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Filmfare Awards (2014) – Nominados

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Filmfare logo

Este mismo viernes se conceden los Filmfare Awards, quizás los premios más conocidos y rimbombantes de la India, organizados por un conocido grupo editorial, como es normal en aquel país por otra parte. La semana que viene repasaremos los ganadores pero hoy toca ver los nominados a las diversas categorías principales, casi todas ellas concedidas por votación popular.

Mejor Película

Bhaag Milkha Bhaag
Chennai Express
Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Raanjhanaa
Yeh Jawaani Hai Deewani

Mejor Director

Aanand L Rai (Raanjhanaa)
Abhishek Kapoor (Kai Po Che)
Ayan Mukerji (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Rakeysh Omprakash Mehra (Bhaag Milkha Bhaag)
Rohit Shetty (Chennai Express)
Sanjay Leela Bhansali (Goliyon Ki Raasleela Ram-leela)

Mejor Actor

Dhanush – Raanjhanaa
Farhan Akhtar – Bhaag Milkha Bhaag
Hrithik Roshan – Krrish 3
Ranbir Kapoor – Yeh Jawaani Hai Deewani
Ranveer Singh – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Shah Rukh Khan (Chennai Express)

Mejor Actriz

Deepika Padukone – Chennai Express
Deepika Padukone – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Parineeti Chopra – Shuddh Desi Romance
Shraddha Kapoor – Aashiqui 2
Sonakshi Sinha – Lootera
Sonam Kapoor -Raanjhanaa

Mejor Actor Secundario

Aditya Roy Kapur – Yeh Jawaani Hai Deewani
Anupam Kher – Special 26
Nawazuddin Siddiqui – The Lunchbox
Pankaj Kapur – Matru Ki Bijlee Ka Mandola
Rajkumar Rao – Kai Po Che
Vivek Oberoi -Krrish 3

Mejor Actriz Secundaria

Divya Dutta – Bhaag Milkha Bhaag
Kalki Koechlin – Yeh Jawaani Hai Deewani
Konkona Sen Sharma – Ek Thi Daayan
Supriya Pathak Kapur – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Swara Bhaskar -Raanjhanaa

Mejor Banda sonora

Amit Trivedi – Lootera
Ankit Tiwari, Mithoon and Jeet Ganguly -Aashiqui 2
AR Rahman – Raanjhanaa
Pritam -Yeh Jawaani Hai Deewani
Sanjay Leela Bhansali – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Vishal-Shekhar -Chennai Express

Mejores Letras

Amitabh Bhattacharya-Shikayatein (Lootera)
Amitabh Bhattacharya-Kabira (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Mithoon-Tum hi ho (Aashiqui 2)
Prasoon Joshi-Zinda (Bhaag Milkha Bhaag)
Swanand Kirkire-Manja (Kai Po Che)

Mejor Playback masculino

Amit Trivedi-Manja (Kai Po Che)
Ankit Tiwari-Sunn raha hai na tu (Aashiqui 2)
Arijit Singh-Tum hi ho (Aashiqui 2)
Benny Dayal-Badtameez dil (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Siddharth Mahadevan-Zinda (Bhaag Milkha Bhaag)

Mejor Playback femenino

Chinmayi-Titli (Chennai Express)
Monali Thakur- Sawar loon (Lootera)
Shalmali Kholgade- Balam pichkari (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Shreya Ghoshal-Sunn raha hai (Aashiqui 2)
Shreya Ghoshal-Nagada (Goliyon Ki Raasleela Ram-leela)


Ritwik Ghatak

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Ritwik GhatakInfluido sobre todo por Eisenstein, Ritwik Ghatak realizó filmes políticamente comprometidos y fue el autor más influyente en toda una generación de cineastas indios como Adoor Gopalakrishnan, Shyam Benegal, John Abraham, Mani Kaul, Kumar Sahani y Ketan Mehta, cuyos nombres se han convertido en sinónimos de la llamada nueva ola en aquel país desde finales de los años sesenta y principios de los setenta. Ghatak perteneció al grupo de cineastas que constituyeron lo que algunos críticos llamaron Cine Paralelo de la India (junto con Satyajit Ray y Mrinal Sen), quienes se dejaron influir por el neorrealismo italiano.

De origen bengalí, Ghatak nace en Dacca, ahora capital de Bangladesh, y emigra de niño con su familia a Calcuta poco antes de que miles de refugiados inundaran la ciudad en 1943 huyendo del hambre y en 1947 por la división de la India. Éstos hechos marcaron la obra de Ritwik Ghatak durante toda su vida. A principios de los años cuarenta comienza a escribir novelas y a finales de la década se une al India People’s Theatre, movimiento teatral vinculado al Partido Comunista, como autor, director y también actor. En 1950 empieza a trabajar como actor de cine y ayudante de dirección.

En 1952 debutó con Nagarik (The Citizen), un filme realizado en régimen de cooperativa que fue un fracaso total en su momento, y fue reestrenado muchos años después. La Enciclopedia del Filme Indio la describe hoy como “una renovadora investigación en la forma fílmica, que expande la experiencia de los refugiados hasta convertirla en el leit motiv  universal del desmembramiento y el exilio, evocado a partir de la inclusión de patrones formales de origen tribal, folclórico y clásico”.

Si en Nagarik muestra a una serie de personajes, miembros de una familia de emigrantes en Calcuta, víctimas de las partición de Bengala, una atmósfera filial y social parecida aparece en Ajantrik (Pathetic Fallacy, 1958), Kato Ajanare (Runaway, 1959), Meghe Dhaka Tara (The Cloud Capped Star, 1960) y Komal Gandhar (E-Flat, 1961), hasta Subarnarekha (The Golden Line, 1962), uno de sus trabajos más impresionantes y completos, junto con Titash Ekti Nadir Naam (A River Named Titas, 1973) y Jukti, Takko Aar Gappo (Arguments and a Story, 1974), que fuera su última película y en la cual, además de dirigir y escribir el guión, interpretó al protagonista y compuso la partitura original.

Los ocho filmes realizados por Ghatak se convirtieron en una revelación para los pequeños públicos buscadores de rarezas en Occidente, sobre todo para quienes pensaban que el cine de la India comenzaba y terminaba con Satyajit Ray. Cuando se exhibió una retrospectiva integral suya en el Festival de Nueva York, el crítico Jacob Levich escribió que “cada una de sus ocho películas están marcadas por el reto formal, el vigor intelectual y el poderío emocional; varias de ellas se han reconocido como obras maestras cuya importancia se acrecienta con el tiempo”.

Ritwik Ghatak

Marxista y aficionado a los estudios de Jung, novelista ocasional y autodestructivo consumado, Ghatak consumió su carrera a la sombra de Satyajit Ray, director coterráneo y contemporáneo de Ghatak. Este último no tuvo la aceptación internacional inmediata con que contó Ray y tuvo que forcejear continuamente para financiar cada uno de sus proyectos, además de padecer el acoso constante de sus fantasmas políticos y personales, de sus tendencias desintegradoras y de su escasa capacidad para la autopromoción. Ghatak escribió, actuó, dirigió y produjo numerosas obras de teatro para el escenario y las calles, apoyado por el Indian People’s Theatre Association (IPTA), la rama teatral vinculada al Partido Comunista de su país. Después, formó su propio grupo de teatro y puso en escena una obra titulada Sei Meye , en 1969, con pacientes de un sanatorio mental en el cual residió él mismo por algún tiempo.

Con un par de excepciones, sus filmes no cuadran para nada con los esquemas exigidos por el público internacional al cine artístico de la India. Para ese público, Satyajit Ray era el realizador presentable, orientado y de buen gusto, mientras Ritwik Ghatak carecía de respeto por ciertas instituciones, tenía fuertes puntos de vista, armaba confusiones y desdeñaba el decoro. Y lo peor de todo era su manía de hablar de política en sus filmes desde un punto de vista rigurosamente marxista, o sus críticas radicales a la vida familiar, o su exposición desencantada del amor doméstico y de la lealtad. Estas son las verdades que todo el mundo espera del cine, pero que muy pocos están dispuestos a aceptar de veras cuando se las presentan.

Si bien el cine de Ray destaca por lo impecable y convencional en términos de narrativa y puesta en escena, el de Ghatak no tiene nada que ver con la novela o el teatro realista del siglo XIX; es fragmentario, provisional, intensamente personal e incluso épico por la forma, el alcance y las aspiraciones. Viendo sus películas, el espectador se siente ante una experiencia íntima, extrema, conducida por una inteligencia errática aunque brillante, en una atmósfera de búsqueda, experimentación y desconcertante honestidad. Sus filmes pueden ser estimulantes para la inteligencia y la sensibilidad, pero nunca son cómodos ni apacibles. Ghatak dispuso el melodrama al servicio del gran arte fílmico (como Sirk, Fassbinder o Téchiné) pero, a diferencia de otros autores, Ritwik Ghatak empleaba violenta experimentación en el área del sonido antinaturalista, de la edición a ritmo eruptivo y de las técnicas focales más excéntricas.

El propio Ray, quien lo reconocía entre los grandes cineastas de su país, declaró en alguna ocasión, que “para Ghatak Hollywood simplemente no existía”. Y los historiadores del cine indio Ashish Rajadhyaksha y Paul Willemen simplemente consideran que su cine no tenía predecesores a fuerza de original y que su trabajo puede ser colocado, estéticamente, al lado del que realizara en la literatura el novelista bengalí Manik Bandyopadhyay y de las enseñanzas del músico Ustad Allauddin Khan.

Ritwik Ghatak es considerado hoy el más importante de los realizadores independientes de la India. En sus comentarios sobre el cine se percibe la distinción entre las oportunidades que el cine ofrecía como medio, y el cine en sí mismo. “El cine no es forma, aunque tenga formas que deben atenderse”. La única habilidad especial que le concede al cine por encima de otras artes era que “puede alcanzar millones de personas de una sola vez, algo de lo que no es capaz ningún otro medio”.

Ritwik Ghatak

La filmografía de Ghatak nunca pudo clasificarse en un género o estilo específicos: “Mi primera obra fue llamada filme episódico y picaresco en la línea de la novela española del siglo XVIII; el segundo fue etiquetado desde su aproximación documental; el siguiente fue un melodrama; y el cuarto, ya no era nada de nada, por lo visto no era un filme”. Ghatak trata de relatar una historia en varios niveles al mismo tiempo, y para ello confiaba en la música y en los poderes sugestivos de una narración relajada, rota y caleidoscópica.

Entre las declaraciones de Ghatak sobre el papel del cine y sobre su poética personal, encontramos estas:

No creo en ese entretenimiento que el cine debe garantizar según los slogans . Creo en que el cine puede pensar en serio el universo, el mundo en su conjunto, la situación internacional, el país que se habita, y la gente que rodea al cineasta”.

El tiempo en que estuve trabajando en el Instituto Fílmico de Pune fue uno de los períodos más felices de mi vida. Realmente me cuesta trabajo describir el placer que experimentaba ganándome la atención de mis jóvenes estudiantes y explicándoles que el cine podía ser otro diferente de lo que ellos suponían. Otra cosa que me complacía era saber que estaba ayudando a moldearlos como cineastas. Mis pupilos están dispersos por todo el país. Algunos se han fabricado un nombre famoso, otros no lo han logrado. Algunos se han puesto de pie por sí mismos y otros han sido barridos”.

Somos un pueblo épico. No nos involucramos mucho en historias de intrigas, mas nos gusta que nos cuenten las mismas historias y los mismos mitos una y otra vez. Como público, nos implicamos mucho menos con lo que un filme es o cuenta que con los por qués y los cómo del cuento. Por ello, las formas folclóricas básicas y sus vulgarizaciones posteriores apelan tanto a narrativas relajadas, discursivas, cuyo contenido es conocido desde hace miles de años”.

NOTA: Estas notas biográficas fueron recopiladas por holleymartins en una retrospectiva sobre el director en Allzine.

Filmfare Awards (2014) – Premiados

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Filmfare logo

El pasado viernes se concedieron los Filmfare Awards, quizás los premios más conocidos y rimbombantes de la India, organizados por un conocido grupo editorial. La gran destacada de la noche fue Bhaag Milkha Bhaag, película basada en la vida del deportista indio Mikha Singh. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

Bhaag Milkha Bhaag
Chennai Express
Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Raanjhanaa
Yeh Jawaani Hai Deewani

Mejor Director

Aanand L Rai (Raanjhanaa)
Abhishek Kapoor (Kai Po Che)
Ayan Mukerji (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Rakeysh Omprakash Mehra (Bhaag Milkha Bhaag)
Rohit Shetty (Chennai Express)
Sanjay Leela Bhansali (Goliyon Ki Raasleela Ram-leela)

Mejor Actor

Dhanush – Raanjhanaa
Farhan Akhtar – Bhaag Milkha Bhaag
Hrithik Roshan – Krrish 3
Ranbir Kapoor – Yeh Jawaani Hai Deewani
Ranveer Singh – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Shah Rukh Khan – Chennai Express

Mejor Actriz

Deepika Padukone – Chennai Express
Deepika Padukone – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Parineeti Chopra – Shuddh Desi Romance
Shraddha Kapoor – Aashiqui 2
Sonakshi Sinha – Lootera
Sonam Kapoor -Raanjhanaa

Mejor Actor Secundario

Aditya Roy Kapur – Yeh Jawaani Hai Deewani
Anupam Kher – Special 26
Nawazuddin Siddiqui – The Lunchbox
Pankaj Kapur – Matru Ki Bijlee Ka Mandola
Rajkumar Rao – Kai Po Che
Vivek Oberoi -Krrish 3

Mejor Actriz Secundaria

Divya Dutta – Bhaag Milkha Bhaag
Kalki Koechlin – Yeh Jawaani Hai Deewani
Konkona Sen Sharma – Ek Thi Daayan
Supriya Pathak Kapur – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Swara Bhaskar -Raanjhanaa

Mejor Banda sonora

Amit Trivedi – Lootera
Ankit Tiwari, Mithoon and Jeet Ganguly -Aashiqui 2
AR Rahman – Raanjhanaa
Pritam -Yeh Jawaani Hai Deewani
Sanjay Leela Bhansali – Goliyon Ki Raasleela Ram-leela
Vishal-Shekhar -Chennai Express

Mejores Letras

Amitabh Bhattacharya-Shikayatein (Lootera)
Amitabh Bhattacharya-Kabira (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Mithoon-Tum hi ho (Aashiqui 2)
Prasoon Joshi-Zinda (Bhaag Milkha Bhaag)
Swanand Kirkire-Manja (Kai Po Che)

Mejor Playback masculino

Amit Trivedi-Manja (Kai Po Che)
Ankit Tiwari-Sunn raha hai na tu (Aashiqui 2)
Arijit Singh-Tum hi ho (Aashiqui 2)
Benny Dayal-Badtameez dil (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Siddharth Mahadevan-Zinda (Bhaag Milkha Bhaag)

Mejor Playback femenino

Chinmayi-Titli (Chennai Express)
Monali Thakur- Sawar loon (Lootera)
Shalmali Kholgade- Balam pichkari (Yeh Jawaani Hai Deewani)
Shreya Ghoshal-Sunn raha hai (Aashiqui 2)
Shreya Ghoshal-Nagada (Goliyon Ki Raasleela Ram-leela)

Mejor Coreografía

Samir and Arsh Tanna – Lahu Muh Lag Gaya (Ram-leela)

Mejor Director Novel

Ritesh Batra – The Lunchbox

Mejor Actor Novel

Dhanush – Raanjhanaa

Mejor Actriz Novel

Vaani Kapoor – Shuddh Desi Romance

Mejor Película (Crítica)

Ritesh Batra – The Lunchbox

Mejor Actor (Crítica)

Rajkummar Rao – Shahid

Mejor Actriz (Crítica)

Shilpa Shukla- BA Pass

Mejor Guión

Chetan Bhagat, Abhishek Kapoor, Supratik Sen and Pubali Chaudhari (Kai Po Che)

Mejor Historia

Subhash Kapoor – Jolly LLB

Mejores VFX

Tata Elxis (Dhoom:3)

Mejor Acción

Thomas Struthers and Guru Bachchan – D Day

Mejor Fotografía

Kamaljit Negi – Madras Cafe

Mejor Edición

Aarif Sheikh – D-Day

Mejor Diseño de Producción

Acropolis Design (Bhaag Milkha Bhaag)

Mejor Sonido

Bishwadeep Chatterjee and Nihar Ranjan Samar (Madras Cafe)

Mejor Vestuario

Dolly Ahluwalia (Bhaag Milkha Bhaag)

87th Kinema Junpo Awards (2013)

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kinema junpo

A principio de año se conocieron los ganadores de la 87 edición de los Kinema Junpo Awards, premios concedidos por el prestigioso magazine japones y que son votados por un comité de más de 100 críticos y periodistas. Además ya está editado el Top 10 de películas japonesas del pasado año en la misma revista. A continuación tenéis los resultados de estos primeros galardones del año en Japón.

Premios Kinema Junpo Awards

Mejor Película:
Pecoross’ Mother and Her Days

Mejor Director:
Yuya Ishii (The Great Passage)

Mejor Guión:
Aruhiko Arai (Backwater)

Mejor Actriz:
Yoko Maki (Like Father, Like Son, The Ravine of Goodbye y Sue, Mai & Sawa: Righting the Girl Ship)

Mejor Actor:
Ryuhei Matsuda (The Great Passage)

Mejor Actriz Secundaria:
Yuko Tanaka (Backwater y Dawn of a Filmmaker: The Keisuke Kinoshita Story)

Mejor Actor Secundario:
Lily Franky (Like Father, Like Son y The Devil’s Path)

Mejor Película extranjera:
Amour (Michael Haneke)

Mejor Director extranjero:
Alfonso Cuarón (Gravity)

Las 10 mejores películas japonesas:

1. Pecoross’ Mother and Her Days
2. The Great Passage
3. The Devil’s Path
4. The Tale of Princess Kaguya
5. Backwater
6. Like Father, Like Son
7. The Wind Rises 風立ちぬ
8. The Ravine of Goodbye
9. Tamako in Moratorium
10. Flashback Memories 3D

Runner-up: Hello, My Dolly Girlfriend

Las 10 mejores películas extranjeras:

1. Amour
2. Gravity
3. Hannah Arendt
4. Seediq Bale
5. Three Sisters
6. Holy Motors
7. The Life of Pi
8. The Master
9. Tabu
10. The Other Son

Runner-up: Pietà

Puño y Espada – Wuxia Pian Poster (XII)

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Llegamos a los años 80 con la doceava entrega de nuestro recopilatorio en torno a los posters y grafismos relacionados con el Wuxia Pian. Espero que lo disfrutéis y no dudéis en compartir con nosotros vuestras opiniones.

Swift Sword (1980)
Director: Ho Meng-Hua
The Flag of Iron (1980)
Director: Chang Cheh
swift sword Flag of Iron
The enigmatic case (1980)
Director: Johnnie To
The Sword (1980)
Director: Patrick Tam
enigmatic case the sword
Rendezvous With Death (1980)
Director: Sun Chung
Return of the sentimental swordsman (1980)
Director: Chor Yuen
rendezvous with death
Return of the Sentimental Swordsman -  (1981)
Killer Constable (1980)
Director: Kuei Chih-Hung
A Deadly Secret (1980)
Director: He Chi Chiang
killer constable
deadly secret

Herman Yau

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Herman YauHerman Yau hizo de todo y lo hizo bien. Es más, hizo de todo y lo hizo todo a la vez. Desde sus comienzos parecía estar predestinado a esas cosas futuras: tenía el aspecto y la mirada entre perdida e inquietante de un psicópata y además se ocupó de la fotografía de la primera película hongkonesa que se llevaría la calificación de Categoría III, Sentenced to hang, una calificación que él elevó a la categoría de género, y a la que entregó sus mejores años y sus proyectos más sublimes.

Podemos decir que en esa voracidad suya (en los años noventa dirigió veinticinco películas… alguna menos que en la siguiente década…) sólo llegó seguramente tarde a una cosa (intuimos): a la nueva ola hongkonesa, en la que se hubiera sentido a gusto realizando una de sus pasiones: el cine social. Porque después de todo, Herman Yau siempre fue un humanista… Un humanista que creía en el ser humano (y también en sus excesos) y como tal, con un cierto apego a denunciar las injusticias sociales, que en Hong Kong, como en cualquier sitio, existen. Así su cine siempre se movió entre lo social, el género (en especial el terror… mejor, los espíritus) y el cine más desatado y descarado, y en más de una vez lo juntó todo, siempre ayudado por sus amigos, porque Yau, siempre fue amigo de sus amigos y sus amigos de él…

El amigo Wong

Herman Yau se encuentra con Anthony Wong allá por el año 93 (cinematográficamente hablando). Juntos ruedan su particular Taxi driver bajo el descriptivo título de Taxi hunter, porque después de todo de eso se trata, de un hombre al que un taxista mata a la mujer embarazada y que siguiendo su destino debe matar a todos los taxistas de la ciudad. Así, un poco a lo tonto, los dos convierten una simple clasificación moral (categoría III = mayores de 18 años) en todo un género: la suma de locura más crítica social más humor negro e incorrecto. El resultado es que nada volverá a ser igual. Tras Taxi hunter, la pareja seguirá firmemente el camino trazado y llegará The untold story, sobre un cocinero de bollitos rellenos de carne… humana, y The Ebola syndrome, obra máxima del género. Wong, desenfrenado como nunca, se convierte en el ángel exterminador que acabará con una sociedad que pretendía destruirle. Llegaron tan alto que tras eso sólo quedaba dejarse llevar y así lo estuvieron haciendo. La categoría III como género se agotaba (tras tres años intensos), y era hora de probar otras cosas (sin olvidar exprimir un poco más el tema). Wong y Yau se seguirían viendo, cómo no, e incluso Yau haría de actor en una película dirigida por Wong (New Tenant), pero la sombra de aquella trilogía de la bajeza humana era alargada, y nada fue igual, aunque lograran brillantes ejercicios del tipo Cop image (sobre un tipo que se cree un policía).

El amigo Loui

Tras aquellos convulsos años III, Yau se inicia en los misterios del cine espiritual, es decir, de espíritus. De nuevo, le aporta unos toques de humor, y el resultado es Troublesome night, que de película pasará a convertirse en una especie de franquicia, a base de unir varias historias del género, con varios directores (o no). Yau será habitual en la misma, su mayor sustento, y junto a él nos encontramos con Simon Loui, que se convertirá en otro de los frecuentes de su cine. El género en será uno de sus predilectos y en esta línea encontramos películas como Walk in (sobre ocupaciones de cuerpos, con Danny Lee) o su participación en otra longeva serie de películas, Nightmares in precint, en la septima entrega (y de nuevo con Loui).

Ambos géneros y ambos amigos aparecerán de nuevo en los últimos años, en una especie de mirada entre retrospectiva y nostálgica, con resultados dispares (aunque dignos), fruto de que el cine hongkonés ya no está para locuras. Así, el cine de espíritus volvería una vez más con una película como The first 7th night y la categoría III en Gong Tau.

Herman yau y anthony wong

El amigo Lee

Aunque sin llegar a los lazos profundos que le unen con aquellos otros (cuestión de géneros, seguramente), Danny Lee también se pasó por el cine de Yau, igual porque a través de su productora Magnum tenía una idea bastante cercana a la de Yau, es decir, género más humor (aunque en este caso más blanco que negro). Así, realizaron pocas obras pero sustanciales, películas como Walk in (interpretación memorable, quizás una de las mejores de su carrera) pero también The untold story, que le produjo, y en la que Lee se reinventa como policía, creando un personaje despreciable en su absoluta imbecilidad, hasta el punto de hacer humano al psicópata cocinero. Juntos también realizarán alguna comedia policiaca más, como Fearless match o Shark busters, y bueno, son unos momentos aparte en los que Yau ensaya el cine de acción, al que se ha dedicado también en múltiples ocasiones, con películas como Best of the best, City cop, Killing end o más recientemente Rebellion o Turning point.

El otro Herman

Y entre género y género y su desmesurada voracidad fílmica, a Yau aún le queda tiempo para hacer otro cine, un cine social: From the Queen to the Chief Executive (sobre la pena de muerte) o Whispers and moans y True women for sale (sobre la prostitución), en la que da rienda suelta a preocupaciones que venían diluidas en parte de su extensa filmografía. Eso, junto a una línea de películas más personales (o no, porque ¿quién es realmente Herman Yau?), del tipo de Cocktail, o directamente comedias, como Herbal tea o Split second murders, nos devuelven seguramente al cineasta más variopinto y desprejuiciado del cine hongkonés, prolífico como el solo y que en los últimos años parece haber retomado el pulso y ser capaz, en el desierto de ideas del cine actual, de ofrecer algo más, la sensación de un poco de cariño (o convicción) puesta al servicio de la película, por muy pequeña y desprovista de todo que parezca.

NOTA: Estas notas biográficas fueron escritas por Silien para una retrospectiva sobre el director en Allzine.

56th Blue Ribbon Awards

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a story of yonosuke The Ravine of Goodbye

El próximo día 11 de febrero se celebra el Tokyo la entrega de premios de la 56 edición de los Blue Ribbon Awards, organizados por diversos medios especializados en la región de Tokyo. En esta ocasión 22 películas locales y 26 internacionales optaban a los premios principales como mejor película y mejor película extranjera. En el resto de categorías destacaba en nominaciones The Great Passage, seguida de cerca por Like Father, Like Son, aunque finalmente ha habido más de una sorpresa en los premiados, anunciados hace bien poquito.

Mejor Película

A Story of Yonosuke

Otros nominados destacados:
The Great Passage
Like Father, Like Son
The Devil’s Path
The Kiyosu Conference
Angel Home
Why Don’t You Play in Hell?
Tokyo Family
Backwater

Mejor Director

Yuya Ishii (The Great Passage)
Hirokazu Kore-eda (Like Father, Like Son)
Kazuya Shiaraishi (The Devil’s Path)
Tatsushi Omori (The Ravine of Goodbye)
Hayao Miyazaki (The Wind Rises)
Isao Takahata (The Tale of Princess Kaguya)

Mejor Actor

Sadao Abe
Ebizô Ichikawa
Kengo Kôra
Masaharu Fukuyama
Ryûhei Matsuda
Yutaka Mizutani

Mejor Actriz

Haruna Kawaguchi
Shihori Kanjiya
Yôko Maki
Atsuko Maeda
Kaoru Yachigusa
Kazuko Yoshiyuki

Mejor Actor Secundario

Jô Odagiri
Pierre Taki
Tatsuya Fujiwara
Yûya Yagira
Rirî Furankî

Mejor Actriz Secundaria

Machiko Ono
Haru Kuroki
Eiko Koike
Yûko Tanaka
Tomochika
Miki Nakatani
Fumi Nikaidô
Yuriko Yoshitaka

Mejor actor/actriz novel

Haru Kuroki

Premios Póstumos

Rentaro Mikuni
Nagisha Oshima

Mejor Película Extranjera

Gravity

23th Subhanahongsa Awards – Nominados

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Subhanahongsa  Awards

El próximo día 23 de febrero se conocerán los ganadores de los premios más importantes de la industria cinematográfica Tailandesa, los Subhanahongsa Awards, concedidos por la Thailand National Film Association. Entre las nominadas destcada sin lugar a dudas la rompe-taquillas Pee Mak Phra Khanong, n ominada a 13 de las 15 categorías, entre ellas mejor película, director, guión y actriz principal. Los dramas juveniles indies Tang Wong y Mary Is Happy, Mary Is Happy, junto a Grean Fictions, han obtenido 10 nominaciones en diferentes categorías.

Mejor Película

Pee Mak Phra Khanong
Mary Is Happy, Mary Is Happy
Grean Fictions
Tang Wong
Prachatipathai (Paradoxocracy)

Mejor Director

Banjong Pisunthanakun, Pee Mak Phra Khanong
Nawapol Thamrongrattanarit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Chookiat Sakveerakul, Grean Fictions
Kongdej Jaturanrasmee, Tang Wong
Pen-ek Ratanaruang and Pasakorn Pramoolwong, Paradoxocracy

Mejor Guión

Nontra Kumwong, Chantawit Thanasewee and Banjong Pisunthanakun, Pee Mak Phra Khanong
Chookiat Sakveerakul and Niwaruj Teekaphowan, Grean Fictions
Nawapol Thamrongrattanarit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Kongdej Jaturanrasmee, Tang Wong
Manachaya Panitsarn, Worakorn Virakun, Virasinee Raungprchaubkun, Kimhan Kanchanasomjai and Ratchapoom Boonbunchachoke, Love Syndrome

Mejor Actor

Nadech Kugimiya, Koo Kam
Pattadon Jan-ngern, Grean Fictions
Chinawut Indracusin, Thongsuk 13
Jirayu La-ongmanee, Last Summer
Phakhin Khamwilaisak, Love Syndrome

Mejor Actriz

Davika Hoorne, Pee Mak Phra Khanong
Lalita Panyopas, Prayoke Sanya Rak
Patcha Poonpiriya, Mary is Happy, Mary is Happy
Apinya Sakuljaroensuk, Hashima Project
Suthata Udomsilp, Last Summer

Mejor actor secundario

Pongsathorn Jongwilas, Pee Mak Phra Khanong
Nattapong Chartpong, Pee Mak Phra Khanong
Auttarut Kongrasri, Pee Mak Phra Khanong
Chaiyapol Julien Poupart, Jan Dara: The Finale
Nutthasit Kotimanuswanich, Tang Wong

Mejor actriz secundaria

Bongkot Kongmalai, Nang Fah (Angels)
Ratha Pho-ngam, Nang Fah (Angels)
Chonnikan Netjui, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Laknara Piatha, Grean Fictions
Jenjira Jamniansri, Grean Fictions

Mejor fotografía

Narupon Chokkanapitak, Pee Mak Phra Khanong
Sayompoo Mukdeeprom, Last Summer
Pairach Khumwan, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Panom Promchat, Jan Dara: The Finale
MR Umpornpol Yugala and Saran Srisingchai, Tang Wong

Mejor edición

Thammarat Sumethsupachok, Pee Mak Phra Khanong
Chonlasit Upanigkit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Max Tersch, Paradoxocracy
Manussa Warasingha and Kamonthorn Ekwattanakit, Tang Wong
Chookiat Sakveerakul and Jirasak Jakrawan, Grean Fictions

Mejor sonido

Kantana Sound Studio, Pee Mak Phra Khanong
Ram Indra Sound Mixing Studio, Tom-Yum-Goong 2
Akritchalerm Kalayanamitr, Paisit Panpruegsachart and Teekhadet Vucharadhanin, Tang Wong
Jettapol Khan, Body Slam Nang Len
Kantana Sound Studio, Grean Fictions

Mejor canción original

Sao Karaoke, Namfon Pakdee, Karaoke Girl
Hideko, Yusuke Namikawa, Koo Kam
Yuewya, Cin Thosaporn Achawanantakul, Last Summer
Young Bao, Carabao
Dad Lom Fon, Sua Krong Band, Grean Fictions

Mejor banda sonora

Chatchai Pongprapapan and Hualampong Riddim, Pee Mak Phra Khanong
Chatchai Pongprapapan, Jan Dara: The Finale
Somsiri Sangkaew, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Chaibandit Peuchponsub, Apichai Tragoolpadetgrai and Yellow Fang, Tang Wong
Hualampong Riddim and Wichaya Wattanasab, Last Summer

Mejor dirección artística

Akradej Kaewkote, Pee Mak Phra Khanong
Patrick Meesaiyati, Jan Dara: The Finale
Rasiguet Sookkarn, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Rasiguet Sookkarn, Tang Wong
Sarid Noomahan, Grean Fictions

Mejor vestuario

Suthee Muanwaja, Pee Mak Phra Khanong
Vorathon Krisanakalin, Koo Kam
Athit Thriakittiwat, Jan Dara: The Finale
Cattleya Paosrijaroen, Tang Wong
Peem Umaree, Mary Is Happy, Mary Is Happy

Mejor maquillaje

Pichet Wongjansom, Pee Mak Phra Khanong
Amarit Chokprecha and Metapan Pitithanyapat, Last Summer
Montri Watlaiad, Jan Dara: The Finale
Montri Watlaiad, Koo Kam

Mejores efectos especiales

Oriental Post, Pee Mak Phra Khanong
Sasee Company, Thongsuk 13
Color Boy Film, Post Service, The Common Is, Aiyara Animation and Studio, Weative Studio and Kittipong Umplord, Koo Kam
Surreal and Thossaporn Poonnart, Tom-Yum-Goong 2
Kantana Post Production, Hashima Project


8th Asian Film Awards – Nominados

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Ayer mismo se han anunciado los nominados a los Asian film Awards, premios creados en el marco del Hong Kong Film Festival pero que ya son un referente dentro de la producción cinematográfica asiática. The Grandmaster de Wong Kar Wai y Snowpiercer de Bong Joon-ho lideran las nominaciones de estos premios que se fallarán el 24 de Marzo. A continuación os acerco la lista completa de nominados.

Mejor Película

No Man’s Land (China)
The Grandmaster (Hong Kong-China)
The Great Passage (Japón)
The Lunchbox (India)
Snowpiercer (Francia-Corea-US)
Stray Dogs (Taiwan)

Mejor Director

BONG Joon-ho – Snowpiercer (Francia-Corea-US)
Anthony CHEN – Ilo Ilo (Singapur)
Hirokazu KOREEDA – Like Father, Like Son (Japón)
TSAI Ming-liang – Stray Dogs (Taiwan)
WONG Kar-wai – The Grandmaster (Hong Kong-China)

Mejor Actor

Masaharu FUKUYAMA – Like Father, Like Son (Japón)
Irrfan KHAN – The Lunchbox (India)
LEE Kang Sheng – Stray Dogs (Taiwan)
Tony LEUNG Chiu Wai – The Grandmaster (Hong Kong-China)
SONG Kang-ho – The Attorney (Corea)

Mejor Actriz

Eugene DOMINGO – Barber’s Tales (Filipinas)
HAN Hyo-joo – Cold Eyes (Corea)
PAW Hee Ching – Rigor Mortis (Hong Kong)
YOKO Maki – The Ravine Of Goodbye (Japón)
ZHANG Ziyi – The Grandmaster (Hong Kong-China)

Mejor Novato

CHOI Hon-Yick – The Way We Dance (Hong Kong)
IM Si-wan – The Attorney (Corea)
JIANG Shuying – So Young (China)
Misaki KINOSHITA – The Backwater (Japón)
Keita NINOMIYA – Like Father, Like Son (Japón)

Mejor Actor Secundario

Mark CHAO – So Young (China)
HUANG Bo – No Man’s Land (China)
JUNG Woo-sung – Cold Eyes (Corea)
Loe ODAGIRI – The Great Passage (Japón)
Satoshi TSUMABUKI – Tokyo Family (Japón)

Mejor Actriz Secundaria

AOI Yu – Tokyo Family (Japón)
Mavis FAN – Will You Still Love Me Tomorrow? (Taiwan)
KIM Young-ae – The Attorney (Corea)
Fumi NIKAIDO – Why Don’t You Play In Hell? (Japón)
YEO Yann Yann – Ilo Ilo (Singapur)

Mejor Guión

Ritesh BATRA –  The Lunchbox (India)
BONG Joon-ho, Kelly MASTERSON – Snowpiercer (Francia-Corea-US)
LI Qiang – So Young (China)
Kensaku WATANABE – The Great Passage (Japón)
WONG Kar-wai, ZOU Jingzhi, XU Haofeng – The Grandmaster (Hong Kong-China)

Mejor Fotografía

KIM Byung-seo, YEO Kyung-bo – Cold Eyes (Corea)
LIAO Pen Jung, SHONG Woon Chong, LU Qing Xin – Stray Dogs (Taiwan)
Philippe LE SOURD – The Grandmaster (Hong Kong-China)
Man-Ching NG – Rigor Mortis (Hong Kong)
Aziz ZHAMBAKIYEV – Harmony Lessons (Alemania-Francia-Kazakhstan)

Mejor Diseño de Producción

William CHANG Suk Ping, Alfred YAU Wai Ming – The Grandmaster (Hong Kong-China)
HAO Yi – No Man’s Land (China)
Hisao INAGAKI – Why Don’t You Play In Hell? (Japón)
Ken MAK – Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon (China-Hong Kong)
Ondřej NEKVASIL – Snowpiercer (Francia-Corea-US)

Mejor Banda Sonora

Zeke KHASELI, Yudhi ARFAN – What They Don’t Talk About When They Talk About Love (Indonesia)
Ehsaan NOORANI, Shankar MAHADEVAN, Loy MENDONSA – Run Milkha Run (India)
Shigeru UMEBAYASHI, Nathaniel MECHALY –The Grandmaster (Hong Kong-China)

Mejor Edición

William CHANG Suk Ping, Benjamin COURTINES, POON Hung Yiu – The Grandmaster (Hong Kong-China)
DU Yuan – No Man’s Land (China)
Junichi ITO – Why Don’t You Play In Hell? (Japón)
David M. RICHARDSON – Rigor Mortis (Hong Kong)
SHIN Min-kyung – Cold Eyes (Corea)

Mejores Efectos Especiales

Shuji ASANO – Real (Japón)
Pierre BUFFIN (BUF) – The Grandmaster (Hong Kong-China)
Enoch CHAN – Rigor Mortis (Hong Kong)
JEONG Seong-jin – Mr. Go (Corea-China)
KIM Wook – Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon (China-Hong Kong)

Mejor Vestuario

William CHANG Suk Ping – The Grandmaster (Hong Kong-China)
Catherine GEORGE – Snowpiercer (Francia-Corea-US)
Pik Kwan LEE, Bruce YU – Young Detective Dee: Rise Of The Sea Dragon (China-Hong Kong)
SHIM Hyun-sub – The Face Reader (Corea)

Yusaku Matsuda

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Yusaku MatsudaYusaku Matsuda es un fenómeno. Su prematura muerte en 1989 a la edad de 40 años le ha dado la idolatrada inmortalidad que el resto del mundo otorga a figuras como James Dean, Steve McQueen y Bruce Lee. La comparación con estos mitos es válida en más de un aspecto. Matsuda tenía un poco de los tres: miradas, nivel de actuación, un machismo cool y un toque de acción.

Sin embargo, Matsuda sigue siendo prácticamente desconocido fuera de su país de origen. Su desgracia fue haber saltado a la fama en un momento en el resto del mundo casi se había olvidado de que Japón tenía una industria cinematográfica: Matsuda llegó a su punto máximo en la década de 1980, la década más denostada en los anales de la historia del cine japonés, visto a través de ojos occidentales. Mientras que estrellas de épocas anteriores – Mifune, Takakura, Sugawara, Kaji – merecidamente disfrutan de adulación más allá de sus propias fronteras, Matsuda – que merece ser mencionado a su mismo nivel – permanece oculto a los ojos de Occidente, su obra relegada al sótano polvoriento del cine japonés, donde pocos hombres “blancos” se aventuran.

Esta oscuridad es, sin embargo, una paradoja, ya que millones de personas alrededor del mundo vieron su último papel en el cine interpretando al escurridizo villano Sato en el thriller Nihon-noir Black Rain de Ridley Scott. Un rol atípico en muchos sentidos y una excepción a la regla general. En la parte de su carrera que lo encumbró al éxito, Matsuda interpretó héroes temerarios, carismáticos rebeldes de alta figura y rasgos marcados, ofreciendo una virilidad y sensualidad que pocos antes que él lograron en el cine japonés. Indiscutiblemente carismático como Toshiro Mifune, Ken Takakura, Koji Tsuruta y Bunta Sugawara en sus mejores momentos, estos no tenían realmente mucho que hiciera que las mujeres se desmayaran y tuvieran fantasías a su paso, algo que los guionistas y productores supieron aprovechar muy bien en Matsuda.

Nacido en Shimonoseki, en la parte más occidental de la isla principal de Japón, Honshu, la juventud de Yusaku Matsuda se llena de áreas de misterio, algo adecuado dada la talla de la figura en sí misma. En primer lugar esta su nacimiento, que según registros oficiales fue el 21 de septiembre de 1950, aunque su familia afirma que fue un año antes en esa misma fecha. Algunas fuentes apuntan incluso que nació en un burdel. Otros registros lo fechan el 25 de Agosto de 1950. A la edad de 17 años fue a vivir con su tía en San Francisco, donde estudió en la universidad. La experiencia resultó ser un reto para el joven (víctima del racismo antijaponés de la posguerra y a desacuerdos con su tía), además de todo esto sufrió problemas físicos que lo llevaron a ser operado del apéndice. Todo esto lo hizo volver a Japón, donde estudió arte dramático en Tokyo y entró en el prestigioso grupo de teatro Bungaku-za en 1972.

La carrera cinematográfica de Matsuda comienza un año después, con su debut en la popular serie de televisión Taiyo ni Hoero! (Howl at the sun). Sustituyendo a la joven estrella Kenichi Hagiwara, interpretó a un joven policía rebelde cuyo atuendo característico le valió el apodo de Jiipan (por sus pantalones vaqueros) entre sus compañeros, entre ellos la estrella de la Nikkatsu Yujiro Ishihara. Este programa produjo su salto a la fama, aunque sus primeros papeles cinematográficos, la película de terror Okami no Monsho (Emblem of the wolf) ese mismo año y el drama juvenil Tomodachi (Friends) en 1974, no hicieron mucho por afianzar su estrellato.

Su papel de Jiipan vendría a caracterizarlo como actor para los próximos años, a pesar de que un vistazo en profundidad a sus primeras películas revela una sorprendente variedad de roles. Especialmente destacable es su papel junto al gran Yoshio Harada en la producción de la ATG The Assassination of Ryoma (Ryoma Ansatsu, 1974). Matsuda entró en el reparto por recomendación del propio Harada, y el director Kazuo Kuroki describe si primer encuentro con el joven actor en su libro Eizo Sakko Kuroki Kazuo no Zenbo de la siguiente manera: “Había lanzado Taiyo ni Hoero! en se momento y me fui a verlo al set, casi no decían una palabra, pero me impresionó su presencia y carisma.” (Art Theatre Guild: Unabhängiges Japanisches Kino 1962 – 1984)

matsudaLa ambiciosa producción de la Kadokawa Proof of the Man (Ningen no Shomei, 1977) sería la primera colaboración de Matsuda con un actor americano, más de diez años antes de Black Rain. El personaje interpretado por George Kennedy, como estrella invitada, es un policía de Nueva York que investiga el asesinato de un muchacho americano en un hotel de Tokyo, con Matsuda como su compañero local. Dirigida por Junya Sato, Proof of the Man era una película de alto nivel producida por Haruki Kadokawa y que se hizo muy conocida entre finales de los 1970 y primeros de los 1980. Intentando entrar en el vacío que habían dejado las grandes compañías tradicionales, Kadokawa utiliza la fortuna del imperio editorial familiar para iniciar una productora que intenta vencer a Hollywood en su propio terreno, ofreciendo lujosos y ambiciosos espectáculos widescreen como Virus (Fukkatsu no Hi, 1980) de Kinji Fukasaku y Black Magic Wars (Iga Ninpo-cho, 1982) de Mitsumasa Saito.

La intención de Kadokawa de lanzar Proof of the Man en los cines de EEUU fracasó estrepitosamente (no obstante si llego a lanzarse en vídeo doméstico en una versión recortada), pero la película hizo un buen negocio en casa y no dañó la trayectoria ascendente de Matsuda. Lo mismo podría decirse de su papel en la serie de televisión Tokyo Assembly (Daitokai, 1977), que lo llevo a actuar junto a Tetsuya Watari y reunirse con su compañero de Taiyo ni Hoero!, Yujiro Ishihara.

La carrera del actor sufriría otro avance en 1978 con el lanzamiento de The Most Dangerous Game (Mottomo Kiken na Yugi), una película de acción con toques cómicos donde Matsuda interpretaría el papel principal de un asesino a sueldo. Con sus gafas de sol, chaqueta de cuero y llamativo coche, este personaje es uno de los papeles típicos del actor, el cual repetiría en dos secuelas cada vez más serias, la primera, Satsujin Yugi (The Murder Game), justo después de la original y la segunda, Shokai Yugi (The Execution Game), al año siguiente.

Matsuda alcanza el cenit de su popularidad en este periodo, cultivando el papel de estrella de acción y lobo solitario heredado de Taiyo ni Hoero! y la serie de Yugi en proyectos como The Doll House Murder (Midarekarakuri, 1979), Resurrection of the Golden Wolf (Yomigaeru Kinro, 1979) y, sobre todo, una nueva serie de televisión con él como protagonista: Detective Story (Tantei Monogatari, 1979-80).

Como el inconformista detective conductor de motocicleta Shunsaku Kudo, Matsuda interpreto lo que a ojos de muchos japoneses fue su papel fundamental. Dando vida al protagonista como un dandy informal, arrastrándose por la ciudad y con ciertas reminiscencias éticas de su época de policía en los EEUU, el actor le inyecta una dosis de humor en lo que de otro modo podría haber sido otra serie de acción de tipos rudos. En torno a 27 episodios, dirigidos por interesantes directores como Yasuharu Hasebe (Stray Cat Rock, Black Tight Killers) y el líder de la serie de Yugi, Toru Murakawa, Detective Story se convirtió en uno de los dramas más cariñosamente recordados en la historia de la televisión japonesa, repuesta constantemente hasta nuestros días. Para aquellos que nunca han visto un solo episodio, un vistazo al atuendo completo del actor – traje negro, corbata blanca, gafas de sol, pelo rizado saliendo debajo de un sombrero de fieltro (uno de los pocos hombres de la historia que era cool con una permanente) – es suficiente para entender el impacto del personaje a toda una nación.

El actor causaría un gran revuelo al casarse con su compañera de reparto de 18 años de edad, Miyuki Kumagai (después Miyuki Matsuda, bien conocida por su papel de esposa fallecida en Audition de Takashi Miike) en 1979. Además de una hija de un matrimonio anterior, fue padre de tres hijos con Miyuki, uno de los cuales seguiría los pasos de su padre en interesantes papeles en Gohatto de Nagisa Oshima y Blue Spring de Toshiaki Toyoda: Ryuhei Matsuda.

heat haze theatre

En el apogeo de su fama, el personaje de estrella de acción estaba llegando a sus límites. Después de haber encarnado al tipo duro de casi todas las formas imaginables, Matsuda trató de extender sus registros y aceptar una mayor variación en sus papeles. En Yokohama BJ Blues, dirigida por el subestimado Eiichi Kudo, se le permitió desarrollar su pasión por la música interpretando a un detective cantante de blues. Siguiendo el modelo de muchos actores famosos japoneses, Matsuda había iniciado una carrera musical unos años antes, pero despuntó hacia la fama en esta faceta solo cuando Yokohama BJ Blues llegó a los cines. Al mismo tiempo de su lanzamiento el actor ofreció varios conciertos en todo el país.

Fue el comienzo de una nueva etapa en su carrera, en la que la estrella de acción se convirtió en actor. Volviendo a hacer equipo con Toru Murakawa, el ahora enjuto actor perdió 10 kg de peso para encarnar al asesino de aspecto demacrado en Yaju Shisubeshi (The Beast Must Die, 1980). Tales trasformaciones físicas caracterizarían su trabajo en la década de los 1980, desde el barbudo dramaturgo en la segunda entrega de la trilogía de Taisho, Heat Haze Theatre (Kagero-Za, 1981) de Seijun Suzuki, hasta el estúpido tutor, en la que quizás es su segunda película más vista, de Family Game (Kazoku Game, 1983) de Yoshimitsu Morita.

Una variación de la película de 1968 Teorema de Pier Paolo Pasolini, y modelo que seguirían películas como Crazy Family (Gyakufunsha Kazoku, 1984) de Sogo Ishii y Visitor Q (2001) de Takashi Miike, Family Game es la historia de un profesor particular cuyos métodos decididamente poco convencionales para ayudar a un joven estudiante terminan por enfrentarlo a toda su familia. Culminando con una inolvidable batalla de comida en torno a la mesa de la cena, Family Game estableció a Matsuda como un actor muy versátil, dándole su actuación más de una veintena de premios y menciones.

Director y actor se reunieron en And Then (Sorekara, 1985), una adaptación de la novela romántica de Soseki Natsume, aunque antes Matsuda había tenido su debut como director en la adaptación del estilizado manga A Homansu ese mismo año, co-escribiendo el guión con Shoichi Maruyama, quien fue autor de Shokai Yugi, Yaju Shisubeshi y Yokohama BJ Blues, así como varios episodios de Detective Story. Película de nombre intraducible que combina las palabras “idiota” y “actuación”, la película toma la figura de héroe de acción de Matsuda a modo de parodia, convirtiéndolo en un misterioso mendigo con poderes casi sobre humanos para el amor y la lucha, lo que atrae la atención de un jefe de la yakuza atrapado en medio de una lucha de bandas.

Yusaku Matsuda volvería a estar delante de la cámara en 1988, sin dejar de interpretar papeles desafiantes en la adaptación de Wuthering Heights (Arashigaoka) de Kiju Yoshida y The Rage of Love (Hana no Ran) de Kinji Fukasaku.

Una vez finalizado el rodaje de la película de Fukasaku, Matsuda descubrió que sufría de cáncer de vejiga. Ya seleccionado como villano para enfrentarse a Michael Douglas, Andy Garcia y Ken Takakura en Black Rain, ocultó la enfermedad a su familia y pospuso su tratamiento por el sueño de hacer una película en Hollywood. Aunque supuestamente Jackie Chan fue sugerido por primera vez para el papel de Sato por Douglas, Ridley Scott, siguiendo las palabras de Kazuo Kuroki, afirmó que desde la primera vez que vio a Matsuda sabia que debía hacer ese papel, comparando este con su encuentro con Rutger Hauer cuando lo eligió para Blade Runner.

Black Rain

El lanzamiento de Black Rain en 1989 propicio un aluvión de publicidad para Matsuda, quien debido a su delicado estado de salud (que ya le había molestado durante el rodaje de la película) no pudo disfrutarla en primera persona. La noticia de su enfermedad aún no se había hecho pública, muchas apariciones en televisión y fotos para revistas fueron canceladas y el actor incluso tuvo que renunciar a asistir a la premier japonesa de la película, el 5 de octubre de 1989. Un día más tarde, con una oferta para otra película en Hollywood ya en su buzón, Yusaku Matsuda se unió definitivamente a las filas de los realmente inmortales.

NOTA: Esta es una traducción libre y adaptada del artículo sobre el actor escrito por Tom Mes para MidnightEye.

33rd Hong Kong Film Awards – Nominados

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Cartel

Hace unas semanas se conocieron los nominados a los Hong Kong Film Awards, los premios más prestigiosos del panorama de cine de la ex-colonia británica. Entre los nominados, como es normal en los premios asiáticos de este año, destaca la última cinta de Wong Kar WaiThe Grandmaster” con 14 nominaciones, seguida de cerca por “Unbeatable” de Dante Lam con 11 nominaciones y “Rigor Mortis” de Juno Mak con 9 nominaciones. Los ganadores se conocerán el próximo día 13 de Abril.

Mejor Película

The Grandmaster
Journey to the West: Conquering the Demons
The Way We Dance
The White Storm
Unbeatable

Mejor Director

Wong Kar-wai (The Grandmaster)
Johnnie To (Drug War)
Benny Chan (The White Storm)
Derek Kwok (As the Light Goes Out)
Dante Lam (Unbeatable)

Mejor Guión

Zou Jingzhi, Xu Haofeng, Wong Kar-wai (The Grandmaster)
Zhou Zhiyong, Zhang Ji Aubrey Lam (American Dreams in China)
Xue Xiaolu (Finding Mr. Right)
Wai Ka-fai Yau Nai-hoi Ryker Chan Yu Xi (Blind Detective)
Jack Ng, Fung Chi-fung, Dante Lam (Unbeatable)

Mejor Actor

Tony Leung Chiu-wai (The Grandmaster)
Louis Koo (The White Storm)
Lau Ching-wan (The White Storm)
Anthony Wong (Ip Man: The Final Fight)
Nick Cheung (Unbeatable)

Mejor Actriz

Zhang Ziyi (The Grandmaster)
Tang Wei (Finding Mr. Right)
Cherry Ngan (The Way We Dance)
Sammi Cheng (Blind Detective)
Nina Paw Hee-ching (Rigor Mortis)

Mejor Actor Secundario

Zhang Jin (The Grandmaster)
Tong Dawei (American Dreams in China)
Huang Bo (Journey to the West: Conquering the Demons)
Eddie Peng (Unbeatable)
Antony “Friend” Chan (Rigor Mortis)

Mejor Actriz Secundaria

Du Juan (American Dreams in China)
Carina Lau (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Law Lan (The White Storm)
Crystal Lee (Unbeatable)
Wai Ying-hung (Rigor Mortis)

Mejor novato

Du Juan (American Dreams in China)
Fish Liew (Doomsday Party)
Lin Gengxin (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Babyjohn Choi (The Way We Dance)
Angel Chiang (A Secret Between Us)

Mejor Fotografía

Philippe Le Sourd (The Grandmaster)
Anthony Pun (The White Storm)
Jason Kwan (As the Light Goes Out)
Kenny Tse (Unbeatable)
Ng Kai-ming (Rigor Mortis)

Mejor Edición

William Chang, Benjamin Courtines, Poon Hung-yiu (The Grandmaster)
Kwong Chi-leung Ron Chan (Firestorm)
Yau Chi-wai (The White Storm)
Wong Hoi (As the Light Goes Out)
Azrael Chung (Unbeatable)

Mejor Dirección Artística

William Chang, Alfred Yau Wai-ming (The Grandmaster)
Eric Lam (Journey to the West: Conquering the Demons)
Ken Mak (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Eric Lam (As the Light Goes Out)
Irving Cheung (Rigor Mortis)

Mejor Vestuario y Maquillaje

William Chang (The Grandmaster)
Dora Ng (American Dreams in China)
Lee Pik-kwan, Bruce Yu (Journey to the West: Conquering the Demons)
Lee Pik-kwan, Bruce Yu (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Miggy Cheng, Phoebe Wong, Kittichon Kunratchol (Rigor Mortis)

Mejor Coreografía de Acción

Yuen Wo-ping (The Grandmaster)
Yuen Bun (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Chin Ka-lok (Firestorm)
Donnie Yen (Special ID)
Ling Chi-wah (Unbeatable)

Mejor Banda Sonora

Shigeru Umebayashi Nathaniel Mechaly (The Grandmaster)
Kenji Kawai (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Day Tai Afuc Chan (The Way We Dance)
Teddy Robin, Tomy Wai (As the Light Goes Out)
Henry Lai (Unbeatable)

Mejor Canción Original

(新秩序): (Young and Dangerous: Reloaded) (Composer lyric sung by: Paul Wong)
(狂舞吧): (The Way We Dance) (Composer: Day Tai; Lyric: Saville Chan; Sung by: DoughBoy Shimica Wong)
(Love is Blind): (Blind Detective (Composer: Hal Foxton Beckett Mark Baril; Lyric: Lin Xi; Sung by: Andy Lau Sammi Cheng)
(心照一生): (The White Storm) (Composer: RubberBand; Lyric: RubberBand Tim Lui; Sung by: RubberBand)
(Ai Zui Da): (As the Light Goes Out) (Composer: Nicholas Tse; Lyric: Nicholas Tse Qiao Xing Kit@24 Herbs Phat@24 Herbs; Sung by: Nicholas Tse 24 Herbs)

Mejor Sonido

Robert Mackenzie, Traithep Wongpaiboon (The Grandmaster)
Kinson Tsang (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Phyllis Cheng (As the Light Goes Out)
Phyllis Cheng (Unbeatable)
Benny Chu, Steve Miller (Rigor Mortis)

Mejor Efectos Especiales

Pierre Buffin (The Grandmaster)
Wook Kim (Young Detective Dee: Rise of the Sea Dragon)
Yee Kwok-leung, Lai Man-chun, Ho Kwan-yeung, Garrett K. Lam (Firestorm)
Henri Wong, Hugo Kwan, Walter Wong (As the Light Goes Out)
Enoch Chan (Rigor Mortis)

Mejor Director Novel

Adam Wong (The Way We Dance)
Alan Yuen (Firestorm)
Juno Mak (Rigor Mortis)

Mejor Película de China y Taiwan

Rock Me to the Moon (Taiwan)
Lost in Thailand (Mainland)
The Last Supper (Mainland)
Touch of the Light (Taiwan)
So Young (Mainland)

Muerte tras la espada – Chanbara & Jidai-geki Eiga Poster (VIII)

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Hoy os traigo una nueva edición de Muerte tras la espada, nuestro recopilatorio de posters relacionados con el cine de época japones. Esta vez me centrare en algunas obras seleccionadas de los conocidos directores Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa.

Seppuku (1962)
Harakiri
Director: Masaki Kobayashi
Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu (1967)
Samurai Rebellion
Director: Masaki Kobayashi
harakiri samurai rebellion
Inochi bô ni furô (1971)
Inn of Evil
Director: Masaki Kobayashi
Revenge Of A Kabuki Actor (1962)
Revenge Of A Kabuki Actor
Director: Kon Ichikawa
inn of evil actor revenge
Shijushichinin no shikaku (1994)
47 Ronin
Director: Kon Ichikawa
Dora-Heita (2000)
Dora-Heita
Director: Kon Ichikawa
47 ronin Dora Heita

23th Subhanahongsa Awards – Premiados

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Subhanahongsa  Awards

Este pasado fin de semana se celebró la gala de entrega de los premios más importantes de la industria cinematográfica Tailandesa, los Subhanahongsa Awards, concedidos por la Thailand National Film Association. Finalmente la mayor nominada Pee Mak Phra Khanong casi no ha obtenido galardones, que se llevaron en su mayoría Tang Wong y Mary Is Happy, Mary Is Happy. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

Pee Mak Phra Khanong
Mary Is Happy, Mary Is Happy
Grean Fictions
Tang Wong
Prachatipathai (Paradoxocracy)

Mejor Director

Banjong Pisunthanakun, Pee Mak Phra Khanong
Nawapol Thamrongrattanarit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Chookiat Sakveerakul, Grean Fictions
Kongdej Jaturanrasmee, Tang Wong
Pen-ek Ratanaruang and Pasakorn Pramoolwong, Paradoxocracy

Mejor Guión

Nontra Kumwong, Chantawit Thanasewee and Banjong Pisunthanakun, Pee Mak Phra Khanong
Chookiat Sakveerakul and Niwaruj Teekaphowan, Grean Fictions
Nawapol Thamrongrattanarit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Kongdej Jaturanrasmee, Tang Wong
Manachaya Panitsarn, Worakorn Virakun, Virasinee Raungprchaubkun, Kimhan Kanchanasomjai and Ratchapoom Boonbunchachoke, Love Syndrome

Mejor Actor

Nadech Kugimiya, Koo Kam
Pattadon Jan-ngern, Grean Fictions
Chinawut Indracusin, Thongsuk 13
Jirayu La-ongmanee, Last Summer
Phakhin Khamwilaisak, Love Syndrome

Mejor Actriz

Davika Hoorne, Pee Mak Phra Khanong
Lalita Panyopas, Prayoke Sanya Rak
Patcha Poonpiriya, Mary is Happy, Mary is Happy
Apinya Sakuljaroensuk, Hashima Project
Suthata Udomsilp, Last Summer

Mejor actor secundario

Pongsathorn Jongwilas, Pee Mak Phra Khanong
Nattapong Chartpong, Pee Mak Phra Khanong
Auttarut Kongrasri, Pee Mak Phra Khanong
Chaiyapol Julien Poupart, Jan Dara: The Finale
Nutthasit Kotimanuswanich, Tang Wong

Mejor actriz secundaria

Bongkot Kongmalai, Nang Fah (Angels)
Ratha Pho-ngam, Nang Fah (Angels)
Chonnikan Netjui, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Laknara Piatha, Grean Fictions
Jenjira Jamniansri, Grean Fictions

Mejor fotografía

Narupon Chokkanapitak, Pee Mak Phra Khanong
Sayompoo Mukdeeprom, Last Summer
Pairach Khumwan, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Panom Promchat, Jan Dara: The Finale
MR Umpornpol Yugala and Saran Srisingchai, Tang Wong

Mejor edición

Thammarat Sumethsupachok, Pee Mak Phra Khanong
Chonlasit Upanigkit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Max Tersch, Paradoxocracy
Manussa Warasingha and Kamonthorn Ekwattanakit, Tang Wong
Chookiat Sakveerakul and Jirasak Jakrawan, Grean Fictions

Mejor sonido

Kantana Sound Studio, Pee Mak Phra Khanong
Ram Indra Sound Mixing Studio, Tom-Yum-Goong 2
Akritchalerm Kalayanamitr, Paisit Panpruegsachart and Teekhadet Vucharadhanin, Tang Wong
Jettapol Khan, Body Slam Nang Len
Kantana Sound Studio, Grean Fictions

Mejor canción original

Sao Karaoke, Namfon Pakdee, Karaoke Girl
Hideko, Yusuke Namikawa, Koo Kam
Yuewya, Cin Thosaporn Achawanantakul, Last Summer
Young Bao, Carabao
Dad Lom Fon, Sua Krong Band, Grean Fictions

Mejor banda sonora

Chatchai Pongprapapan y Hualampong Riddim, Pee Mak Phra Khanong
Chatchai Pongprapapan, Jan Dara: The Finale
Somsiri Sangkaew, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Chaibandit Peuchponsub, Apichai Tragoolpadetgrai and Yellow Fang, Tang Wong
Hualampong Riddim y Wichaya Wattanasab, Last Summer

Mejor dirección artística

Akradej Kaewkote, Pee Mak Phra Khanong
Patrick Meesaiyati, Jan Dara: The Finale
Rasiguet Sookkarn, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Rasiguet Sookkarn, Tang Wong
Sarid Noomahan, Grean Fictions

Mejor vestuario

Suthee Muanwaja, Pee Mak Phra Khanong
Vorathon Krisanakalin, Koo Kam
Athit Thriakittiwat, Jan Dara: The Finale
Cattleya Paosrijaroen, Tang Wong
Peem Umaree, Mary Is Happy, Mary Is Happy

Mejor maquillaje

Pichet Wongjansom, Pee Mak Phra Khanong
Amarit Chokprecha and Metapan Pitithanyapat, Last Summer
Montri Watlaiad, Jan Dara: The Finale
Montri Watlaiad, Koo Kam
Arporn Meebangyang, Thongsuk 13

Mejores efectos especiales

Oriental Post, Pee Mak Phra Khanong
Sasee Company, Thongsuk 13
Color Boy Film, Post Service, The Common Is, Aiyara Animation and Studio, Weative Studio and Kittipong Umplord, Koo Kam
Surreal and Thossaporn Poonnart, Tom-Yum-Goong 2
Kantana Post Production, Hashima Project

Premio a la carrera

Jaruek Kaljaruek

Premio popular

Al actor Nadech Kugimiya y a la actriz Suthata Udomsilp

Ringo Lam

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Ringo LamUno de los directores más respetados de Hong Kong, Ringo Lam, nació en 1955. Empezó su carrera en 1973 cuando entró en el el Programa de Formación para Actores de la TVB (la división de televisión de la Shaw Brothers). Uno de los compañeros de clase de Lam era un joven actor llamado Chow Yun-Fat. Ambos se harían rápidamente amigos, saliendo de fiesta, bebiendo mucho y a menudo metiéndose en problemas con la policía local. Uno de estos incidentes, donde Chow y Lam fueron casi obligados a beber su propia orina, fue la inspiración para dos películas de John Woo, “A Better Tomorrow” (1987) y más gráficamente en el clásico de 1990 “Bullet In Your Head“. (Para los que no lo saben, John Woo es también un buen amigo de Chow, así que escribió de primera mano la historia de la “orina” y quería utilizarla en “A Better Tomorrow“. “Bullet In Your Head” originalmente se suponía que sería una precuela de “A Better Tomorrow“, así que mostró esta historia con más detalle en esa película).

Lam pronto se dio cuenta que actuar no era su fuerte, y se convirtió en productor asistente de la TVB. La Shaw Brothers (y la TVB) era tremendamente austera y no permitía mucha (por no decir nada) creatividad por parte de sus actores y equipo, así que en 1978 Lam emigró a Canadá, donde asistiría a la York University’s film school. Allí encontró que el programa de filmación era demasiado lento con respecto al movimiento para sus gustos y después de haber aprendido todo lo que podía, volvió a Hong Kong en 1981. Otros directores, como Tsui Hark, que se habían entrenado en escuelas de cine en occidente, estaban trabajando también en la industria del cine de HK en esa época, los cuales se llegaron a conocer como “Nueva Ola de Hong Kong“, componiendo una similitud con directores europeos (como Francois Truffaut) de los 60 que moldearon las técnicas de realización en Europa y América para crear nuevas formas de hacer cine. Los directores de esta Nueva Ola de HK estaban menos preocupados en representar glamurosos héroes de la era manchú como sucedía en las películas de kung-fu y Wuxias de los 70 y más en enseñar de forma valiente la realidad del Hong Kong moderno.

Irónicamente, las primeras películas de Lam eran cualquier cosa menos valientes. “Esprit D’Amour” (1983) (que realmente sólo fue terminada por Lam después de que el director original dejara inacabada la película) era la típica “comedia de fantasmas” tan popular en la época. “Aces Go Places 4” (1986) ofrecía poca capacidad de maniobra a Lam, puesto que tenía que trabajar dentro de los parámetros de la popular serie de acción/comedia. Sin embargo, estas películas tuvieron grandes beneficios en taquilla y así Lam obtuvo “luz verde” para su primera película original, “City On Fire” (1987).

City on Fire” cuenta la historia de un policía encubierto (Chow Yun-Fat) que se infiltra en lo más profundo de una banda de ladrones de joyas, entablando amistad con un veterano gansgter (Danny Lee). Esta película ya mostría la marca propia del estilo Lam — oscura, casi como un documental combinado con repentinas dosis de extrema violencia. Tras los pasos de “A Better Tomorrow” de John Woo (y compartiendo la misma fama), “City on Fire” fue un enorme éxito y Chow se llevó a casa el Hong Kong Film Award por su trabajo. La película también consiguió cierta repercusión internacional; Quentin Tarantino (aunque nunca lo ha reconocido públicamente) básicamente tomó el argumento y algunos de los planos de “City On Fire” para su debut con “Reservoir Dogs” (1991).

El siguiente film de Lam “Prison on Fire” (1987), que otra vez contaba con Chow Yun-Fat, fue un también un éxito. La filmación de “Prison on Fire” casi se convirtió en una prisión para el mismo Lam. Las condiciones eran miserables por decirlo suavemente; la película se rodó en una prisión real completamente operativa durante el rodaje. El apretado horario de Lam (Lam hizo la película — desde el guión hasta la edición final — en casi tres semanas) permitió ver a un Lam teniendo carios exabruptos de mal humor y explosiones de euforia, así como imponiendo duras restricciones al reparto y equipo. En ella se ganó el apodo de “dios oscuro” que aún conserva a día de hoy.

city on fire

A pesar de los problemas a que se enfrentó en “Prison on Fire“, Lam parecía tener una carrera muy exitosa. Sin embargo, con “School on Fire” (1988) las cosas empezaron a venirse abajo. Críticos, políticos y, quizá los más importante, productores cinematográficos, todos ellos pensaron que esta película era demasiado violenta y hacía apología de la cultura de las Triadas. El público, por otra parte, pensó que el film era poco ‘glamuroso” y no tenia mucha acción, y se mantuvieron alejados de la película.

El primer intento de Lam en una producción internacional, “Undeclared War” (1990), fue un fracaso que prácticamente arruinó a los Cinema City studios, y en 1991, “Touch and Go” fue también un decepción para la industria a pesar de tener al popular Sammo Hung como estrella. Lam se redimió a si mismo en la industria cinematográfica con dos películas en las que aparecía Chow Yun-Fat, “Wild Search” (1990) y “Prison on Fire 2” (1991), pero entonces se metió incluso en más problemas con los estudios de Hong Kong conscientes de la imagen que daba al hablar públicamente de la masacre de la Plaza de Tieannemen.

Lam escribió acerca de esta controversia en un libro sobre “City on Fire”: “Después de la matanza todo el mundo estaba llorando y mostrando mucha emoción en los medios de comunicación. Almenos cada quinze minutos la televisión repetía las mismas noticias. Todo el mundo está tan triste. De acuerdo, yo también estoy triste. Peró la cosa duró demasiado. Después de dos o tres semanas dije ‘¿Podemos hacer una pausa? Tenemos el Dragon Boat Festival [un popular evento anual de Hong Kong].’ De repente, todo el mundo iba detrás mío. Dije ‘Lo siento’ y me largué a Singapur durante un mes. Hubo incluso amenazas enviadas a mi compañía. Después de eso, mis películas no consiguieron una buena respuesta [local].

Fue el buen amigo de Lam, Chow Yun-Fat, (qué se había convertido en una de las grandes estrellas de Hong Kong y asumía una pequeña parcela de poder con los estudios) el que vino a su rescate con la exigencia de que Lam dirigiese “Full Contact” (1992). El film difería un poco del estilo tradicional de Lam, concentrándose más en la pirotecnia y estilizadas escenas de acción que en las relaciones humanas (una secuencia memorable es la de los disparos filmados desde el punto de vista de la bala) y pareció darle a Lam un “borrón y cuenta nueva” con las audiencias de Hong Kong, ganando también una enorme, e internacional, base de fans de culto. “Full Contact” fue un completo éxito en Asia, y permitió a Lam conseguir un gran (para lo que eran los estándares de Hong Kong) presupuesto para “Burning Paradise” (1994). La película fué un éxito para la crítica, pero no consiguió recuperar los 4 millones de dólares de presupuesto y una vez más Lam estaba con el agua al cuello con los estudios. Sus acciones durante la filmación de “The Adventurers” (1995) (que incluyeron críticas públicas a la estrella Andy Lau, quién, por algunas cuentas pendientes, se negaba a seguir la dirección de Lam) no ayudaron en absoluto.

Así cuando Lam recibió la oferta en 1996 de los estudios americanos Columbia Pictures para dirigir “Maximum Risk“, aceptó. Sin embargo las cosas no iban mejor para Lam en América. Al principio, no congenió con la estrella Jean-Claude Van Damme, llegando a decir que “no podría actuar para una mierda“. Por si esto fuera poco la película fue recibida pobremente por las audiencias de testeo y se la quitaron de las manos a Lam, siendo reeditada por el estudio. Lam volvió disgustado a Hong Kong. Fue entonces — en uno de los momentos más oscuros de su carrera — cuando Lam produjo una de sus mejores películas, “Full Alert” (1997), que astutamente mezclaba su estilo más veterano, más valiente, con algunos toques de “Hollywood”, como una edición rápido y llamativa. La película fué un enorme éxito en Hong Kong y otra vez más Lam se había redimido a si mismo delante de su audiencia.

full contact

Aunque una de sus últimas películas, “The Suspect” (1998), no tuvo mucho éxito, Lam parece determinado a seguir en el candelero en Hong Kong (así como en Hollywood, como evidencian sus esfuerzos continuados con Jean-Claude Van Damme en las películas “Replicant” y “Savage“) y continuar produciendo películas desafiantes, estilísticas y entretenidas. Su última película hasta la fecha, “Triangle” (2007) lo unió en la dirección a Johnnie To y Tsui Hark en un interesante omnibus que conforma una película única pero donde diferentes secciones de la misma fueron dirigidos por los 3 directores. Desde entonces Lam lleva algunos años fuera de la escena cinematográfica, aunque en 2014 se rumorea su vuelta a la dirección, esperemos que no se quede en eso, un rumor.

NOTA: Esta es una adaptación y corrección de un artículo traducido por Josep311 para Allzine.

Bangkok Critics Assembly Awards (2014) – Nominados

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Pee Mak tang wong

La juventud ha marcado muy estrechamente a las películas más destacadas de pasado año en Tailandia, y eso se refleja en sus premios, películas marcadamente juveniles como Pee Mak Phra Khanong, Tang Wong y Mary Is Happy, Mary Is Happy coparon los pasados Subhanahongsa Awards y ahora están muy presentes en los nominados a los premios de la crítica tailandesa. A eso hay que añadir que se ha creado una nueva categoría ne estos premios dedicada precisamente a los jóvenes cineastas, dado el nuevo talento que se esta removiendo por aquel país. A continuación tenéis la lista completa de nominados a estos premios, que se fallarán el 26 de Marzo.

Mejor Película

Pee Mak Phra Khanong
Mary Is Happy, Mary Is Happy
Grean Fictions
Tang Wong
Love Syndrome Rak Ngo Ngo

Mejor Director

Banjong Pisunthanakun, Pee Mak Phra Khanong
Nawapol Thamrongrattanarit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Chookiat Sakveerakul, Grean Fictions
Kongdej Jaturanrasmee, Tang Wong
Nontawat Numbenchapol, Boundary

Mejor Actor

Nadech Kugimiya, Khoo Kam
Pattadon Janngern, Grean Fictions
Krissada Sukosol Clapp, Pawnshop
Mario Maurer, Pee Mak Phra Khanong
Setthapong Phiangpor, Prayoke Sanya Rak

Mejor Actriz

Keerati Mahaphrukpong, Love Syndrome
Lalita Panyopas, Prayoke Sanya Rak
Patcha Poonpiriya, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Sa Sitthijan, Karaoke Girl
Suthata Udomsilp, Last Summer

Mejor Actor Secundario

Auttarut Kongrasri, Pee Mak Phra Khanong
Nutthasit Kotimanuswanich, Tang Wong
Kittisak Pathomburana, Grean Fictions
Jirayu La-ongmanee, Last Summer
Arak Amornsupasiri, Young Bao

Mejor Actriz Secundaria

Chonnikan Netjui, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Natharat Lekha, Tang Wong
Titirat Rojsangrat, Love Syndrome
Wanida Termthanaporn, Grean Fictions
Sucha Manaying, Hashima Project

Mejor Guión

Nontra Kumwong, Chantawit Thanasewee and Banjong Pisunthanakun, Pee Mak Phra Khanong
Chookiat Sakveerakul and Niwaruj Teekaphowan, Grean Fictions
Nawapol Thamrongrattanarit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Kongdej Jaturanrasmee, Tang Wong
Manachaya Panitsarn, Worakorn Virakun, Virasinee Raungprchaubkun, Kimhan Kanchanasomjai and Ratchapoom Boonbunchachoke, Love Syndrome

Mejor Edición

Thammarat Sumethsupachok, Pee Mak Phra Khanong
Chonlasit Upanigkit, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Manussa Warasingha and Kamonthorn Ekwattanakit, Tang Wong
Chookiat Sakveerakul and Jirasak Jakrawan, Grean Fictions
Chalermsak Klangjaroen, Adirek Watleela and Taweewat Wantha, Thongsuk 13

Mejor Fotografía

Narupon Chokkanapitak, Pee Mak Phra Khanong
Sayompoo Mukdeeprom, Last Summer
Pairach Khumwan, Mary is Happy, Mary is Happy
Sandi Sissel and Chananan Choterungroj, Karaoke Girl
MR Umpornpol Yugala, Saran Srisingchai, Tang Wong

Mejor Dirección Artística

Akradej Kaewkote, Pee Mak Phra Khanong
Rasiguet Sookkarn, Mary is Happy, Mary is Happy
Rasiguet Sookkarn, Tang Wong
Warakorn Poonsawas, Thongsuk 13

Mejor Banda Sonoral

Chatchai Pongprapapan and Hualampong Riddim, Pee Mak Phra Khanong
Chatchai Pongprapapan, Jan Dara: The Finale
Somsiri Sangkaew, Mary Is Happy, Mary Is Happy
Chaibandit Peuchponsub, Apichai Tragoolpadetgrai and Yellow Fang, Tang Wong
Giant Wave, Thongsuk 13

Mejor Canción Original

“Sao Karaoke”, Kampee Sangthong, Karaoke Girl
“Hideko”, Yusuke Namikawa and Wichaya Wattanasap, Khoo Kam
“Yuewya”, Cin Thosaporn Achawanantakul, Last Summer
“Chan Rak Ther”, Rerkchai Paungpetch and Chansa Mettapan, Fud Jung To
“Khem Nalika”, Kunlapon Samsen and Warat Prasertlab, Prayoke Sanya Rak

Director Joven del año

Wanwaew and Waewwan Hongwiwat, Wish Us Luck (Khor Hai Rao Chokdee)
Bongkoj Khongmalai and Wiroj Srisithsereeamorn, Nang Fah
Palatpon Mingpornpichit, Prayoke Sanya Rak
Nontawat Numbenchapol, Boundary
MR Chalermchatri Yukol, Sarawat Mah Baa
Visra Vichit-Vadakan. Karaoke Girl

Box Office Award – Pee Mak Phra Khanong
Premio a la Carrera – Pitsamai Wilaisak


37th Japan Academy Prize – Premiados

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japan prize

El pasado viernes se dieron a conocer los ganadores a la 37 edición de los Japanese Academy Awards que concede la academia de cine de Japón. Finalmente The Great Passage, fue la gran ganadora de la noche, llevandose el premio a mejor película y a mejor director entre otros. A continuación os dejo la lista completa de nominados y premiados.

Mejor Película

-The Devil’s Path
-A Boy Called H
-Like Father, Like Son
-Tokyo Family
-The Great Passage
-Ask This of Riyuku

Mejor Película de Animación

-The Tale of Princess Kaguya
-The Wind Rises
-Space Captain Harlock
-Magi Madoka Magica: The Rebellion Story
-Lupin III Vs. Detective Conan

Mejor Película Extranjera

-Les Miserables
-Captain Phillips
-Django Unchained
-Gravity
-3 Idiots

Mejor Director

-Ishii Yuya (The Great Passage)
-Hirokazu Kore-eda (Like Father, Like Son)
-Kazuya Shiraishi (The Devil’s Path)
-Koki Mitani (The Kiyosu Conference)
-Yoji Yamada (Tokyo Family)

Mejor Guión

-Hirokazu Kore-eda (Like Father, Like Son)
-Takahashi Izumi / Kazuya Shiraishi (The Devil’s Path)
-Koki Mitani (The Kiyosu Conference)
-Yoji Yamada / Emiko Hiramatsu (Tokyo Family)
-Watanabe Kensaku (The Great Passage)

Mejor Actor

-Ichikawa Ebizo (Ask This of Riyuku)
-Hashizume Isao (Tokyo Family)
-Fukuyama Masaharu (Like Father, Like Son)
-Matsuda Ryuhei (The Great Passage)
-Ken Watanabe (Unforgiven)

Mejor Actriz

-Aya Ueto (A Tale of Samurai Cooking)
-Ono Machiko (Like Father, Like Son)
-Maki Yoko (The Ravine of Goodbye)
-Miyazaki Aoi (The Great Passage)
-Yoshiyuki Kazuko (Tokyo Family)

Mejor Actor Secundario

-Joe Odagiri (The Great Passage)
-Tsumabuki Satoshi (Tokyo Family)
-Pierre Taki (The Devil’s Path)
-Matsuda Ryuhei (Bar Detectives 2)
-Lily Franky (The Devil’s Path y Like Father, Like Son)

Mejor Actriz Secundaria

-Aoi Yu (Tokyo Family)
-Ono Machiko (Bar Detectives 2)
-Nakatani Miki (Ask This of Riyuku)
-Maki Yoko (Like Father, Like Son)
-Yo Kimiko (A Tale of Samurai Cooking)

Mejor Banda Sonora

-Iwashiro Taro (Ask This of Riyuku)
-Kiyoko Ogino (The Kiyosu Conference)
-Joe Hisaishi (The Wind Rises)
-Joe Hisaishi (The Tale of Princess Kaguya)
-Joe Hisaishi (Tokyo Family)
-Junichi Matsumoto / MoriTakashi / Takeshi Matsubara (Like Father, Like Son)
-Takashi Watanabe (The Great Passage)

Mejor Fotografía

-Takashi Watanabe (Like Father, Like Son)
-Kasamatsu Soku-dori (Unforgiven)
-Chikamori Makoto-shi (Tokyo Family)
-Takeshi Hamada (Ask This of Riyuku)
-Junichi Fujisawa (The Great Passage)

Mejor Iluminación

-Koichi Watanabe (Unforgiven)
-Fujii MinoruKyo (Like Father, Like Son)
-Koichi Watanabe (Tokyo Family)
-Ando Kiyoto (Ask This of Riyuku)
-Nagata Tatsuya (The Great Passage)

Mejor Dirección Artística

-Yohei Taneda / Kurotaki Kimie (The Kiyosu Conference)
-Katsumi Nakazawa (A Boy Called H)
-Harada Mansho (The Great Passage)
-Harada Mansho / Ryo Sugimoto (Unforgiven)
-Takashi Yoshida (Ask This of Riyuku)

Mejor Sonido

-Kato Yamato (The Great Passage)
-Kazumi Kishida (Tokyo Family)
-Tetsuo Segawa (The Kiyosu Conference)
-Hiroshi Helishi (Like Father, Like Son)
-Shoin Nobuhiko (Ask This of Riyuku)

Mejor Edición

-Iwao Ishii (Tokyo Family)
-Soichi Ueno (The Kiyosu Conference)
-Hirokazu Kore-eda (Like Father, Like Son)
-Fujita Kazunobe (Ask This of Riyuku)
-Shinichi Hiroshi (The Great Passage)

Premio póstumo a la carrera

Nagisa Oshima
Isao Natsuyagi

Programación Casa Asia – El Nuevo Cine Coreano (Marzo-Mayo)

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cinecoreano700

Casa Asia y Cinemes Girona presentan, con la colaboración del Centro Cultural Coreano de Madrid, el nuevo ciclo de cine coreano, que se celebrará del 22 de marzo al 10 de mayo en los Cines Girona. Esta muestra rescata ocho películas producidas entre los años 2002 y 2013, que destacan por su valor antropológico en la medida en que son símbolos de su identidad cultural.

El cine coreano ha alcanzado un desarrollo imprevisible en el transcurso de los últimos veinte años, como se deduce del éxito obtenido en diferentes festivales y de la recepción por parte de públicos locales e internacionales. Los ocho títulos que se presentan ponen en evidencia la existencia de una industria cinematográfica potente que el país ha sabido crear mediante diversos estímulos a la producción. Directores como Lee Jeong Hyang, Park Heung Shik, Kim Ki Duk, Lee Chung Ryul, Kim Tae Gyun, Lee Chang Dong, Ryu Seung Wan o Choi Dong-Hoon son ya nombres consolidados del cine coreano, que han contribuido a crear una “marca” cuya validez lo hace imprescindible.

Casa Asia reanuda su programación de cine asiático, que ha venido haciendo hasta ahora en su sede, en los Cinemes Girona, con el objetivo de darle una mayor proyección. Con esta iniciativa y con el apoyo de Cinemes Girona, Casa Asia reemprende su programación habitual de todos los sábados, así como otros ciclos que proyecta anualmente como la Semana de cine de Hong Kong o las “Nits de Cinema Oriental de Vic”. El objetivo de esta colaboración es proyectar el cine en el cine, reivindicar su exhibición en las salas que corresponde.

Programación:

Sábado, 22 de marzo de 2014 a las 20.00 h

The Way Home. Dir. Lee Jeong Hyang. 2002. 85’. VOSE
Narra la historia de un niño a quien la familia deja junto a su abuela, muda y aislada en el campo, durante una temporada al no poder hacerse cargo de él. Esta original propuesta destaca por su sorprendente actriz Kim Eul-boon, quien a los 78 años, además de nunca haber actuado anteriormente, no había visto una película en su vida. La película ganó los premios para Mejor Película y Mejor Guión en los Grand Bell Awards y también fue nominada para Mejor Película Asiática en los XXII Hong Kong Film Awards.

Sábado, 29 de marzo de 2014 a las 20.00 h

My Mother, The Mermaid. Dir.Park Heung Shik. 2004.110’. VOSE
Jin-Guk es un cartero rural. Pronto conocerá a Yon-Sun una mujer que vive sola en una casita al lado de un acantilado. Ésta parece sufrir unos ataques que le hacen delirar. Mientras que toda la población la tiene como un “bicho raro”, al protagonista le parecerá encantadora, una mujer que vive en su propio mundo de fantasía.

Sábado, 5 de abril de 2014 a las 20.00 h

Breath/Aliento. Dir. Kim Ki Duk. 2007. 84’. VOSE
Al descubrir que su marido tiene una amante, Yeon decide visitar a un preso desconocido cuyos continuos intentos de suicidio han sido noticia en la televisión. Chen se queda sorprendido cuando Yeon vuelve a visitarle pero, poco a poco, el preso se abre a la mujer. Yeon le dice a su marido que tiene a otro y éste, celoso, le sigue a la cárcel prohibiéndole que vuelva a ver a Chen. Pero Yeon y Chen están mucho más unidos de lo que cree su marido.

Sábado, 12 de abril de 2014 a las 20.00 h

Old Partner. Dir. Lee Chung Ryul. 2008. 78’. VOSE
Documental sobre los 30 años de amistad entre una pareja de granjeros de 80 años y una vaca. Obra independiente que cosechó un gran éxito en Corea del Sur, aumentando su público desde su estreno en enero de 2009 hasta febrero del mismo año; asimismo, fue presentada en Sundance 2009, donde obtuvo el favor de la crítica.

Sábado, 19 de abril de 2014 a las 20.00 h

A Barefoot Dream. Dir. Kim Tae Gyun. 2010. 121’. VOSE
Kim Won-kwang era un futbolista prometedor, pero ahora es un hombre de negocios que, con todo o nada que perder, hace su incursión en Timor Oriental, un país que todavía se está recuperando de la guerra civil. Allí abre una tienda de deportes y, como nadie puede pagarlos, decide dejar que los niños lleven zapatillas y le paguen un dólar por día durante dos meses. Kim termina entrenando a los niños pero no es un camino fácil, ya que algunos de los niños están en conflicto entre sí porque sus familias están marcadas por la guerra civil.

Sábado, 26 de abril de 2014 a las 20.00 h

Poetry. Dir. Lee Chang Dong. 2010. 139’. VOSE
Mija es una anciana que vive con su nieto en una pequeña ciudad coreana. Es una mujer excéntrica y llena de curiosidad, a la que el azar la lleva a asistir a cursos de poesía en la casa de la cultura de su barrio y a escribir su primer poema. Busca la belleza dentro de su ambiente habitual, al que no había prestado ninguna atención hasta ese momento. Sin embargo, un suceso inesperado hace que descubra que la vida no es tan hermosa como creía.

Sábado, 3 de mayo de 2014 a las 20.00 h

El Gran Golpe. Dir. Choi Dong-Hoon. 2012. 135´. VOSE
Un grupo de ladrones internacionales liderado por Macao-Park (Kim Yun-seok) se dispone a poner en marcha un plan maestro para dar el golpe del siglo en un casino. Pero como el honor no existe entre ladrones, cada uno de ellos organiza por separado su propio y personal plan para ser el único que se quede con el botín.

Sábado, 10 de mayo de 2014 a las 20.00 h

The Berlin File. Dir. Ryu Seung Wan. 2013. 120´. VOS
En un hotel de Berlín se lleva a cabo una venta de armas ilegales que termina en caos con la aparición de un agente fantasma norcoreano, Jong-Seong. Vigilando la operación está el jefe de inteligencia surcoreano Jin-Soo, junto con la CIA. Mientras, Myung –Soo, un joven e implacable agente, es enviado desde Pyongyang para investigar a Jung-hee, la mujer de Jong seong quien trabaja en la Embajada de Corea del Norte y esconde un terrible secreto.

Cinemes Girona
c/ Girona, 175 Barcelona
Precio de la entrada: 2,50 euros.
Socios del cine: 1 euro.

Chicas de Acción de Hong Kong: Introducción al “Girls With Guns”

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the avenging quartet

Todo aquel que comienza a interesarse por el fascinante mundillo del cine de acción de Hong Kong se suele llevar una grata sorpresa al constatar la importancia que tienen dentro del género las artistas marciales femeninas. Al contrario que en occidente, donde las mujeres son relegadas a un segundo plano en las películas de acción; en la ex-colonia dichas mujeres llevan años demostrando ante las cámaras que su igualdad también se verifica puño por puño, y lo hacen combinando a la perfección agresividad y sensualidad, todo ello sin perder un ápice de feminidad.

UN POCO DE HISTORIA

Si en alguna tradición las mujeres han tenido un peso importante en lo referente a la mitología de capa y espada esa ha sido la China. El profano en la materia puede sorprenderse pero la era iniciática del Wuxia cinematográfico Chino era inherentemente femenina, llena de heroínas con múltiples dramas y habilidades, heredando la tradición de los cuentos clásicos, donde las mujeres también tenían un papel muy destacable. En el mundo del Wuxia clásico, al contrario que el Japón feudal o la época de caballería occidental, cualquiera podía ser un héroe especialista en esgrima, y las mujeres lo eran y con gran éxito.

Las primeras guerreras del séptimo arte surgieron en Asia, tanto en Hong Kong y China como en Japón junto con las películas de artes marciales y Wuxias hasta mediados de los 70 y el cine de acción balística y explotación japonés de los primeros 60 en adelante. Uno de los ejemplos iniciáticos de este movimiento lo podemos ver en la película “Underworld Beauty” (1958) de Seijun Suzuki, a la que seguirían movimientos similares de chicas guerreras, muy a menudo dentro del mundo de la exploitation, durante los 60 y 70 en el país del sol naciente, encumbrando a actrices como Meiko Kaji, por poner un ejemplo.

Come Drink With ME

En el cine de Hong Kong la pionera y reina de estos primeros movimientos fue sin lugar a dudas Cheng Pei Pei, que rodó en 1966 la película “Come drink with me“, dirigida por King Hu. A ella la siguieron otras actrices que participaron en películas que han llegado a convertirse en auténticos clásicos en Asia. En este punto hay que nombrar a Polly Shang Kwan, Maria Yi, Judy Lee, y a una por encima de todas ellas: Angela Mao Ying, convertida en estrella del cine de Hong Kong gracias a películas como “Stoner“, “Lady Whirlwind” o “When Taekwondo Strikes

UN GÉNERO GENUINO: GIRLS WITH GUNS

Cuando la fiebre por las primeras actrices de acción de Hong Kong comenzó a decaer, junto con el género Wuxia y gran parte de la industria de las mayors de ex-colonia británica, Sammo Hung se asoció al director Corey Yuen para realizar una película de acción protagonizada por dos mujeres; la película se conoció con el nombre de “Yes Madam“, y fue interpretada por Michelle Yeoh y Cynthia Rothrock. Esta cinta es hoy muy recordada y comenzó a definir lo que se entendería por los aficionados al cine de acción como un género en si mismo, las “Girls with Guns” del cine de Hong Kong. Sin embargo, la película considerada como el pistoletazo de salida del género no es otra que “Iron Angels” (1986), que lanzó al estrellato a sus protagonistas: Moon Lee y Yukari Oshima.

A pesar de que la presencia femenina en películas de acción no es un hecho aislado ni siquiera en nuestros días, la época dorada del género duró aproximadamente 6 años, con las mejores de estas producciones realizadas entre 1987 y 1993. La demanda de chicas de acción atrajo a luchadoras y actrices del resto del mundo, desde Japón (Yukari Oshima, Nadeki Fujimi, Michiko Nishiwaki) hasta Estados Unidos (Cynthia Rothrock, Karen Shephard), pasando por Europa, Australia o Filipinas (Agnes Aurelio), en su mayor parte iniciándose en papeles negativos y pasando a su rol de heroínas solo si adquirían la suficiente popularidad local.

yes madam

Aunque Agnes Aurelio solo aparecería en 3 películas y Nadeki Fujimi en aproximadamente diez, sus capacidades atléticas y presencia en pantalla contribuyeron al éxito de un buen número de producciones como “She Shoots Straight” (1990), “License to Steal” (1990) y “The Big Score” (1990) (Aurelio), y “Killer Angels” (1989), “Mission of Condor” (1991), “Crystal Hunt” (1991) y “Cheetah on Fire” (1992) (Fujimi). Además Fujimi llegó a protagonizar las películas “Pink Panther” (1993), “Wonderful Killer” (1993) y “Rock on Fire” (1994). Michiko Nishiwaki llegaría a las 20 películas, y tomaría el papel protagonista en las producciones “The Real Me” (1991), “Raiders of Loesing Treasure” (1992), “Passionate Killing in the Dream” (1992) y “Whore and Policewoman” (1993). La debutante británica Sophia Crawford aparecería en numerosas películas, casi siempre en el papel de villana o en pequeños papeles secundarios.

Las películas de acción también acogieron prominentes carreras de bailarinas malasias, hongkonesas y taiwanesas (Michelle Yeoh, Moon Lee, Cynthia Khan) y modelos (Jade Leung, Joyce Mina Godenzi, Chingmy Yau). Las carreras cinematográficas de algunas de ellas continuarían durante los 90, convirtiéndose en activos para la industria. Yau (“Naked Killer,” 1992; “Deadly Dream Woman,” 1992; “Raped by an Angel,” 1993; “High Risk,” 1995) en particular apareció en 40 películas durante los 90, casi todas ellas producidas por Wong Yin. Pero el cine de acción también fue una oportunidad para estrellas consagradas. La veterana estrella de la Shaw Brothers Kara Hui (“The Inspector Wears Skirts I – IV,” 1988 – 1992) continuó apareciendo en numerosos papeles secundarios durante todo este periodo (por ejemplo en “Pretty Woman at War,” 1988; “Burning Ambition,” 1989; “The Vengeance,” 1991; “Bloody Revenge,” 1992; “The Vengeance of Six Dragon,” 1992; “On Parole,” 1993; “A Story in Beijing City,” 1993; “Crazy Mission,” 1999), mientras que la artista marcial Sharon Yeung cerró su carrera cinematográfica con una serie de películas de acción contemporánea (“Ángel Ejecutors“, 1989 ; “Princess Madam“, 1989 ; “Angel Terminators“, 1990 ; “Way of Lady Boxers“, 1992 ).

En algún momento de su carrera actrices dramáticas también se adentrarían en el mundo de la acción. Algunas, como Sibelle Hu (“The Gambler Mighty“, 1992), cruzarían directamente a este mundillo, aún a riesgo de encasillarse, apareciendo en papeles secundarios de decenas de películas con casi todas las actrices del momento (con Sandra Ng en “Fire Phoenix,” 1990, Carrie Ng en “Crystal Hunt,” 1991, Saskia Van Rijswijk en “Fatal Mission,” 1991, Sharon Yeung en “Way of the Lady Boxers,” 1992, Moon Lee en “Angel’s Project,” 1993, por mencionar algunas). Otras actrices como Brigitte Lin Ching-hsia (“Lady In Black,” 1987), Rosamund Kwan Chi-lam (“Vengeance Is Mine,” 1988), Pauline Wong Siu-fung (“Her Vengeance,” 1988), Pat Ha Man-chik (“On the Run,” 1988), Anita Mui Yim-fong (“A Better Tomorrow III,” 1989), Elizabeth Lee Mei-fung (“Widow Warriors,” 1990), aparecerían en algunos dramas de acción. La mayoría no tenían entrenamiento marcial, utilizando técnicas de montaje para suplir este hecho.

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Ciertas actrices, la más prominente sería Carrie Ng Kar-lai, perfeccionaría sus habilidades en la transición entre chica de acción y Categoría III (“The First Time Is the Last Time,” 1989; “Fire Phoenix,” 1990; “Hard to Die,” 1990; “Sex and Zen,” 1991; “Ladies Killer,” 1991; “Crystal Hunt,” 1991; “Cheetah on Fire,” 1992; “Naked Killer,” 1992; “Remains of a Woman” 1993; “Passion Unbounded,” 1995; “The Armed Policewoman,” 1995; “Evil Instinct,” 1996; “X-Cop Girls,” 2001), apareciendo en más de 40 películas, en su mayoría como secundaría, e incluso ganando en Golden Horse Award a mejor actriz por su papel en “Remains of a Woman”. Otras actrices del género también aparecerían en cintas más dramáticas (Maggie Siu Mei-keiSting of the Scorpion,” 1992; “Murders Made to Order,” 1993; Carol Cheng Yu-ling, “Once a Black Sheep,” 1992; Michelle Lee Kar-yan aka Michelle Reis, “The Other Side of the Sea,” 1994; Valerie Chow Kar-ling, “The Armed Policewoman,” 1995; Jacqueline Wu Chien-lien, “Beyond Hypothermia,” 1996 o Sandra Ng Kwan-yu, “Portland Street Blues,” 1998), un género que estaba reduciendo su producción de forma drástica. Solo un puñado de actrices, Kara Hui, Yukari Oshima y Cynthia Khan, continuaron con la acción casi sin cambios hasta llegar a la década de los 2000, el caso más longevo es el de Kara Hui. Aunque la popularidad del género decayó conforme concluían la década de los 1990, el estudio de Wong Yin y algunos otros continuaron explotando este tipo de producciones.

La llegada de la década del nuevo siglo parece dar un impulso al cine de acción, apareciendo una serie de películas cinematográficamente atractivas, con guiones bien narrados y coreografiados y haciendo hincapié en la intensidad, ambigüedad e ironía en torno a los personajes más convencionales. Películas como “Jiang Hu: The Triad Zone” (2000), “The Killer of the Lonely Heart” (2000), “Skyline Cruisers” (2000) y “Martial Angels” (2001) son buenos ejemplos. Además, en estos primeros compases de la década rostros como Josie Ho (“The Legend of a Professional,” 2000) o Shu Qi y Kelly Lin (e.g., “Martial Angels,” 2001) capturan la esencia de antaño, y vuelven a enganchar a los aficionados al género que buscan sus dosis de Girls With Guns. Aunque ya nada sería igual que antes.

Moon Lee

ALGUNAS CARACTERÍSTICAS BÁSICAS

El cine suele ser el espejo de la sociedad a la que va dirigido, y eso implica que muchas veces, bajo el manto de una historia de ficción se entreven temas comunes, más universales, que suelen ser interesantes e incluso descriptivos.

El primer punto que podría comentarse es el conflicto entre “tracicionalismo” y “no tradicionalismo”, el choque entre las tradiciones y sus valores y la modernidad y las nuevas formas de ver la sociedad. Las chicas de acción son mujeres fuertes, independientes, que viven por ellas mismas, eso choca a veces con el concepto “machista” de la sociedad donde viven. Pero por otro lado es cierto que los valores tradicionales son los que priman en estas películas, valores básicos como el honor, la lealtad o la hermandad, heredados muy directamente del cine marcial más clásico. Una interesante dualidad presente, si uno se fija, en la gran mayoría del cine de acción.

Otra característica importante es la capacidad de ser feroces y hábiles luchadoras, a la vez que frágiles y sensuales chicas. Pero quizás la característica definitoria por excelencia del género y que lo diferencia del otros es la fuerte carga dramática y sentimental de los que se cargan, no es extraño que estás chicas pierdan algún familiar en el transcurso de la película, se vean traicionadas por alguien cercano a ellas o simplemente el azar las conduzca a un callejón sin salida donde deberán enfrentarse a la mafia perdiendo compañeros y amigos por el camino. La desesperación, la venganza y la perdida son algo común que atormenta a nuestras heroínas. En este sentido siempre suele haber un villano principal, líder de una organización criminal, y sus habilidades físicas y marciales suelen ser iguales o superiores a las de las chicas, por lo que están han de sudar sangre para derrotarles. No obstante, el enemigo también puede ser un narcotraficante, jefe de una guerrilla, o un psicópata; incluso a veces el villano puede ser una chica, ofreciéndonos unas escenas finales dignas de recordarse y que han dado grandes momentos a los aficionados.

Por último no podemos dejar de comentar como la presencia de la sensualidad y la explotación marcan gran parte de este género, que muchas veces se cruza con la Categoría III por este motivo. En este ámbito es necesario comentar como la tradición china está muy acostumbrada a los cuentos y tramas violentas, y como la violencia era algo muy visto en el cine de Hong Kong, sobre todo con los excesos que se dieron durante la década de los 90 dentro del conocido movimiento de la Categoría III visto como un género en si mismo. El cine de acción, y el Girls With Guns en particular, ha tenido buenas dosis de violencia y sensualidad en muchas de sus producciones, pero las incluidas en la Categoría III eran por lo general las que abusaban de este segundo punto. Buenos ejemplos de ello podrían ser películas como “Naked Killer” (1992) o “Rock on Fire” (1994).

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Sumado a todo esto podemos hacer referencia a un movimiento dentro de este tipo de films muy trabajado en Hong Kong en el que las chicas juegan un papel importante; se trata de las comedias de acción. En ellas es típico ver como a parte de repartir puñetazos y patadas, nuestras chicas aún tienen tiempo para sus aventuras sentimentales y amorosas, normalmente con un grupo de hombres que por regla general son bastante torpes en las artes de seducción. Una muestra de esto la tenemos en la saga “Inspector wears skirt“, en la que se mezcla en buenas dosis la comedia cantonesa con unas escenas de acción dignas de admiración.

NOTA: He utilizado muchas fuentes de información para confeccionar estos artículos, pero las principales, sobre todo a nivel de biografías, son una retrospectiva realizada por arfonso para Allzine y algunas biografías publicadas por TON en Pasadizo. De ellos es buena parte del mérito.

Chicas de Acción de Hong Kong: Las Reinas del “Girls With Guns”

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moon lee

Moon Lee

Moon Lee Choi-Fung nació en Hong Kong el 2 de Diciembre de 1965. Es probablemente la actriz más bella de toda la cinematografía hongkonesa, su sola aparición en pantalla impresiona, y a la vez una de las más “letales”. Tal vez por ello tenga toda una legión de fans por todo el mundo, sobre todo hombres. Sin embargo, no es su diminuta estatura o su carácter dulce lo que la hacen tan popular, Moon es una gran atleta y tiene una gran elasticidad (debida a sus estudios como bailarina); y además imprime a sus interpretaciones un punto de ferocidad y determinación a veces impropios de su apariencia física.

Después de acabar el colegio, Moon se unió a los estudios de televisión RTV y participó en varias series a lo largo de los 80 como “Affection on Earth“. Su debut cinematográfico fue en 1981 con un papel secundario en la película “To Sir with trouble” y en 1983 participó en “Zu. Warriors from the Magic Mountain“, una de las películas más importantes de la cinematografía hongkonesa de aquellos años.

Después de participar en varias películas junto a Yuen Biao y Sammo Hung como “Winners & Sinners“, “Those merry souls” o “Mr.Vampire“, llegó su lanzamiento definitivo al estrellato de la mano de “Iron Angels“. La película fue un éxito sin precedentes y tanto ella como su compañera de reparto Yukari Oshima se convirtieron en las chicas de moda. Durante los siguientes seis años realizo unas veinticinco películas de acción, algunas verdaderos clásicos, otras no tanto; y cuando el género comenzó a decaer rodó algunas películas de acción en Filipinas. Su última aparición fue en una serie dirigida por su antiguo maestro de Kung Fu, Tsui Siu Ming, titulada “Fist of Hero“, también protagonizada por Gordon Liu y Yasuaki Kurata. (arfonso)

sibelle hu

Sibelle Hu

Nació en Taiwan, el 5 de Abril de 1958, y allí fue donde comenzó su carrera con películas como “A special smile” (1979), las cuales le valieron para ser considerada la sucesora de Brigitte Lin en el mercado taiwanés del melodrama. Otras películas de esta época fueron “The coldest winter in Peking” y “A Flower in a Storm“, con las que Sibelle alcanzó una enorme popularidad.

Sus éxitos en Taiwan no pasaron desapercibidos para los productores de Hong Kong, y al igual que anteriormente hiciera Brigitte Lin, Sibelle se fue a la colonia británica a continuar con su carrera. En 1985 fue invitada a participar en “My Lucky stars“; En esta serie de películas, producidas por Sammo Hung, siempre había una bella mujer que era el objeto del deseo del grupo de amigos. La película fue un éxito de taquilla y Sibelle se convirtió en una estrella del cine de Hong Kong. En esta misma película realizó una escena, ya convertida en clásico, la cual inclinaría su carrera hacia el cine de acción: la pelea contra Michiko Nishiwaki. Para bien o para mal, esto llevó a Sibelle Hu a convertirse en una estrella del género “Girl with guns“. El problema era que a diferencia de sus compañeras, ella no tenía formación marcial, lo que le hacía perder credibilidad en sus escenas de acción, en las que normalmente era doblada; no obstante, lo suplía con sus buenas dotes interpretativas, también necesarias para este tipo de películas.

Sus principales películas de dicha época fueron: “Inspector Wears Skirts” (1988), “Devil Hunters“, “The Dragon Fighters“, “Inspector Wears Skirts II“, “Raid on the Royal Casino“, “The Queen of Gamble“,”Bury Me High“, “Lethal Panther” y “The Big Deal” entre otras. (arfonso)

Yukari Oshima

Yukari Oshima

Nació en Fukuoka, Japón, el 31 de Diciembre de 1963. Al contrario que sus compañeras, las cuales fueron bailarinas o actrices antes de aprender a pelear, Yukari llegó a ser una auténtica artista marcial mucho antes de comenzar a actuar. Gran culpa de esto la tuvo su enorme afición a las películas de artes marciales, que las llevaron a aprender Karate Goju Ryu y también a estudiar un año en la escuela de extras de Sonny Chiba. El resultado, una mujer cuyas habilidades físicas y marciales la convierten en una de las actrices más impresionantes de la pantalla.

Su primera aparición seria fue en la película de Sammo HungMillionaire´s Express“, en la que tenía un pequeño papel como guerrero samurai. Entonces fue seleccionada para “Iron Angels” (AKA “Angel”) interpretando a la malvada Madam Yueng. La película fue un éxito tal que inició todo un sub-género dentro del cine de Hong Kong, y para Yukari supuso un verdadero trampolín, asegurándole nuevas apariciones en películas como “Dreaming the reality“, “Beauty investigators“, “Avenging Quartet” o “Angels Terminators 2“. Para muchos su mejor película es “Outlaw brothers“, en la que está excelente en todas sus escenas de lucha, demostrando una habilidad impresionante.

Desafortunadamente, y a pesar de sus extraordinarias condiciones como actriz y artista marcial, su popularidad nunca llegó al nivel de otras compañeras como Moon Lee, y fue relegada a papeles secundarios así como a pequeñas producciones.

Cuando el furor por la películas del género “Girl with guns” comenzó a decaer, Yukari se marchó a Filipinas donde participó en varias películas de escaso presupuesto y dudosa calidad con el nombre de Cynthia Luster. Actualmente, reside en Japón e interpreta pequeños papeles de acción para la televisión. (arfonso)

michiko nishiwaki

Michiko Nishiwaki

Michiko Nishiwaki nació en Funabashi, Chiba, Japón, el 21 de Noviembre de 1957. Además de actriz, es cinturón negro en Karate Goju Ryu y experta en Wu Shu, gimnasta, bailarina, stuntwoman, coreógrafa de acción, y campeona de culturismo y powerlifting durante tres años consecutivos.

Aunque esta belleza japonesa sólo ha aparecido en unas pocas películas de calidad, su imagen en dos papeles -la yakuza tatuada de “God of Gamblers” y la musculosa chica bajo el kimono de “My lucky stars“- hacen de ella una actriz difícil de olvidar y que no pasa desapercibida. Raramente una mujer ha sabido combinar belleza y sensualidad en la forma en que lo hace Michiko. Su impresionante físico y su innegable atractivo la convierten en una de las actrices favoritas para los fans dentro del género “Girl with Guns” de los ochenta y principios de los noventa.

En la mayoría de sus mejores películas: “In the line of duty 3“, “Magig Cop“, “Hero Dream“, “Angel terminators“, “Princess Madam“, “Avenging Quartet“; Michiko interpreta a la villana, algo que hace con una asombrosa sangre fría. A veces también a interpretado a la heroína de la película, como en “Passionate killing in the dream“, pero en estas ocasiones no ha llegado a la altura de sus interpretaciones como malvada.

Actualmente es una de las stuntwomen más respetadas del mundo, doblando a las actrices principales en películas como “Arma Letal 4“, “The scorpion King“, “Los ángeles de Charlie“, “Kill Bill“, “Hora Punta 2” o la serie de Tv “Martial Law” de Sammo Hung. (arfonso)

Michelle yeoh

Michelle Yeoh

Nacida en Malasia de padres chinos, estudió arte dramático en Inglaterra, donde también continuó sus estudios de baile, que había comenzado desde su más tierna infancia. Fan de Bruce Lee hasta la médula, comenzó a estudiar Wing Chung (estilo en el que se había iniciado Lee), pero Michelle era demasiado enérgica y elástica para un estilo tan directo y sobrio como este, así que comienza a practicar Wushu (un estilo mucho más acrobático). De vuelta a su tierra natal se inició como bailarina, pero una lesión de espalda le impidió continuar la carrera.

Continuó en el mundillo y ganó el concurso de Miss Malasia en 1984, e hizo un anuncio para la televisión junto a Jackie Chan, y de ahí al estrellato sólo fue cosa de que Samo Hung la contratara cuando buscaba una actriz para reinventar el género de las femmes fatales; el resultado fue “Yes, Madam” (que llegaría a España como Ultraforce 2), éxito donde compartía reparto con Cynthia Rothrock, quien también se daría a conocer con este título y que de igual modo seguiría una carrera triunfal. Siguieron “Royal Warriors“, “Magnificent Warriors” (1987), “Easy Money” (1987) o la secuela de su gran éxito, que nos llegaba con el título de Ultraforce (curiosamente, la secuela se presentaba como primera parte y la verdadera primera parte como la dos: líos del mercado videográfico español).

La lesión de espalda se agudizaba así que se retiró del cine de acción, pero este lapso no duró mucho: sólo bastó que Jackie la llamará para “Supercop” en 1992 (curiosamente se estrenó en el 98 en USA, tras el éxito de las pelis de Jackie Chan, tras lo cual la llamarían como pareja de baile de Pierce Brosnan como el agente 007) y, cual ave fénix, la estrella resurgió. “Wing Chung“, “The Heroic Trio” y su secuela o “The Soong Sisters” son algunos de los títulos de su renovada carrera. (TON)

Chicas de Acción de Hong Kong: Una legión de chicas guerreras

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Chingmy Yau

Yau Chingmy

Su sensualidad la ha convertido en el mito erótico de los chinos (y no chinos), sólo comparable a Sharon Stone en occidente. Comenzó su carrera como chica guapa en comedias (como “Triky Brains“, con Chow Sing Chi), pero con el éxito de “Naked Killer” , dirigida por Clarence Fok sobre guión de Wong Jing, que él mismo produce en 1992, Chingmy se convirtió en la mujer más deseada de todo Oriente. En la película, Chingmy es una joven que mata al asesino de su padre como venganza, tras lo cual es perseguida por la policía y en especial por Ti Nan (interpretado por Simon Yam), con quien vivía una relación sentimental; Chingmy es ocultada por una asesina profesional que le enseñará a sobrevivir, pero pronto Ti Nan la encontrará e intentará que admita su verdadera identidad.

Tras esto se convirtió en mito de la Categoría III con “Deadly Dream Woman” y “Lover Of The Last Empress” y la falsa secuela de “Naked Killer” llamada “Raped By an Angel“, tras lo cual ya era una estrella reconocida y podía compartir sin vergüenza pantalla con gente como Jackie Chan en el disparatado manga in motion “City Hunter“.

También con Jet Li en “New Legend of Shaolin“, “Kung Fu Cult Hero” o “High Risk“, todas ellas dirigidas por Wong Jing. Y ser la estrella de la pantalla en títulos como “Future Cops“, de Wong Jing, una comedia con los personajes de Street Fighter donde, para deleite de sus fans, se convertía en Chung Li, o la interesante “Devil 666: Satan Returns“, donde compartía cartel con Donnie Yen y demostraría que sabe actuar además de ser un cuerpo y rostro precioso. No es cosa rara que aparezca en todas las producciones de Wong Jing, pues estuvieron unidos sentimentalmente largo tiempo. (TON)

carrie ng

Carrie Ng

Carrie es conocida por dos cosas: es la mala más mala de todas y no necesita ser una chica guapa para ser une estrella. Comenzó haciendo series para la TVB (compañía de televisión de los hermanos Shaw), donde uno de los maquilladores dijo de ella: ¡Ningún maquillaje puede hacerla parecer guapa!, cosa que sus fans (entre los que me incluyo) no estamos muy de acuerdo; el caso es que no ha necesitado ir de chica de portada para hacerse una reputada carrera como actriz. Su salto a la pantalla no pudo ser mejor: en “City On Fire“, de Ringo Lam, era la novia de Chow Yun Fat, y mostraba sus dotes de gran actriz. Siguió con “Gunmen” en 1989, y al año siguiente inició su carrera encasillada como mala con “Dragon from Russia“, una versión muy sui-generis del manga Crying Freeman dirigida por Clarence Fok.

Tras un pequeño papel en la erótica “Sex and Zen” de 1991, a Clarence Fok parece que se le quedó clavada la cara de mala de Carrie y la llamó para la susodicha “Naked Killer“, donde la Ng bordó su papel de hermanastra lesbiana de Yau y todos nos quedamos con su imagen de mala en la cabeza. Sólo le quedaba hacer de psicópata en “Remains of a Woman“, con la cual ganó el premio a la mejor actriz en los Golden Horse Awards. Se le ve en productos de acción como “Black Panther Warriors” (¡haciendo de buena!), con el que fue nominada a los Hong Kong Films Awards o “Gun and Rose” y comedias como “Justice my Foot” con Chow Sing Chi. (TON)

pink force comando

Brigitte Lin

Esta belleza comenzó en 1982 con la celebrada “Zu, warriors from the magic mountain” de Tsui Hark haciendo de bruja (buena, eso sí) con superpoderes y ya se le veía que lo de volar enfundada en un traje de época le iba que ni pintado. Aún así, siguió a Jackie Chan en “Police Story“, donde, aún sin ser un papel femme fatale, tuvo bastantes secuencias en las que tenía que tirarse contra mesas o cristales, sin participación de ninguna doble.

Para Chu Yen Ping fue la femme fatale por excelencia y realizó “Pink Force Comando” y “Golden Queen Comando“, secuela de la anterior donde era una heroína aventurera a lo Clint Eastwood repartiendo balas por medio del revólver.

Pero fue en los noventa, con la fiebre del Kung Fu de la nueva ola , cuando llegó al estrellato; de hecho, no hay filme de esta clase que se precie que no cuente con Lin en sus filas, así, títulos como “Dragon Fire” de Yuen Woo Ping, “Swordman 2“, donde se cambia de sexo, “Dragon Gate Inn“, “Ashes of Time“, “La Novia del Cabello Blanco” y secuela, del genial director Ronny Yu, y muchas más… Tras un breve papel en la internacionalmente celebrada “Chungking Express” se casó y se retiró del cine hasta la fecha. (TON)

cynthia khan

Cynthia Khan

Tras la desaparición de Michelle Yeoh, los productores de la D&B tenían que encontrar alguien que continuara la saga de “Ultraforce” (a.k.a. “In the Line of Duty“), y así encontraron a esta oriunda de Taiwan. Belleza no le faltaba y agilidad tenía, pues, aunque suene a chiste, había sido bailaora de flamenco, pero sus conocimientos marciales eran casi nulos. Pero tras uno de esos entrenamientos de las productoras hongkonesas (de hecho se cuenta que Lian Chia Jen, uno de los actores clásicos del cine de kung fu, no tenía ningún conocimiento de ese arte marcial hasta que lo contrataron para hacer películas y los resultados están a la vista en títulos como “Fearless Dragon” o “La Víctima“), Cynthia tenía todo para convertirse en la nueva reina del cine de acción. “Ultraforce 3“, dirigida por Yuen Woo Ping, sería un éxito total y la serie continuaría hasta la octava parte en 1996.

Así que ya nada le impedía ser una estrella y ponerse junto a Yukari Oshima y Moon Lee en “Avening Quartet“, a la que siguieron “Zen of Sword“, “Blade of Fury” de Samo Hung o “13 Cold Blooded Eagles“.

Incluso apareció en “Los Dioses deben de estar locos 3” y dos películas casi calcadas, las comedias de acción moderna “Lady City Hunter” y “Super Lady Cop“, con Anthony Wong de pareja cómica en la primera y Alex Man en la segunda. Aún sigue dándole caña al asunto con películas como “Catching Murderers Overseas“. (TON)

EN CORTO: OTRAS CHICAS DE ACCIÓN

Kara huiKara Hui

China, 1 de Enero de 1960. Kara Hui es una de esas actrices asiáticas casi desconocidas (en España), pese a que es un rostro popular en decenas de películas de artes marciales. Su hermano Austin Wai, ha intervenido también como actor en una veintena larga de películas de ese género con títulos como “Las 36 Cámaras de Shaolin“, de Liu Chia-Liang, pero esa notable filmografia palidece al lado de la de su hermana, ya que Kara Hui en ocasiones bajo nombres como Wai Ying-Hung, desde los años setenta, a intervenido en mas de sesenta películas en Hong Kong. Aunque a lo largo de su carrera, predominan las películas de artes marciales, también ha realizado incursiones en el “Girl with guns” con películas como “Angel terminators” ó “Widow Warriors“, o en comedias de acción como la saga “Inspector wears skirt” ó “Naughty Boys“. (arfonso)

jade leungJade Leung

Hong Kong, 23 de Noviembre de 1969. Después de estudiar en Suiza durante algunos años, Jade regresó a Hong Kong y empezó a trabajar como modelo y en anuncios para la TV. Así fue como Dickson Poon se fijó en ella como nuevo rostro para el género “Girl with Guns“, debutando para la D&B con la película “Black Cat” (1991). Esta la película la llevó al estrellato de manera inmediata, y sus fans se contaban por miles. Aunque la secuela de “Black Cat” fue un auténtico fracaso, Jade participó en algunas buenas películas como “Fox Hunter“, “Enemy Shadow” y “Satin Steel“. Jade Leung nunca ha seguido ningún tipo de entrenamiento específico en artes marciales, pero es bastante rápida y habilidosa, así como tremendamente sexy con una pistola en la mano. (arfonso)

Joyce GodenzyJoyce Godenzi

Hong Kong, 1965. De padre australiano y madre china, Joyce saltó a la palestra tras ser elegida Miss Hong Kong en 1986. Rápidamente consiguió algunos papeles en películas como “Ghost Snatchers” ó “Born to Gamble“, pero su mayor éxito vino cuando Sammo Hung le ofreció un pequeño papel en “Eastern Condors“. Para muchos su mejor película y una de las mejores del género “Girl with guns” es “She Shoots Straight“, donde Joyce añade a una excelente interpretación unas habilidades marciales excelentes (nadie diría que no sabe artes marciales). A pesar de sus cualidades, sólo participó en unas pocas películas de acción, de las que hay que destacar “License to steal” y “Slickers Vs Killers“. Contrajo matrimonio con Sammo Hung, y actualmente emplea su tiempo en ayudarlo con su carrera. (arfonso)

agnes aurelioAgnes Aurelio

Filipinas / USA. Solamente participó en algunas películas en Hong Kong, pero debido a su enorme potencia física es difícil olvidarse de sus escenas de acción. Sobre todo es recordada por sus escenas de lucha contra Joyce Godenzi en las películas “She Shoots Straight” y “License to steal“. También tuvo una participación destacada en “The big score” (1990). (arfonso)

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