedo recordar ahora (bombas nucleares que parecen no explotar nunca y cosas del estilo). ¿Que me gusta entonces de todo esto? La fuerza visual de muchas de sus escenas, me gusta el gran uso del CGI y los efectos especiales, me gusta la forma de plasmar los escenarios, de sumergirse en su interior y mostrar la grandilocuencia de los monstruos. Me gusta mucho la forma que ha elegido Edwards de mostrar la destrucción, y ciertas escenas dramáticas, de forma indirecta, me gusta la narración indirecta en general en esta película, resta ciertas posibilidades a mostrar destrucción de forma grandilocuente, pero crea un clima especial.

Una de las críticas que se han hecho a esta película es que Godzilla aparece muy poco, y en parte estoy de acuerdo, yo lo hubiera sacado un poquito más, no mucho, ya que los MUTOs aparecen en escena de forma bastante asidua. Hablando de monstruos, me ha gustado el intento de Edwards de trasmitir cierta expresividad y sentimientos en los monstruos, aunque queda sutil, fomenta ciertas reacciones y creo les da un toque de realismo.

Perdido entre un guión raro, muchos efectos visuales y escenas para recordar, personajes sin carisma y ganas de acción llegan esos 30 últimos minutos, la aparición estelar de Godzilla en toda su extensión y no en escenas sueltas, y la puesta en escena de la parafernalia CGI definitiva. Sin duda lo mejor de toda la película, con momentos “WOW” a raudales y escenas impresionantes, con un final demasiado políticamente correcto, pero en general satisfactorio. Creo que todos recordaremos el impresionante descenso en paracaídas de los militares, ese cruce de miradas entre el protagonista y Godzilla entre le polvo de la destrucción o, al menos yo lo haré, ese primer rayo que lanza Godzilla.

Pinche aquí para ver el vídeo

Mi opinión sincera sobre la película es que al terminar de verla me gustó mucho, pasados los días me gusta algo menos porque ese guión tan flojo y la falta de carisma de los personajes, unido a que la acción tarda en aparecer, lastran mucho la película. Pero el film en general me parece muy digno, me gustan las continuas referencias que se hacen al universo Godzilla, con la fecha de 1954 como un punto clave, con un homenaje, solo en nombre, al Doctor Serizawa de la película original, o a muchos detallitos de la película (como un mariposario con el nombre de Mothra).

No debemos olvidar que esto es un Blockbuster americano, y Edwards pretende ir un poco más allá, ofreciendo algo más. Creo que esta película muestra un camino interesante y con mucho potencial, que en esta ocasión se ha perdido un poco en giros y recovecos, desaprovechando elementos y emborronando un poco el resultado, pero que sigue ahí, si se aprende y evoluciona correctamente podrían salir cosas muy buenas de la prometida trilogía de este Godzilla americano.

En el pasado Festival de Cine de Sitges, y después de haberse proyectado primero en la sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián, New World, la segunda película como director del coreano Park Hoon-jung, se alzó con el Premio Focus Asia. Un premio… algo nada nuevo para su director, puesto que sus guiones para películas de otros realizadores de su país, han ido obteniendo sucesivos galardones en distintos certámenes cinematográficos. Títulos como Encontré al diablo o The Unjust tienen su sello pero, ahora, con New World, se consagra, además de como guionista, como un más que prometedor nuevo director coreano a seguir la pista. En el mes de octubre pasado, en los jardines del Hotel Melià de Sitges, tuvimos ocasión de charlar con el joven director…

Asiateca: Lleva ya años trabajando como guionista, pero es a partir de 2010 cuando su nombre aparece en dos películas muy importantes como son Encontré al diablo y The Unjust y empieza a ser reconocido. ¿Qué han supuesto estos dos guiones en su carrera?

Park Hoon-jung: La verdad es que gracias a estas dos películas estoy aquí, el éxito de estas dos películas me ha dado la oportunidad de debutar como director.

Asiateca: Y después de tantos años como guionista, ¿por qué decide dar el salto a la dirección?

Park Hoon-jung: Desde que era adolescente, desde que iba al instituto, ya quería hacer películas, quería ser director. Más tarde, primero debuté como guionista, lo que considero forma parte del proceso para llegar a ser director de cine.

Asiateca: ¿Qué es lo que aprendió desde The Showdown, su primera película como director, hasta New World?

Park Hoon-jung: Cuando The Showdown se estrenó hizo unas cifras muy modestas en la taquilla; New World, en cambio, ya la han visto más de 4 millones de espectadores. The Showdown fue mi debut, mi ópera prima, yo tenía muy poca idea acerca de dirigir, desde la dirección de actores hasta las partes más técnicas. Así pues, fracasó comercialmente. Pero creo que aprendí muchísimo haciendo esta película y cuando la terminé me propuse no cometer los mismos errores que había cometido.

Asiateca: Cuando buscamos reseñas acerca de New World, muy a menudo leemos que es un cruce entre la gran trilogía hongkonesa de Infernal Affairs y la gran trilogía americana que es El Padrino. ¿Cómo se siente uno cuando su segunda película es comparada con obras magnas del cine de gangsters? Sabemos que ha visto más de 100 veces El Padrino…

PHJ: Para mí es un honor que comparen mi película con estas obras maestras (con cara de susto)… La verdad que no he contado cuántas veces he visto El Padrino (se ríe), pero sí que podría llegar a las 100 veces… Además, cuando era adolescente y luego estudiante universitario, el cine de acción hongkonés era muy popular en Corea, con lo cual mi cine tiene muchas influencias de estas películas. New World, como cine de género, no se ha escapado de este marco del cine de Hong Kong… Pero, vamos, la comparación con esas obras maestras… guau, la verdad que para mí es un honor.

Asiateca: ¿Cómo consigue en su segunda película que trabajen en ella estrellas cinematográficas de la talla de Choi Min-sik, Lee Jung-jae o Hwang Jung-min, y que confíen en usted como director?

PHJ: En un principio, enseñé el guión de New World a Choi Min-sik, a quien le gustó mucho y me dio carta blanca; después vino Hwang Jung-min y también le gustó mucho el guión. El último que se incorporó fue Lee Jung-jae. Hay que tener en cuenta que con Choi Min-sik ya había trabajado en Encontré al diablo y con Hwang Jung-min lo había hecho en The Unjust, así que ya teníamos alguna relación previa y supongo que esto ayudó a que quisieran trabajar en New World.

Asiateca: Siempre trabaja con personajes masculinos, que normalmente son los protagonistas de sus guiones y, además, son roles con mucha fuerza. ¿Para cuándo un guión donde las mujeres tengan un papel más importante?

PHJ: Todas mis historias tratan de la sociedad coreana, sea como crítica, desórdenes sociales u otros temas. En mis guiones los protagonistas y personajes son mayormente hombres porque en la sociedad coreana los puestos de decisión o de importancia son casi siempre masculinos, la realidad es así. Nunca he pretendido centrarme en lo masculino como tal, sino hablar de problemáticas sociales; mis historias no son mas que un reflejo de la realidad de Corea del Sur.

Asiateca: ¿Cree que la sociedad coreana cambiaría si esos roles se invirtieran?

PHJ: Creo que es muy difícil que cambie. Puede que este cambio de roles al que usted apunta pueda pasar poco a poco, pero un cambio total y radical creo que es algo demasiado difícil que pase.

Asiateca: Se comenta que se está preparando una segunda parte de New World. ¿Es así? ¿Nos puede adelantar algo?

PHJ: Sí, la segunda parte será una precuela de esta primera película, estoy pensando en rodarla a lo largo del 2014 y estrenarla en 2015.

Asiateca: ¿Quiere seguir siendo el guionista de sus propias películas?

PHJ: Creo que seguiré escribiendo los guiones de mis películas, aunque si se diera el caso que se presentara una historia interesante de otra persona como para querer hacerla (duda)… La verdad es que no lo sé, creo que no he llegado a un nivel lo suficientemente alto como director, por lo que si hiciera una película con el guión de otro y la cosa saliera mal, a lo mejor no me lo perdonaría.

Asiateca: La última pregunta ¿Qué tal su experiencia en Sitges? ¿Le hemos tratado bien?

PHJ: El vuelo desde Corea del Sur dura, quizás, unas 16 horas, lo que no es poco. Lo cierto es que todos los directores que han venido aquí me han hablado muy bien del Festival, y por eso estoy aquí, sino no hubiera aguantado 16 horas de vuelo (risas)… La verdad que me gusta mucho, el ambiente del festival es muy tranquilo, eso me gusta.

Bastante parco en palabras… Bastante serio… pero interesante el joven director Park Hoon-jung quien nos brindó un rato de su tiempo para compartir con nosotros. Le seguiremos la pista… sin duda.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)

Falta menos de un mes para que den comienzo las Nits de Cinema Oriental de Vic, y es hora de hacer un completo repaso a toda la programación que podréis disfrutar si os acercáis a la ciudad catalana. Hoy repasaremos la completa y variada programación de la sección oficial, tanto competitiva como fuera de concurso, y en los próximos días presentaremos el resto de programación y retrospectivas.

Inauguración

Blue Bustamante

Filipinas, 2013
Dirección: Miko Livelo
Reparto: Joem Bascon, Jun Sabayton, Jhiz Deocareza, Gerard Go
Idioma: tagalo-japonés (v.o.s.c) / Duración: 90 min.

1990, George Bustamante deja a su familia en Filipinas y emigra a Japón, donde encuentra trabajo como doble de acción en la famosa serie de televisión Force Five. Un nostálgico homenaje al sentai de los 80 y 90 lleno de ternura y humor, rodado con pocos medios pero con mucho corazón.

Pinche aquí para ver el vídeo

Sección Oficial a Competición

Kabisera

Filipinas, 2013
Dirección: Borgy Torre
Reparto: Joel Torre, Arthur Acuña, Bing Pimentel
Idioma: tagalo (v.o.s.c) / Duración: 101 min.

Andrés es un humilde pescador filipino que encuentra flotando en el mar parte de un alijo de drogas. Inspirado en el mito de Fausto, Kabisera (palabra que en tagalo designa a la persona que preside la mesa) nos presenta la transformación de un hombre sencillo en alguien capaz de vender su alma por dinero.

Pinche aquí para ver el vídeo

D-Day

Índia, 2013
Dirección: Nikhil Advani
Reparto: Irrfan Khan, Arjun Rampal, Shruti Haasan, Rishi Kapoor
Idioma: hindio / Duración: 152 min.

Cuatro agentes especiales del Servicio de Inteligencia Indio reciben la orden de capturar al terrorista más buscado del país. Inspirada en hechos reales, D-Day contiene una carga de crítica política inusual en un filme de Bollywood. Las dudas morales que plantea sobre las actuaciones de los gobiernos en pos de acabar con el terrorismo, la ha hecho ganar tanto defensores como detractores acérrimos en su país de origen.

Pinche aquí para ver el vídeo

Daily Lives…

Japón, 2013
Dirección: Daigo Matsui
Reparto: Masaki Suda, Shuhei Nomura, Ryo Yoshizawa
Idioma: japonés / Duración: 85 min.

Tres amigos de un instituto están obsesionados con las chicas. El problema es que no saben nada sobre el sexo femenino e interactuar con ellas es todo un suplicio. El nuevo largometraje del director de la exitosa Afro Tanaka parodia la vida diaria de un instituto japonés.

Pinche aquí para ver el vídeo

A Time In…

Taiwan, 2013
Dirección: Chang Tso-chi
Reparto: Guan Guan, Yang Liang Yu
Idioma: mandarín / Duración: 109 min.

Bao pasa el verano con su abuelo en un pequeño pueblo en medio de la naturaleza. Sus padres, abducidos por el trabajo, nunca tienen tiempo para él. Sin aparatos electrónicos y con el cariño del abuelo, Bao se enfrentará por primera vez a la vida real. Una delicada historia de aprendizaje llena de poesía.

The White Storm

Hong Kong, 2013
Dirección: Benny Chan
Reparto: Lau Ching-Wan, Louis Koo, Nick Cheung, Yolanda Yuan
Idioma: cantonés, inglés i tailandés (v.o.s.c) / Duración: 134 min.

Tres amigos, policías del departamento de narcóticos de Hong Kong se ven envueltos en una trama de tráfico de drogas a gran escala. ¿Os gustan las películas sobre la amistad y las venganzas, con excesos melodramáticos y tiroteos a lo John Woo? Pues The White Storm os encantará.

Pinche aquí para ver el vídeo

Once Upon a Time…

Hong Kong, 2014
Dirección: Wong Ching-Po
Reparto: Philip Ng, Andy On, Sammo Hung
Idioma: cantonés / Duración: 110 min.

El Shanghai de principios del siglo XX está controlado por las triadas. Un joven inmigrante que llega a la ciudad, pronto llama la atención por su dominio del kung fu y entabla amistad con un gánster local. Un homenaje al cine de artes marciales, imprescindible para los amantes de la acción.

Pinche aquí para ver el vídeo

Unbeatable

Hong Kong, 2013
Dirección: Dante Lam
Reparto: Nick Cheung, Eddie Peng, Mei Ting, Crystal Lee
Idioma: cantonés-mandarín / Duración: 120 min.

Tres personajes en busca de una segunda oportunidad. La espectacularidad de los combates de Mixed Martial Arts se mezcla con la ternura de las escenas que relatan la vida de sus protagonistas.

Pinche aquí para ver el vídeo

Fake Fiction

China, 2013
Dirección: Shao Xiaoli
Reparto: Xu Zheng, Zhang Zifeng, Vanessa Wang, Zhang Songwen
Idioma: mandarín / Duración: 93 min.

Un mago en horas bajas recibe la visita de una niña que dice ser su hija. Al mismo tiempo, le encargan un trabajo que puede relanzar su carrera profesional. Una comedia amable para toda la familia con guiños a los filmes de Chaplin y a Luna de papel de Peter Bogdanovich.

Pinche aquí para ver el vídeo

Pee Mak

Tailandia, 2013
Dirección: Banjong Pisanthanakun
Reparto: Mario Maurer, Davika Hoorne, Pongsathorn Jongwilas, Nattapong Chartpong
Idioma: tailandés / Duración: 115 min.

Reino de Siam, s. XIX. Mak se va a la guerra dejando a su mujer, Nak,embarazada. Unos meses después, empieza a correr el rumor en el pueblo de que Nak y su bebé son fantasmas. Una nueva versión de la leyenda de Mae Nak dirigida por uno de los autores de la famosa Shutter.

Pinche aquí para ver el vídeo

Lootera

Índia, 2013
Dirección: Vikramaditya Motwane
Reparto: Ranveer Singh, Sonakshi Sinha
Idioma: hindio / Duración: 135 min.

En 1953, un arqueólogo llega a un pequeño pueblo para excavar un templo situado dentro de las propiedades del cacique local. Toda la familia queda prendada del joven, especialmente, la hija del terrateniente.

Pinche aquí para ver el vídeo

Silent Witness

China, 2013
Dirección: Fei Xing
Reparto: Sun Honglei, Aaron Kwok, Yu Nan, Deng Jiajia
Idioma: mandarín / Duración: 120 min.

Lin Mengmeng, hija del magnate y político Lin Tai, es acusada del asesinato de la novia de su padre. Su juicio se convertirá en un duelo entre abogados, acusados y testigos. Un thriller alejado de la maquinaria propagandística china.

Pinche aquí para ver el vídeo

Dhoom 3

Índia, 2013
Dirección: Vijay K. Acharya
Reparto: Amir Khan, AbhisheK Bachchan, Katrina Kaif, Uday Chopra
Idioma: hindio-inglés / Duración: 162 min.

El hijo de un mago indio residente en Chicago, decide cometer una serie de robos para vengar la muerte de su padre. La policía estadounidense llamará a dos agentes de Bombay para que los ayude. Si hace diez años Dhoom os pareció espectacular, esta tercera parte es todo eso multiplicado por tres.

Pinche aquí para ver el vídeo

That Girl in Pinafore

Singapur, 2013
Dirección: Chai Yee-Wei
Reparto: Julie Tan, Daren Tan, Jayley Woo
Idioma: mandarín / Duración: 110 min.

Singapur, 1992. Cuatro adolescentes intentan mantener abierto el bar musical de los padres de uno de ellos mientras se enfrentan al paso a la vida adulta y a los cambios sociales del país, que está a punto de vivir sus primeras elecciones democráticas.

Pinche aquí para ver el vídeo

Shift

Filipinas, 2013
Dirección: Siege Ledesma
Reparto: Yeng Constantino, Felix Roco, Matt Valeña, Alex Medina
Idioma: inglés, tagálog (v.o.s.c) / Duración: 80 min.

Un relato sobre la Manila moderna en el que dos jóvenes sueñan con triunfar mientras trabajan como teleoperadores. Los protagonistas utilizan el Whatsapp y el Facebook para comunicarse, otorgando al film una factura visual muy original.

Pinche aquí para ver el vídeo

Sección Oficial Fuera de Concurso

Graceland

Filipinas, 2013
Dirección: Ron Morales
Reparto: Arnold Reyes, Menggie Cobarrubias, Dido de la Paz
Idioma: tagalo (v.o.s.c) / Duración: 84 min.

Marlon trabaja como chófer de un político. Ambos tienen una hija de la misma edad. Un día, secuestran a la hija de Marlon al confundirla con la hija de su patrón. Una historia de desafección e intriga que bebe del film noir, en la que destaca la interpretación de su protagonista, Arnold Reyes.

Pinche aquí para ver el vídeo

KL Gangster 2

Malaisia, 2013
Dirección: Syamsul Yusof
Reparto: Aaron Aziz, R. Nor, Zizan Raja Lawak
Idioma: malayo-mandarín / Duración: 109 min.

Malek intenta que su hermano pequeño deje la banda de narcotraficantes a la que pertenece. Precuela de KL Ganster, proyectada en las Nits del 2012 , está protagonizada por un elenco multirracial, espejo de la propia sociedad malaya.

Pinche aquí para ver el vídeo

Cold Eyes

Corea del sur, 2013
Dirección: Cho Ui-seok, Kim Byung-seo
Reparto: Seol Gyeong-gu, Jeong U-seong, Han Hyo-ju, Kim Byeong-ok
Idioma: coreano / Duración: 118 min.

Una joven se incorpora a una unidad especial de vigilancia de la policía de Seúl. Mientras investiga unos robos, su jefe de escuadrón le irá enseñando los secretos de la profesión. Remake coreano de Eye in the Sky con una puesta en escena que mantiene la tensión durante sus dos horas de metraje.

Pinche aquí para ver el vídeo

Y si ayer comentábamos lo que dará de si la programación oficial de las Nits de Cinema Oriental de Vic, hoy veremos el resto de la programación, llena de sesiones golfas, animación y la retrospectiva dedicada la cine filipino. Yo de vosotros no me lo perdería.

Sesiones Especiales

Tales From the Dark 1
Hong Kong, 2013
Dirección: S. Yam, L. Chi-Ngai, F. Chan
Reparto: Simon Yam, Dada Chan, Kelly Chen, Tony Leung Ka-Fai, Susan Siu
Idioma: cantonés / Duración: 114 min.

Los tres primeros capítulos de este doblete de relatos fantasmales recrean una atmósfera enrarecida que retrata a la perfección el lado más sobrenatural de Hong Kong. Tres cuentos de extrañeza hipnótica sin sustos fáciles.

Pinche aquí para ver el vídeo

Tales From the Dark 2
Hong Kong, 2013
Dirección: G. Chan, L. Lau, T. Robin
Reparto: Fala Chen, Gordon Lam, Sham Ka-ki, Teddy Robin
Idioma: cantonés / Duración: 89 min.

Estos segundos cuentos de la oscuridad vienen firmados por tres directores veteranos del cine hongkonés y, a diferencia de la primera entrega, está clasificada como categoría III.

Pinche aquí para ver el vídeo

BCN Knockout!
Índia, 2013-14
Dirección: Puri Jagannadh
Reparto: Allu Arjun, Amala Paul, Catherine Tresa
Idioma: telugu / Duración: 85 min.

Una estudiante india de psicología se muda a Barcelona. En el piso encuentra el diario de su anterior inquilina y se obsesiona con la historia que relata. BCN Knockout es la versión internacional de Iddarammayilatho, una cinta de acción espectacular rodada íntegramente en Barcelona.

Pinche aquí para ver el vídeo

Gun Caliber
Japón, 2014
Dirección: Bueno
Reparto: Sakurako Fujiwara, Joey Min, Bueno
Idioma: japonés / Duración: 78 min.

Gun Caliber dedica su tiempo al sexo, las drogas y el alcohol, pero cuando una amenaza pone en peligro a Tokio, sale a relucir el héroe que lleva dentro. Debut como director de Bueno, uno de los coreógrafos de acción más brillantes del cine japonés.

Pinche aquí para ver el vídeo

Gothic Lolita…
Japón, 2013
Dirección: Noboru Iguchi
Reparto: Shoko Nakagawa, Rina Takeda, Takumi Saito
Idioma: japonés / Duración: 101 min.

Llega la superheroína definitiva acompañada de su mágico osito de peluche. La desastrosa vida de una gothic Lolita cambia para siempre al convertirse en Nuigulumar Z y enfrentarse a unas malvadas alienígenas que disparan rayos láser por el pecho y a unos zombis bailarines.

Pinche aquí para ver el vídeo

Berserk 3
Japón, 2013
Dirección: Toshi Kubooka
Animación
Idioma: japonés / Duración: 119 min.

La mejor adaptación cinematográfica de la saga Bersek es una aventura épica que no escatima en sangre y sexo y se acerca mucho al manga original. La aventura más oscura de Griffith y Guts tiene una gran riqueza cromática, unos excelentes dibujos detallistas y una buena narrativa.

Pinche aquí para ver el vídeo

Buda 2
Japón, 2014
Dirección: Toshiaki Komura
Reparto: Anime
Idioma: Japonés / Duración: 110 min.

Segunda entrega de la adaptación del manga de Osamu Tezuka que recoge la etapa de crecimiento espiritual de Buda. Después de su presentación en el Museo del Louvre el pasado mes de enero, la película se podrá ver por primera vez en nuestro país aquí en las Nits.

Pinche aquí para ver el vídeo

Hardcore Comedy
Hong Kong, 2013
Dirección: H. Wong, C. Siu-wing, L.y Yiu-fai
Reparto: D. Chen, W. Chan Wai-Ting
Idioma: cantonés / Duración: 93 min.

La diferencia entre la genialidad y la estupidez es que la genialidad tiene un límite. Con esta rotunda frase comienza una de las películas más desvergonzadas que se han rodado nunca. El humor grueso, la irreverencia, la acción, incluso el sexo, salpican este cóctel multigénero de tres historias independientes que se acaban cruzando.

Pinche aquí para ver el vídeo

Retrospectiva

Puño Desnudo
Filipinas-EEUU, 1981
Dirección: Cirio H. Santiago
Reparto: Jillian Kesner, Darby Hinton, Rey Malonzo, Ken Metcalfe
Idioma: castellano / Duración: 77 min.

Susanne es una instructora de artes marciales norteamericana que viaja hasta Filipinas para buscar a su hermana, presa de un cartel de drogas. Uno de los mejores ejemplos del cine grindhouse que convirtió a Filipinas en los 70 y 80, en el tercer país productor de cine del mundo.

Machete Maidens…
Australia-Filipinas, 2010
Dirección: Mark Hartley
Documental. Con: Roger Corman, Joe Dante, John Landis, Eddie Romero
Idioma: inglés / Duración: 85 min.

Este documental nos explica con todo lujo de detalles el nacimiento, esplendor y caída del imperio del cine más demencial de la historia: el explotation filipino. Un paseo por la serie B de la mano de grandes maestros del fantástico.

Pinche aquí para ver el vídeo

The Search for Weng Weng
Australia-Filipinas, 2013
Dirección: Andrew Leavold
Documental
Idioma: inglés, tagálog (v.o.s.c) / Duración: 93 min.

Andrew Leavold nos presenta el resultado de ocho años de investigación para localizar a Weng Weng, el actor más bajito del mundo. Este filipino de 80 cm de altura protagonizó un puñado de películas acción durante los 70 y 80, y a través de sus aventuras y desventuras conoceremos más detalles de la época dorada del cine filipino.

Pinche aquí para ver el vídeo

Los clones de Bruce Lee
Hong Kong-Corea del Sur, 1980
Dirección: Joseph Kong
Documental: Bruce Le, Dragon Lee, Bruce Lai.
Idioma: cantonés (doblada al castellano) / Duración: 90 min.

Un científico loco tiene una gran idea para conseguir dominar el mundo: clonar al fallecido Bruce Lee para lograr un ejército invencible. Joseph Kong consiguió con esta cinta la locura de kung fu definitiva, reuniendo a los falsos Bruce Lee más famosos en una trama repleta de acción.

Pinche aquí para ver el vídeo

Hace unos días se han concedido los premios de la critica filipina a lo mejor de la producción cinematográfica de aquel país durante el pasado año. Entre las nominadas había un buen puñado de películas, entre las que ha destacado sobre otras la última producción de Lav Diaz Norte, Hangganan ng Kasaysayan. También ha habido algún premio para On The Job de Erik Matti, que vimos el pasado año en Sitges y nos gusto muchisimo. Os dejo la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

Norte, Hangganan ng Kasaysayan
On the Job (OTJ)
Transit
Ekstra
Riddles of My Homecoming
Badil
Ang Kwento ni Mabuti
Porno
Dukit

Mejor Actor

Mark Gil (A Philipino Story)
Joel Torre (OTJ)
Mimi Juareza (Quick Change)
Sid Lucero (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Ping Medina (Transit)
Jhong Hilario (Badil)
Alex Medina (Babagwa)

Mejor Actriz

Nora Aunor (Ang Kuwento ni Mabuti)
Vilma Santos (Ekstra)
Angeli Bayani (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Cherie Gil (Sonata)
Eugene Domingo (Instant Mommy)
Rustica Carpio (Ano ang Kulay ng mga Nakalimutang Pangarap?)
Agot Isidro (Mga Anino ng Kahapon)
Vivian Velez (Bendor)
Lorna Tolentino (Burgos)
Teri Malvar (Ang Huling Chacha ni Anita)

Mejor Actor Secundario

Junjun Quintana (A Philippino Story)
Art Acuña (Kabisera)
John Arcilla (Metro Manila)
Joey Marquez (OTJ)
Yul Servo (Porno)
Carlo Aquino (Porno)
Victor Basa (Lauriana)
Cesar Montano (Alamat ni China Doll)
Archie Alemania (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Bor Ocampo (Dukit)

Mejor Actriz Secundaria

Angel Aquino (Ang Huling Cha Cha ni Anita)
Angel Aquino (Porno)
Mitch Smith (Angustia)
Ruby Ruiz (Ekstra)
Jasmine Curtis-Smith (Transit)
Raquel Villavicencio (Dukit)

Mejor Director

Erik Matti (OTJ)
Lav Diaz (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Jeffrey Jeturian (Ekstra)
Peque Gallaga and Lore Reyes (Sonata)
Arnel Mardoquio (Riddles of My Homecoming)
Hannah Espia (Transit)
Alvin Yapan (Mga Anino ng Kahapon)
Whammy Alcazaren (Islands)
Chito Rono (Badil)
Mes de Guzman (Ang Kwento ni Mabuti)
Adolf Alix Jr. (Porno)
Armando “Bing” Lao (Dukit)

Mejor Guión

Lav Diaz y Rody Vera (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Michiko Yamamoto y Erik Matti (OTJ)
Rody Vera (Badil)
Giancarlo Abrahan y Hannah Espia (Transit)
Jason Paul Laxamana (Babagwa)
Ralston Jover (Porno)
Rody Vera (Death March)
Armando Lao y Honeylyn Joy Alipio (Dukit)

Mejor Diseño de producción

Junjun Montelibano (Sonata)
Perry Dizon (Riddles of My Homecoming)
Richard Somes (OTJ)
Ericson Navarro (Ekstra)
Adolfo Alix, Jr. (Porno)
Kip Oebanda (Shift)
Leo Abaya y Olga Marie Marquez (Dukit)

Mejor Música

Nonong Buencamino (Lauriana)
Gauss Obenza (Riddles of My Homecoming)
Emerson Texon (Sonata)
Armando Lao (Dukit)

Mejor Fotografía

Arnel Barbarona, Bordie Carillo y McRobert Nacario (Riddles of My Homecoming)
Ber Cruz y Lyle Nemenzo Sacris (Transit)
Francis Ricardo Buhay III (OTJ)
Lauro Rene Manda (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Albert Banzon (Porno)
Sasha Palomares (Islands)
Diego Marx Dobles, Triztan Garcia, Jeffrey Icawat y Bruno Tiotuico (Dukit)

Mejor Edición

Jay Halili (OTJ)
Chuck Gutierrez (Riddles of My Homecoming)
Lav Diaz (Norte, Hanggangn ng Kasaysayan)
Aleksander Castañeda (Porno)
Banjamin Tolentino and Hannah Espia (Transit)
Diego Marx Dobles (Dukit)

Mejor Sonido

Corinne de San Jose (OTJ)
Addiss Tabong and Wild Sound (Ekstra)
Albert Michael Idioma (Porno)
Arnel Barbarona (Riddles of My Homecoming)
Corinne de San Jose (Norte, Hangganan ng Kasaysayan)
Mes de Guzman (Ang Kwento ni Mabuti)
Mark Locsin (Death March)
Armando Lao (Dukit)

¿Acaso creíais que se nos había acabado el Wuxia? Que gran error, aún nos quedan muchas entregas de nuestro recopilatorio de carteles de cine Wuxia “Puño y Espada”, vamos con 8 nuevas películas nada menos.

The Sword Stained With Royal Blood (1981) Director: Chang Cheh	What Price Honesty? (1981) Director: Patrik Yuen
Bloody Parrot (1981) Director: Hua Shan	The brave archer 3 (1981) Director: Chang Cheh
The brave archer 4 (1982) Director: Chang Cheh	Human Lanterns (1982) Director: Sun Chun
The Lady Assassin (1982) Director: Lu Chin-ku	Little Dragon Maiden (1982) Director: Hua Shan