El universo terrorífico de la Shaw Brothers. Un insólito mundo poblado por fantasmas, magia negra, monjes taoístas, duelos imposibles entre hechiceros y, en muchas ocasiones, Tailandia como exótico origen de la maldad. Todo un shock para el que estuviera acostumbrado al tipo de cine con el que más se les asocia en occidente: cuidadas producciones de artes marciales y elegantes wuxias (y todo ello pese a que en realidad el estudio tocó todo tipo de géneros). Sin duda, el mayor exponente de este terror shawiano es Kuei Chih-Hung (Hong Kong, 1937). Aunque tocó también otros géneros (en una vertiginosa carrera de unos 37 títulos en tan solo 15 años) como el relato criminal de ambientación contemporánea (Godfather of Canton, 1982), la comedia o el wuxia (como la espídica y violenta Killer Constable, de 1980), es en el ámbito del terror donde algunos más le recordamos, habiendo realizado una serie de títulos en los que demostró moverse con total soltura e incluso me atrevería a decir con elevado disfrute. Nuestro director sabía cómo manejar una serie de recursos para acrecentar la sensación de incomodidad en el espectador, a lo que se sumaba una selección de argumentos extremadamente escabrosos, incluso más aún de lo que se podía ver en otros filmes terroríficos de la casa. Inusuales enfoques de cámara, experimentos con la fotografía, juegos de colores (como el empleo de verde para identificar la maldad o lo ominoso), efectos ópticos… todo al servicio de perturbar a la audiencia de sus films. Haremos un rápido repaso por la filmografía de este director dentro del horror, dejando de lado películas que combinan terror y comedia y centrándonos tan solo en lo primero.
El primer film suyo que nos consta es Ghost Eyes (Gui yan 1974). El argumento, de entrada, nos hace creer que nos vamos a encontrar un relato ectoplásmico al estilo de la posterior The eye (2002), de los hermanos Pang, cuando un hombre le implanta a una joven unas lentillas que le permiten ver entes fantasmales. Pero la cosa se enturbia cuando se descubre que este hombre es realmente un fantasma que desea abusar de ella sexualmente y, a continuación, utilizarla para obtener más víctimas femeninas. Pese a sus intentos para librarse de él (monjes taoístas incluidos, que estamos en China, no en USA), la situación se va volviendo cada vez más pesadillesca e irrespirable hasta llegar a la resolución final. Su logrado clima asfixiante nos avisaba de que estábamos ante un autor a tener en cuenta.
The killer snakes (She sha shou, 1974), su siguiente entrada en el terror, venía a ser un Willard (o La revolución de las ratas, como se tituló en nuestro país), de 1971, que sustituía a ratas por serpientes. En The killer snakes, el protagonista es un joven tímido, ingenuo, que sufre acoso, le roban y las cosas no funcionan con su novia. Descubre que siente una afinidad especial con las serpientes a las que utilizará para vengarse de todos aquellos que le han ido martirizando a lo largo del film. Entre el sadismo de los asesinatos (atención a la angustiosa escena de la muerte de una mujer, lagarto mediante), la suciedad de los escenarios, la oscura fotografía, cómo la cámara se recrea en las secuencias de los crímenes, la abundancia de desnudos (incluyendo secuencias de bondage) … hacen todo ello del film un título especialmente sórdido.
Su siguiente título, Spirit of the Raped (Suo ming, 1976) se concentra en el, aparentemente, mismo objetivo de tratar de revolver las tripas del espectador. Una mujer decide suicidarse para cometer venganza desde ultratumba, tras una serie incontable de desgracias que le suceden una detrás de otra (que van desde el asesinato de su prometido hasta ser obligada a prostituirse). Y la venganza no tiene desperdicio, con una colección de métodos de matar a cada cual más truculento: extracciones de ojos, líquidos viscosos, repugnancias varias… Un viaje excesivo, delirante y, realmente, muy divertido en el que terminas deseando que cada muerte sea más atroz que la anterior.
Su siguiente incursión en el terror vendría con Hex (Xie, 1980), saltando a un rodaje en decorados cerrados y en la cual Kuei Chih-Hung parece más decidido a cuidar escenografía y fotografía. La historia es una clásica historia de venganza de ultratumba, esta vez desde el punto de vista de los justiciables, con algunos elementos truculentos, aunque sin llegar al nivel de la anterior. Aquí juega más a sorprender al espectador con los giros de guion y cuenta, en el tercio final, con un ritual de exorcismo ciertamente llamativo y difícil de olvidar, a manos de una chica que efectúa un baile totalmente desnuda. Abandonando en parte las truculencias y orientándose más hacia lo atmosférico y sugerente, un nuevo título muy recomendable.
Con Bewitched (Gu, 1981) entramos en ese terreno que tanto nos gusta de magia negra. Y es que aquí no falta de nada: Tailandia como cuna del mal, magia negra, rituales, duelos de magia, desnudos, repugnancias varias (ay, esos pasos que hay que cumplir en los rituales) … ¿La excusa argumental? Un hombre que asesina a su hija poseído por un espíritu maligno y un policía que investiga el caso acaba siendo también poseído; momento en que entrará en juego un monje para combatir contra ello y contra el monje culpable de las posesiones. Pura diversión, aunque la posterior The boxer’s omen la hace perder mucho en comparación.
Ese mismo año, Kuei Chih-Hung nos entregaba Corpse Mania (Si yiu, 1981) que se sumergía en un terreno tan pantanoso como la necrofilia y nos relataba los supuestos crímenes de un necrófilo. Como en Hex, vuelta a los decorados y a una ambientación más trabajada. Aunque aquí juega con el despiste, ya que lo que arranca como una escabrosa historia sobre necrofilia (atención al repugnante momento del cadáver recubierto de gusanos), pasa a convertirse en un relato criminal de misterio, donde el enfoque dado a la plasmación de los crímenes (resaltando siempre la mano y el cuchillo del asesino y la fantasmagórica y atmosférica fotografía) lo ubica más bien en los terrenos del giallo italiano. Todo lo cual convierte a este film en un sugestivo relato de misterio, donde, como en cualquier buen giallo, tan importante son sus crímenes como la sorpresiva revelación del asesino.
Al año siguiente realizó Curse of Evil (Xie zhou, 1982), tal vez una de sus películas más caóticas y desmadradas argumentalmente, acerca de cómo una familia sufre de una maldición y no paran de sucederle eventos extraños, mientras asistimos al comportamiento de los familiares en que cada uno puede competir en mezquindad con el de al lado. Realmente cuesta tomarse en serio esta película, con ranas monstruosas asesinas y monstruos pringosos violadores y con unos plot twists loquísimos. Es por ello que nos cuesta valorar el film como una pieza de calidad, aunque sí es cierto que se trata de una película muy divertida, que no deja instante para el aburrimiento.
La última película de nuestro director dentro del horror es también su más recordada y casi con seguridad la mejor. The Boxer’s Omen (Mo, 1983) viene a ser una especie de continuación de Bewitched (arranca con la escena final de esta) y se mueve en los mismos terrenos de magia negra. Todo arranca con un hombre que viaja a Tailandia para vengar a su hermano que quedó paralítico durante una pelea de muay thai (frente al mismísimo Bolo Yeung). El film acaba convertido en un viaje psicotrópico inundado de escenas con ritos budistas, magia negra, rituales mágicos con detalles repugnantes (esa comida masticada que se pasa de boca en boca…), duelos mágicos, criaturas extrañas, momentos de verlo para creerlo, atmósfera irreal… Todo un tour de force que parece el producto de un consumo exacerbado de drogas, fascinante y que mantiene al espectador con los ojos pegados a la pantalla, incapaz de apartar la vista. Un film único y alucinante.
Por desgracia fue su último film de terror y, según las fuentes consultadas, su penúltimo film, ya que en 1984 abandonaría la dirección. Aparentemente, se fue a vivir a Estados Unidos para disfrutar de su retiro y moriría en 1999 a los 62 años.
Redacción: Felipe Múgica.
La doble sesión asiática de este año comenzaba con uno de los crossover más locos del momento, Bunshinsaba vs Sadako 2: El retorno del mal, del chino River Huang. El mismo director había dirigido el año anterior Bunshinsaba vs Sadako, que usaba en terror mezclándolo con una especie de drama con tintes sociales sobre el acoso escolar, pero esta, cuyo título original no incluye el “2”, no es una secuela sino un reboot del concepto terrorífico, orientándolo hacia la comedia fantástica.
La segunda producción de esta sesión doble cambia de tercio hacia la comedia de acción, más acción que comedia, adaptando uno de esos relatos míticos del la acción china. En la tradición del Wuxia las novelas de Buddha’s Palm de Gu Long son muy conocidas y populares, habiéndose adaptado al cine en numerosas ocasiones. De hecho, la serie de películas de 1964 dirigidas en Hong Kong por Ling Yun están consideradas como los mejores exponentes de cine cantonés de la historia.
En las últimas semanas nos hemos ido haciendo eco de las novedades y confirmaciones en torno a uno de esos festivales que nos encantan y a los que tenemos un especial cariño. Las Nits de Cinema Oriental de Vic han querido sobreponerse al reto que supone la situación sanitaria actual, tomar todas las medidas de seguridad necesarias y componer un evento algo más reducido de lo habitual pero igualmente divertido y lleno de buen cine asiático, del que difícilmente se podrá ver fuera de sus butacas. Si todo va bien, este jueves día 23 se dará el pistoletazo de salida a 4 días con más de 30 películas y diversas actividades paralelas, incluyendo las cenas temáticas al aire libre.
La Fundación BilbaoArte continua su colaboración con el Centro Cultural Coreano en Madrid realizando un nuevo ciclo de cine coreano que estaba originalmente previsto para Abril, pero que finalmente se celebrará entre el 22 y el 30 de julio. En esta ocasión, cuatro películas, “Intimate Strangers” de Lee Jae-gyu; “JUROR 8” de Hong Seung-wan; “The house of us” de Yoon Ga-eun; y “Battle of Jangsari” de Kwak Kyungtaek conforman un ecléctico panorama del cine coreano producido en los últimos meses. Una oportunidad de contemplar cuatro títulos que se suman a la ya larga relación de películas provenientes de la tierra del Han que han pasado por el Art Huse Zinema.
El Kaiju Eiga, el cine de monstruos gigantes japonés, fue una de mis primeras pasiones cinematográficas. Aún recuerdo como de pequeño reponían una y otra vez “El Hijo de Godzilla” en los primeros compases de Canal Sur, la televisión pública andaluza… ¿o quizás era en La 2 de RTVE?, quien sabe después de tanto tiempo. Mi infancia estuvo marcada por Kumonga, la araña gigante, y Kamacuras, esa especie de monstruosa mantis religiosa, acechando al ridículo y a la vez entrañable hijo del saurio gigante en una paradisíaca isla del pacifico.
Hoy afrontamos un punto y seguido en nuestros especiales Hong Kong Noir, la edición Allzine que gira y gira ne torno al cine de acción hongkonés, de aquel que nos sorprendía porque difícilmente lo habíamos visto antes, de aquel que definió una cinematografía. Esta cuarta entrega de nuestro particular catálogo vuelve a temas ya tratados y a otros muy particulares, estructurando una serie de programas dobles, con la esencia de los de antaño, de los del cine a la fresca, de las sesiones de tarde que prometían sorpresas y diversión… prometían y ofrecían, por supuesto.
En otoño de 1930, la familia de clase media Chen residía en Beijing con su hija de 14 años Chen Jianyan (陈 煎 燕), estudiante de la escuela Sacred Heart Girls School, inteligente y con muy buenas notas, pero obsesionada con el cine. Se dijo años después que vio prácticamente todas las películas, chinas o extranjeras, estrenadas en Beijing; si podía llegar físicamente, las veía, a menudo varias veces.
Un día, mientras asistía la grabación, la joven entabló conversación con un hombre que resultó ser el director Cai Chusheng, que no estaba involucrado es esta película pero que pronto dirigía su primera producción para el estudio. Cai Chusheng se había fijado en que la muchacha acudía a diario a observar la filmación y durante un descanso le presentó a Sun Yu y algunos miembros del reparto. Todos estuvieron de acuerdo en que la joven, brillante y bonita, parecía prometedora, y Sun Yu le dijo que si regresaba al día siguiente le gustaría hacerle una prueba. Después de la prueba Chen Jianyan hizo realidad su sueño, al fin consiguió un papel en una película, por insignificante que fuera. Vestida con un abrigo de cuero y con tacones de 4 pulgadas, Chen Jianyan era una de las pocas mujeres jóvenes en la calle que coqueteaba con hombres que pasaban detrás de 
Cuando Sun Yu llevó a Chen Yanyan a Shanghai, 
Después de la guerra, Chen Yanyan continuó haciendo películas en Shanghai hasta 1949, en vísperas de la toma del poder comunista, cuando se mudó a Hong Kong con su amante y más tarde segundo esposo, el actor Wang Hao 王 豪. Las fuentes dan diferentes versiones sobre de quién fue la idea de irse, pero a la postre resultó ser una buena decisión para Chen Yanyan. Pero su vida personal no fue tan afortunada. En pantalla, la actriz había retratado de manera única una figura trágica tras otra, pero lamentablemente su vida privada no tuvo más éxito que la de sus personajes, ya que ninguno de sus dos matrimonios llegó a buen puerto.
Siguiendo el recorrido que iniciamos en su día con Hong Kong noir, ese recorrido abierto por el cine de acción hongkonés, Nuestros años salvajes pretende ir más allá sin abandonar aquel camino, y completar un viaje emocionante y emocionado por una década que transformó el cine de allá y nuestras experiencia como espectadores acá.
Wang Renmei, cuyo nombre de nacimiento era Wang Shuxi (王庶熙), nació y creció en Changsha, la capital de la provincia de Hunan, donde su padre Wang Zhengquan (王正权) era profesor de matemáticas en la Changsha No. 1 Normal School. La menor de siete hermanos, pasó su niñez conviviendo con Mao Zedong, que posteriormente sería el principal líder de la china comunista, que era alumno de su padre y pasaba largas temporadas viviendo en su casa. Más tarde, Mao fue director de la escuela a la que asistió la joven.
En 1931, con el advenimiento del cine sonoro, la Lianhua Film Company compró la Bright Moon Song and Dance Troupe, ya que necesitaba las habilidades de los cantantes de la compañía para esta nueva era. En 1932 Wang Renmei, de 17 años, protagonizó en su primera película Wild Rose (野玫瑰), que fue escrita por el director Sun Yu específicamente pensando en ella. Actuando junto a la famosa estrella en alza 
El abuelo de Cai Chusheng (蔡楚生), Cai Jianzhi, dejó su ciudad natal debido a la pobreza de su familia y con los años terminó en Shanghai. Su hijo mayor, Cai Liang (1882-1941), su padre, recibió educación formal y, aunque se dedicaba en exclusiva a los negocios familiares, le encantaba la pintura y la caligrafía, y tenía un fuerte temperamento. Su madre, Zheng Qingxiu (1885-1953), nació en Chaoyang y vivió en Shanghai con sus padres desde que era niña. Manejaba el pincel de caligrafía con fluidez, le gustaba la ópera y era buena cortando papel y en el bordado. Después del matrimonio, dio a luz a 10 hijos, aunque solo saldrían adelante 4 hijos y 1 hija. El segundo hijo Cai Tong, que nació el 12 de enero de 1906, es Cai Chusheng. En 1912, su abuelo regresa con toda la familia a la ciudad natal de Chaoyang para establecerse y trabajar en el sector de la agricultura, formando una empresa conjunta con otros agricultores para abrir un mercado mayorista en Shantou. El joven Cai Chusheng solo tuvo cuatros años de educación formal, ya que diversos problemas lo llevaron a dejar la escuela y formarse en casa, donde estudió confucianismo y practicó caligrafía y pintura. A la edad de 12 años su familia quiere que aprenda de los negocios que tienen en marcha y deja su ciudad natal en Chaoyang para trabajar como aprendiz en el mercado de Shantou.
A pesar de la desenfrenada persecución del cine progresista por parte del gobierno del Kuomintang, Cai Chusheng estaba lleno de entusiasmo y, al año siguiente, dirigió el rodaje del conocida Song of the Fishermen (渔光曲). La cinta, protagonizada por 
Este mes de septiembre la Filmoteca Española, a través de su programación en el Cine Doré, vuelve su vista hacia Asia con una presencia destacada del cine de ese continente, destacando, sin duda, la enorme retrospectiva que comenzó ayer mismo en torno a la obra de uno de los directores más laureados de la que fue la nueva ola de cine de Taiwán, Tsai Ming-liang. Os dejamos aquí el estupendo texto introductorio de Jesús Palacios, que merece la pena para tener una visión completa de la obra del director, y la programación completa de la misma.
