Hace unos días que se conocen los nominados a los Asian film Awards, premios creados en el marco del Hong Kong Film Festival y que en muy poco tiempo se han convertido en un referente dentro de la producción cinematográfica asiática. Lidera la lista de nominadas la coreana The Handmaiden con seis, mientras que la también coreana Train to Busan y la china I Am Not Madame Bovary la sigue con cinco. Es curioso ver como las más nominadas casi no lo están en las categoráis principales, repartidas entre películas como The Wailing, Harmonium o Godspeed (entre otras). A continuación os acerco la lista completa de nominados.

Mejor Película

The Wailing – Corea del Sur
The Age of Shadows –Corea del Sur
Harmonium – Japón
Godspeed – Taiwan
I Am Not Madame Bovary – China

Mejor Director

Na Hong-jin (The Wailing)
Koji Fukada (Harmonium)
Derek Tsang (Soul Mate)
Feng Xiaogang (I Am Not Madame Bovary)
Lav Diaz (The Woman Who Left)

Mejor Actor

Michael Hui (Godspeed)
Gong Yoo (Train to Busan)
Tadanobu Asano (Harmonium)
Fan Wei (Mr. No Problem)
Richie Jen (Trivisa)

Mejor Actriz

Son Ye-jin (The Last Princess)
Fan Bingbing (I Am Not Madame Bovary)
Haru Kuroki (A Bride for Rip Van Winkle)
Kara Wai (Happiness)
Charo Santos-Concio (The Woman Who Left)

Mejor Novato

Kim Tae-ri (The Handmaiden)
Takara Sakumoto (Rage)
Firdaus Rahman (Apprentice)
Wu Tsz-tung (Weeds on Fire)
Lin Yun (The Mermaid)

Mejor Actor de Reparto

Jun Kunimura (The Wailing)
Ma Dong-seok (Train to Busan)
Go Ayano (Rage)
Dong Chengpeng / Da Peng (I Am Not Madame Bovary)
Lam Suet (Trivisa)

Mejor Actriz de Reparto

Elaine Jin (Mad World)
Moon So-ri (The Handmaiden)
Atsuko Maeda (The Mohican Comes Home Band)
Azmi Shabana (Neerja)
Lynn Xiong (See You Tomorrow)

Mejor Guión

Asghar Farhadi (The Salesman)
Lav Diaz (The Woman Who Left)
Shinkai Makoto (Your Name)
Park Chan-wook and Jeong Seo-Gyeong (The Handmaiden)
Mak Tin-shu, Lung Man-hon, Thomas Ng (Trivisa)

Mejor Fotografía

Yutaka Yamazaki (After the Storm)
Kim Ji-yong (The Age of Shadows)
Luo Pan (I Am Not Madame Bovary)
Zhu Jinjing (Mr. No Problem)
Du Jie (The Wasted Times)

Mejor Diseño de Producción

Ryu Seong-hee (The Handmaiden)
Kang Seung-yong (Pandora)
Heya Kyoko (A Bride (Rip Van Winkle)
Alfred Yau (See You Tomorrow)
Feng Ligang (Railroad Tigers)

Mejor Banda Sonora

Yusuke Hatano, Peter Kam (Soul Mate)
Mowg (The Age of Shadows)
Xavier Jamaux (Three)
Tseng Si-ming (Godspeed)
Ryuichi Sakamoto (Rage)

Mejor Edición

Kim Sang-bum y Kim Jae-bum (The Handmaiden)
Tsuyoshi Imai (Rage)
Yang Jin-mo (Train to Busan)
Lee Chatametikool y Natalie Soh (Apprentice)
David Richardson (Operation Mekong)

Mejores Efectos Especiales

Jung Hwang-su (Train to Busan)
TetsuoOhya (Shin Godzilla)
Sun Li, Sheng Yong, Sam Wang, Sun Jing (Railroad Tigers)
Perry Kain, Johnny Lin, Thomas Reppen (See You Tomorrow)

Mejor Vestuario

Kenneth Yee Chung-man (The Wasted Times)
Jo Sang-gyeong (The Handmaiden)
Kazuko Kurosawa (The Sanada Ten Braves)
Kwon Yoo-jin, Rim Seung-hee (Train to Busan)
William Chang, Cheung Siu-hong (See You Tomorrow)

Mejor Sonido

Kim Dong-han (The Wailing)
Fang Tao, Hao Zhiyu (Crosscurrent)
Nakamura Jun (Shin Godzilla)
Kinson Tsang, George Lee (Cold War 2)

En la larga y rica historia de las películas de artes marciales, el legado de China al cine mundial, una característica que distingue estas de los productos de las cinematografías occidentales es la profusión de papeles principales para las mujeres. Las mujeres guerreras que más conocemos por esta parte del globo: Cheng Pei pei, Angela Mao, Hsu Feng, Lili Ho y tantas otras, además de las protagonistas de las cintas pertenecientes al subgénero más reciente de las femmes fatales y las “Girls with Guns” hongkonesas de los 90, tuvieron sus orígenes en las diversas escuelas de óperas tradicionales y el clásico cine de artes marciales. El cine de capa y espada en la gran pantalla emergió y floreció casi a la vez que el propio cine en el continente, si bien tuvo su gran revulsivo hacia finales de la década de 1920 con estrenos de este tipo de películas de estudios chinos de todos los tamaños. Estas chicas de acción no eran delicadas violetas, ni damiselas en apuros, sino verdaderas heroínas, luchando contra villanos masculinos en igualdad de condiciones. Es más, los protagonistas masculinos a menudo eran los que estaban en apuros, con la valiente dama luchando por su rescate.

Cada estudio tenía por lo menos una actriz en la que depositaba su confianza para papeles protagonistas de estas cintas épicas, pero cuatro eran predominantes: Fan Xuepeng y Xu Qinfang en el estudio Youlian, Wu Lizhu en Yueming, y Xia Peizhen en Mingxing. Nuestra intención es repasar durante estos días a estas cuatro Wudan, pioneras dentro del Wuxia chino de artes marciales, aprovechando la información que hemos encontrado en la web especializada chinesemirror.

Fan Xuepeng

Xu Qinfang

Wu Lizhu

Xia Peizhen

Fan Xuepeng, de nombre real Yao Xiongfei, nació en 1908 en Yixing, Jiangsu, en el seno de una antigua familia noble en declive. Su padre murió cuando tenía 4 años, dejando a la familia en unas precarias circunstancias económicas, por lo que la niña no pudo asistir a la escuela cuando alcanzó la edad. Su madre los sacaba adelante como costurera y lavandera, educando a la joven Xiongfei en casa. Con gran esfuerzo por su parte pudo hacer que ingresara en la escuela secundaria femenina de Changzhou cuando llegó a su adolescencia. Después de su graduación, Yao Xiongfei comenzó a trabajar en un taller de costura.

En aquellos años llamó la atención de un joven llamado Fan Mingbai, un erudito bien conocido y altamente considerado de una familia aristocrática de Changzhou, y que se estaba labrando un nombre como estudiante de periodismo. Este la cortejó y se casaron poco después. Tras el matrimonio decidió adoptar el apellido de su marido, práctica común en Occidente pero realmente extraña en China, además cambió su nombre de Xiongfei a Xuepeng. No mucho después, la pareja pasó algo más de un año en la zona norte de China antes de volver al sur y establecerse definitivamente en Shanghai. En una conversación con la actriz publicada en el periódico Li Bao en septiembre de 1938 esta no nombra en ningún momento su matrimonio con Fan, sin embargo si que habla de Wen Yimin, si director y co-protagonista en la serie “Heroic Son and Daughter”, además de su amante -y posterior marido- durante la década de 1930. Supondremos que su anterior matrimonio acabó en algún momento antes de aquello.

En Shanghai se reencontró con su antigua compañera de clase Xu Qinfang, ahora una actriz casada con Chen Kengran, director de la Youlian Film Company, uno de los nuevos estudios de Shanghai. Con la ayuda de su amiga consiguió una audición y terminó firmando un contrato en pruebas, haciendo su debut en la gran pantalla en 1925 con la película “Mother”. En aquel momento los Wuxia estaban surgiendo como un género importante y muy popular, y Fan trabajó duro para dominar las habilidades que estos exigían: equitación, boxeo, tiro con arco y, por supuesto, esgrima. Así que de 1927 a 1931, cuando el género declinó, ella fué la imagen de la heroína en la gran pantalla para muchos cinéfilos chinos, que apreciaban su natural estilo de actuación y sus obvias habilidades marciales. El papel más conocido de Fan Xuepeng durante este período fue el de “Thirteenth Sister” en “Heroic Son and Daughter”, estrenada en 1927 y tan popular que generó cuatro secuelas e hizo que la crítica la bautizara como la “nueva estrella de la espada”. Mientras que estos cinco episodios “heroicos” se han perdido, el primer episodio de otra serie, “Red Heroine”, estrenada en 1929 y con Fan como protagonista, aún se conserva, siendo una de las películas chinas de artes marciales más antiguas que han sobrevivido y su papel más conocido y valorado actualmente.

En 1931 la moda las artes marciales había disminuido, combinación de la censura del gobierno (“superstición sinsentido”) y de un público que se había cansado un poco del género. Así, cuando los japoneses atacaron Shanghai en 1932, Fan dejó su trabajo en el cine y se convirtió en una actriz de teatro en Nanjing, Tianjin y otras ciudades importantes.

En el invierno de 1933, inspirada por el Movimiento de Cine de Izquierdas de Shangai, se asoció con familiares y amigos para fundar un nuevo estudio, la Qiang Hua Film Company, que produjo una serie de películas con un fuerte mensaje en torno a la necesidad de reformar varias áreas de la sociedad china. Pero una de ellas, “Reduce to Poverty”, originalmente titulada “Shackles” y que mostraba la desesperación de la vida en las zonas rurales del país, fue prohibida por las autoridades, cosa que llevó a la Qiang Hua a la bancarrota.

Poco después, Fan Xuepeng se unió a la compañía Tianyi (el estudio original de los hermanos Shaw), y aunque los Wuxia ya no estaban en boga se adaptó a este cambio en el gusto de la audiencia derivándose a papeles melodramáticos más convencionales. A medida que pasaron los años se convirtió en una habitual en las pantallas chinas retratando personajes de mediana edad, a menudo en el papel de madre. De estos años, los medios del país le dieron el apodo de “la madre popular”. Pero durante la guerra encontró muy poco trabajo para ganarse la vida, dejando la actuación en 1942.

Tras el establecimiento de la República Popular China, participó con entusiasmo en las actividades organizativas del Shanghai Drama and Film Association y más tarde actuó en producciones escénicas de primer orden. Regresó al trabajo cinematográfico en marzo de 1952 con el Shanghai Film Actors Group, apareciendo en más de una docena de películas, incluyendo clásicos modernos del cine chino como “Nie Erh” (1959) y “Early Spring in February” (1963).

En 1960 asistió a la 3th National Cultural Conference, donde recibió el título de “Trabajadora aventajada” por la Shanghai Municipal Government’s Cultural Education Commission. Su última aparición cinematográfica fue en 1965 con la película “Red Propagandist”, después de lo cual se retiró. Fan Xuepeng murió de cáncer de pulmón el 2 de abril de 1974.

Filmografía:

Mother (1925)
The Prostitute’s Son (1926)
Lijing’s Tale (1926)
Heroic Son and Daughter (1927)
Magnificent Destiny (aka Reunited) (1927)
A Dream of Red Mansions (1927)
Heroic Son and Daughter 2 (1928)
Heroic Couple (1928)
Legacy of Troubles (1928)
Red Butterfly (1928)
Burning the Nine-Story Tower (1929)
Heroic Son and Daughter 3 (1929)
Escape From the Tiger’s Jaws (1929)
Escape From the Tiger’s Jaws 2 (1929)
Red Heroine (aka Heroine in Red) (1929)
Land of the Giants (1929)
The Red Heroine Smashes Gold Mountain Temple (1929)
Disturbance on Mount Wutai (1929)
Red Heroine II (1930)
Ghostly Shadows in the Temple (1930)
The Huangjiang Heroine pts.1-2 (1930)
Heroic Son and Daughter 4 (1930)
Lin Chong (1931)
Seven Swords (1931)
Heroic Son and Daughter 5 (1931)
Man and Full Moon (1931)
Consciousness (1933)
Our Lives (1933)
Bells are Ringing (1933)
Reduced to Poverty (original title: Shackles) (1933)
Shattered Dream in the Dance Hall (1934)
Daybreak (1934)
Renzhu (1934)
Model Youth (1934)
Unfulfilled Dreams (1934)
Hard Struggle (1935)
Repetition (1935)
Mother (1935)
My Female Classmates (1936)
Willow Village (1937)
An Illegitmate Daughter (1937)
Tough Son (1937)
Biyun Palace [aka The Leopard That Became a Prince] (1938)
Three Smiles (1940)
Guanyin, the Bodhisattva (1940)
The Empress (1940)
Qian Xianglian (1940)
Heroic Legend (1941)
The New Camille (1941)
Mountain Bells Herald the Caravan (1954)
Two Young Soccer Teams (1956)
Night Flight on the Foggy Sea (1957)
Happiness (1957)
Let’s Have a Contest (1958)
Letter from the Front (1958)
The Cuckoo Sings Again (1958)
Prison on Fire (1958)
A Steel Family (1959)
Spring is Always a Riot of Color (1959)
Nie Er (1959)
Secret of the Sacred Gourd (1963)
Early Spring in February (1963)
Red Propagandist (1964)

NOTA: Esta es una traducción libre del artículo original que se puede encontrar en chinesemirror.com

Xu Qinfang nació en 1907 (algunas fuente afirman que 1909) en el seno de una familia académica de Wujin, siendo hija de un famoso erudito confuciano. Su padre le enseño a leer poesía Tang desde que era una niña y mientras sobresalía en la escuela, también era atlética, muy aficionada a la equitación y capaz de manejar un carro (de carreras) con gran destreza. A los 16 años, su padre la llevó de Wujin a Shanghai, donde se matriculó en la escuela de cine del estudio Da Zhonghua, pero luego se unió a la Youlian Film Company, dirigida por Chen Kengran, con quien terminaría casándose.

De este periodo se conoce una curiosa y peliaguda anécdota con respecto a la actriz que la hizo adquirir cierto renombre, al menos vista de forma retrospectiva. A cualquiera familiarizado con la historia China le sonará el Movimiento del 30 de Mayo, una serie de profundas protestas laborales y anti-imperialistas que se propagaron por el país a raíz de la masacre de unos manifestantes el 30 de Mayo de 1925 en Shanghai. Una hora después dicha masacre, el director y fundador del estudio, Chen Kengran, y un cámara se dirigieron a la sede de la policía británica para filmar lo que pudieran. Al llegar a la escena, encontraron a los policías limpiando sangre del suelo frente al edificio y cuando estos se dieron cuenta de que estaban siendo grabados se encararon con ellos con la intención de confiscar el material. Xu Qinfang actuó con astucia y escondió la cámara bajo su ropa, esperando que la policía no pensara en registrar a una mujer, cosa que funcionó. Con el material no descubierto, acompañado de imágenes de heridos en hospitales, escenas de quirófano, destrucción en los alrededores y campus cerrados por las autoridades chinas, se realizó la cinta documental “Wu Sa Hu Chao” (The May 30th Movement in Shanghai). La película no pudo tener estreno masivo, pero fue exhibida en pequeños cines de Shanghai y la zona de Suzhou.

Después de trabajar en varios dramas para el estudio, hizo su primera aparición en una película de espadachines en 1928, escribiendo e interpretando el papel protagonista en “Shuang Jian Xia” (Double Sword Heroes). Tras esto, entre 1930 y 1932 realizó el papel principal en la popular serie cinematográfica de 13 partes “Swordswoman of Huangjiang“, convirtiéndose en una de las primeras estrellas femeninas de la era clásica del cine chino de artes marciales.

Cuando los japoneses atacaron Shanghai en enero de 1932, muchos estudios cinematográficos de la ciudad se vieron obligados a abandonar el negocio; Youlian tuvo numerosos problemas financieros y luchó hasta mediados de 1933, cuando la economía y el declive de las películas de artes marciales le obligaron a cerrar. Ese mismo año, Xu Qinfang y Chen Kengran se trasladaron al estudio Mingxing, donde continuaron sus carreras como actriz y director, respectivamente. La primera película de Xu para Mingxing fue “Actress on the Way“, que co-protagonizó junto a Zheng Xiaoqiu.

En 1935 se trasladó al estudio Xinmin, y después de que la guerra a gran escala con Japón estallara en 1937 obtuvo papeles principales para el puñado de estudios que consiguieron sobrevivir en Shanghai: Tianyi, Yihua, Guohua y Huaxin. Abandonó la antigua meca del cine chino en 1941 y participó en obras teatrales en las zonas desocupadas de Guilin y Chengdu, obras de teatro modernas y óperas tradicionales de corte patriótico pensadas para elevar la moral popular. En 1949 reanudó su carrera cinematográfica, pero después de dos películas regresó al escenario, actuando y enseñando ópera tradicional en la Shanghai People’s Opera Troupe.

Xu Qinfang murió el 8 de febrero de 1985. No hay mucha información disponible sobre sus primeros años de carrera fuera de la propia China, pero las fuentes que se conservan, como ya hemos visto en parte en este artículo, la describen como una “heroína” dentro y fuera de la gran pantalla.

Filmografía (parcial):

The Prostitute’s Son (1926)
Shandong Bandits (1927)
Double Sword Heroes (1928)
Burns Windings Mansion 1 (1929)
Burns Windings Mansion 2 (1929)
Swordswoman of Huangjiang (13 Partes) (1930-1932)
The Singing Beauty (1931)
Actress on the Way (1933)
Enemies of Women (1934)
A Bible for Girls (1934)
The Gardener and a Lady (1940)
The Sparrow Flies East and South (1941)
The Marriage Trap (1941)
Under the Roofs of Shanghai (1943)
Lang Hu Zhi Lian (1949)
Marriage a Big Affair (1950)

Wu Lizhu, nombre a veces transcrito como Wu Lai-Chu, nació en Dinghai, provincia de Zhejiang, en 1907 y fue aficionada a las artes marciales desde muy pequeña. Se inició en el mundo del cine en 1925, con un papel secundario en “A Fatal Love” (aka “Lover’s Tragedy”) producida por la división cinematográfica de la Shanghai Commercial Press Motion Picture. Esta película estaba dirigida por Ren Pengnian, quien más adelante se convertiría en su esposo y socio comercial.

Su primer papel protagonista sería para la película “River to Heaven” en 1928 y ese mismo año Wu se convirtió en una de las primeras heroínas de las artes marciales en China cuando interpretó el papel principal de la serie de 13 películas “Northeast Hero” (aka “The Hero of Guangdong”). Estrenadas entre 1928 y 1931, fueron producidas por la Yue Ming studio que Ren había fundado poco antes, dirigiendo todas ellas el mismo. Tras esta, protagonizaría la serie de 6 películas “Mistress of the Spear” (aka “Woman Security Scort”) entre 1931 y 1932, encumbrándose como una de las actrices más importantes del género y la “primera reina del Wuxia” como algunos medios la calificarón. Entre tanto participaría en películas como “Heroine Black Peony” o “The Knife with Seven Stars”

Las tensiones con Japón crecían día a día y Wu Lizhu participó en dos producciones anti-japonesas dirigidas por Ren Pengnian,”Dark Violence” y “Greedy Neighbors”. Tras la invasión japonesa, la pareja se traslada a Hong Kong, permaneciendo allí después de la guerra realizando una serie de películas de artes marciales en dialecto cantonés. Así protagonizaría un remake de sus anteriores películas “The Woman Security Guard” y “The Lady in Combat” (aka “Thrid Madam of Yongchun”), ambas en 1941 para la Xing Guang Film Company.

Durante su carrera participaría en curiosas adaptaciones cinematográficas como “Female Robin Hood” (1947), una adaptación en femenino del conocido personaje occidental. También protagonizaría thrillers de acción de corte más moderno como “Female Spy 76” (1947) y “Bloodshed in a Besieged Citadel” (1948), donde interpreta a la dueña de una posada de pueblo cuyo marido es asesinado por los japoneses; ella acaba reuniendo a unos discípulos y los instruye para luchar contra ellos y liberar su pueblo.

Durante las década de 1940 y 1950 participaría en numerosas películas de artes marciales como “Hong Xiguan and Third Madam of Yongchun” (1956), donde encarna a Wing-chun, una joven cuyo padre es asesinado con la intención de robar sus tierras; la chica estudiara artes marciales para para poder vengarse de los villanos. Además era aficionada a la motocicleta, como pudo demostrar en algunas películas como el thriller “The Story of Wong Ang the Heroine” (1960) y diversas imágenes personales de la época.

Su última aparición en la pantalla fue en “Three Northeast Heroines” (aka “The Three Chivalrous Girls of Kwan Tung”) en 1961, después de lo cual se retiró. Moriría en Tailandia el 23 de Junio de 1978. La mayoría de las películas de Wu Lizhu durante sus 36 años de carrera estuvieron dentro del género de las artes marciales, fueran cintas de época o thrillers de acción actuales, la mayor parte de ellas dirigidas por su marido Ren Pengnian.

Filmografía:

A Fatal Love (1925)
The Hearts of Mothers (1926)
Zhu Ziguo (1928)
Northeast Hero (13 partes) (1928-1931)
Tongtian River (1929)
We Met in the Bandits’ Lair (1930)
The Flying General (1931)
Heroine Black Peony (1931)
Mistress of the Spear (6 partes) (1931-1932)
The Pink Butterfly (1932)
The Knife with Seven Stars (1932)
Ruffian Husband (1933)
Her Heart (1933)
Greedy Neighbors (1933)
Dark Violence (1935)
The Woman Guard (1941)
The Lady in Combat (1941)
Female Robin Hood (1947)
Female Spy 76 (1947)
The Lady Protector (segunda secuela) (1947)
The Swordswoman’s Revenge (1947)
The Amazon (1948)
The Heroine (1948)
Bloodshed in a Besieged Citadel (1948)
Special Edition of Tso Yi-Man’s Funeral (1948)
The Female Warriors’ Three Battles with Miracle Whip (1949)
Mysterious Heroine (1949)
The Lady Protector and the Knight with the Whip (1949)
Neo-Northeast Hero (1949)
Hong Xiguan and Third Madam of Yongchun (1956)
How Wong Fei-Hung and Wife Eradicated the Three Rascals (1958)
How Oriole the Heroine Caught the Murderer (1959)
How Oriole the Heroine Solved the Case of the Three Dead Bodies (1959)
Wong An Vs. the Flying Tigers (1960)
The Story of Wong Ang the Heroine (1960)
Nocturnal Mission of Three Kunlun Swordswomen (1961)
The Three Chivalrous Girls of Kwan Tung (1961)

Cuando uno investiga la historia de una cinematografía, sobre todo en sus primeras épocas, es común encontrar trágicas historias relacionadas con sus estrellas, actrices cuya vida es destruida por los hombres que deberían cuidar de ellas. Este es el caso de Xia Peizhen, la actriz que destacó como una de las protagonistas de la magna obra “Burning of the Red Lotus Temple”, la única que participó en sus 19 partes. Su historia es particularmente trágica ya que la fuerza destructiva en la vida de esta talentosa joven fue el único hombre que debía protegerla, su tutor legal.

Xia Peizhen nació en 1908 en una familia terriblemente pobre de Nanjing. Ambos padres eran jornaleros sin educación que apenas podían sobrevivir y cuando la joven tenía 13 años decidieron enviarla a Shanghai para ser adoptada y criada por un tío, Xia Tianren -un destacado actor escénico-, ante la imposibilidad de mantenerla. Este la introdujo en el mundo de la actuación, y en 1927 ingresó en el estudio Mingxing con un contrato temporal. En aquellos años trabajó para varios estudios de Shanghai, obteniendo papeles de importancia creciente, lo que llevó a Mingxing a volver a contratarla de manera definitiva.

“Burning of the Red Lotus Temple” no fue la primera película de artes marciales realizada en China, de hecho el género es tan antiguo como el propio cine, pero si que fue la que convirtió el gusto por este tipo de películas en casi una obsesión a finales de la década de 1920. Adaptación de la novela serializada “The Tale of the Extraordinary Swordsman”, introduce todas las técnicas y clichés a los que nos hemos acostumbrado dentro del Wuxia fantástico, sobre todo las técnicas de cableado, toda una revolución en la industria de la época.

Por su papel en “Burning of the Red Lotus Temple”, Xia Peizhen se convirtió en una de las heroínas más populares del cine de artes marciales de la época, con una popularidad general y salario que estaba al mismo nivel de las grandes estrellas femeninas del estudio, Hu Die y Xuan Jinglin. Su salario, 800 dólares de plata al mes, se había convertido en la principal fuente de ingresos para su padre adoptivo, y cuando Mingxing rechazó un nuevo aumento este amenazó con trasladarla a otro estudio.

Cuando la censura y el gusto cambiante de la audiencia hicieron que las películas de corte marcial más fantástico perdieran interés, Mingxing cambió su política y comenzó a hacer películas literarias y obras más dramáticas. Xia Peizhen apareció con Hu Die en películas sonoras tan tempranas como “Genü Hongmudan” (Songstress Red Peony) y “Tixiao Yiyuan” (Between Tears and Laughter). Sus interpretaciones fueron bien recibidas por el público, lo que llevó a Mingxing a convertirla en la principal protagonista de varias de sus películas más populares a mediados de la década de 1930.

Desafortunadamente, su padre adoptivo Xia Tianren temía que su creciente popularidad pudiera llevarla a un matrimonio que la alejaría de su control, por lo que la obligó a consumir opio. Esta sucia jugada funcionó demasiado bien: se volvió profundamente adicta, hasta el punto de pasar días enteros en la cama. Su fuerza y facultades disminuyeron a medida que crecía su adicción y, finalmente, se lesionó gravemente en una caída de un edificio mientras filmaba una escena, dejándole un constante dolor que solo empeoró su adicción. Aunque participó en algunos papeles más después de eso, su carrera había terminado.

Xia Peizhen desapareció de la opinión pública hasta principios de la década de 1950, poco después del establecimiento de la República Popular, cuando fue encontrada en Wuhan. El nuevo gobierno la colocó con un puesto administrativo en un estudio de cine (aunque tuvo un pequeño papel en una producción de 1960) y a veces la mostraba como un ejemplo de cómo fueron tratadas las actrices en la vieja sociedad. Xia Peizhen murió el 5 de abril de 1975, en su epitafio se puede leer “Ella dio su vida a la industria del cine chino”.

Filmografía (parcial):

The Cave of the Silken Web (1927)
Dream of the Red Chamber (1928)
The Burning of Red Lotus Temple (1928-1930)
Papa Loves Mama (1929)
Tears and Flowers (1929)
Hall of the Broken Zither (1930)
Such Paradise I (1931)
Such Paradise II (1931)
Songstress Red Peony (1931)
Between Tears and Laughter (1932)
Wild Torrent (1933)
Crazy Class (1933)
Exhibition (1934)
A Bible for Girls (1934)

En la historia del cine de artes marciales el nombre de Fen Juhua (Fan Guk-Fa) es poco conocido, por no decir totalmente desconocido, fuera de Asia. Sin embargo, mientras que su carrera cinematográfica se limitó a un puñado de películas en la primera época dorada del género delas artes marciales, tuvo un impacto determinante en la historia del cine chino, principalmente en Hong Kong.

No se tiene constancia de donde nació exactamente Fen Juhua, pero se sabe que era de origen cantonés, criada en Shanghai y originalmente llamada Sun. Desde muy joven recibió una intensa formación en Ópera tradicional, especializándose en el papel de Wu Dan -la experta de artes marciales femenina, que requería realizar complicadas acrobacias y coreografías marciales-. Ya era toda una estrella del escenario cuando se adentró en el mundo del cine en 1925 con la película de la Tianyi Film Company “Heroine Li Feifei”, una luchadora muy del estilo Robin Hood. La película fue todo un éxito en gran parte por su reparto: Fen Juhua y su protagonista masculino Lin Yongrong eran dos grandes estrellas de escena en Shanghai, ambos haciendo su debut en la gran pantalla. La película utilizaba técnicas de cableado y poleas para simular el vuelo (técnica que se conocería en occidente como “Wire Fu”). Esto no era nada nuevo en la industria del cine chino, pero quizás fue una de las primeras veces en que una heroína marcial tenia este tipo de stunts en sus películas.

Tras este éxito inicial Fen Juhua realizó un puñado de películas de cine mudo basadas en cuentos populares chinos o novelas históricas, como las tes partes de “The Princess Lotus” en 1926 para la Da Zhonghua Film company, pero después de eso se concentró exclusivamente en su trabajo escénico durante el resto de su carrera continental.

En 1949, dejó Shanghai y se trasladó a Hong Kong, donde finalmente cumplió el sueño que había tenido durante bastante tiempo fundando la escuela de actuación Chun Chow School of Drama, que tenia la intención de rivalizar con las escuelas de Ópera China formando jóvenes talentos que mantuvieran su tradición. Durante los siguientes años esta escuela se convertiría en legendaria dado el gran número de actores y actrices, tanto del escenario como de la gran pantalla, que se formaron en ella. Una de las especialidades que Fen enseñaba a los jóvenes artistas era lo que se conoce como “lucha acrobática”, que consiste básicamente en movimientos que simulan el combate real entre luchadores para actores y actrices que no tenían formación en artes marciales. Esto se convirtió en una importante fuente de talento para las películas de acción de Hong Kong, especialmente en el caso de las mujeres, ya que había un abundante suministro de jóvenes aspirantes a actores que tenían formación en artes marciales, a menudo desde su infancia, pero relativamente pocas actrices habían experimentado este tipo de entrenamiento de combate, siendo más común su formación en opera tradicional, ballet y artes escénicas.

Numerosas futuras estrellas del cine, teatro, ópera y televisión debieron su éxito en gran medida al entrenamiento de Fen Juhua. Entre sus discípulos hay nombres que deberían ser reconocidos por cualquier fanático del cine de Hong Kong, como Lam Ching-Ying, Josephine Siao, Sharon Yeung, Austin Wai, John Lone … así como muchos otros quizás no tan famosos, pero que en conjunto fueron determinantes dentro del cine de acción local.

En las décadas de 1950 y 1960 aparecería en la pantalla de manera ocasional, aunque se implicaba más en tareas de asesor o consultor en las coreografías de acción, estando su nombre muchas veces oculto casi al final de los créditos (eso cuando la acreditaban). En 1961 Fen Juhua y el empresario artístico Li Guoxiang fundan la Chun Chow Film Company con la intención de realizar una película para mostrar a sus posibles pupilos lo que podían aprender en la escuela. El 14 de Febrero de 1962 se lanza “The Capture of the Evil Demons” (aka “Battle at Sizhou”), donde aparecían alumnos aventajados de Fen, además de la propia actriz, como Sum Chi-wah, Connie Chan Po-chu y Lulu Zhang.

Ya en 1990, tras toda una vida de carrera, se trasladaría, junto a su hijo y su familia, a su antiguo hogar de Guangzhou, donde pasaría sus últimos días hasta su muerte en 1994.

Filmografía (parcial):

Heroine Li Feifei (1925)
The Cowherd and the Weaving Girl (1926)
Princess Lotus, (3 partes) (1926)
Three Kingdoms: Seven Captures (1927)
Sorrowful Glory (1953)
General Chai and Lady Balsam (1953) (asistente)
Beauty Contest (1954)
Blood in the Snow (1956)
The Story of Lu Siniang (1958) (entrenadora de Li lihua)
Les Belles (1961) (coreografa)
The Invincible Yeung Generals (1961) (directora de acción)
The Capture of the Evil Demons (aka Battle of Sizhou) (1962)
The Magic Sword of Tianshan (1963) (asistente)

NOTA: Esta es una traducción libre del artículo original que se puede encontrar en chinesemirror.com

Cuando Wong Kar Wai estrenó “In the Mood for Love” los actores de los que todo el mundo hablaba fueron, lógicamente, sus estrellas protagonistas: Tony Leung y Maggie Cheung, pocos se fijaron en la anciana actriz que interpreta a la “amah”, que también había aparecido en “Days of Being Wild” de Wong interpretando a la criada de la madre adoptiva de Leslie Cheung. Esta actriz, Chin Tsi-Ang, participó en mas de 180 películas y un sinfín de producciones televisivas desde principios de la década de 1960 hasta la entrada del nuevo siglo, dando vida a pequeños papeles secundarios o de extra, generalmente de madre o abuela del protagonista, criada o ama de llaves. Era una figura muy conocida y querida en la comunidad del cine de Hong Kong, donde muchas estrellas se referían a ella como Mama Hung. Pero seguramente pocos fans del cine chino fuera de Hong Kong se dieran cuenta que esta entrañable anciana fue una de las pioneras del cine de artes marciales bajo el nombre de Qian Siying (Pronunciación de su nombre en mandarín), de hecho los historiadores la consideran la primera heroína marcial del cine chino, ya que apareció en este tipo de papeles a principios de 1925, varios años antes de estrellas de la época como Fan Xuepeng, Wu Lizhu, Xia Peizhen o Xu Qinfang. Qian Siyin también se diferencia de otras actrices de la época en que fue de las pocas que entrenaron realmente dentro del mundo de las artes marciales, de hecho desde su niñez.

Qian Siying nació en Shanghai en 1909. Poco después de su nacimiento sus padres consultaron a un adivino, una práctica común en ese entonces, advirtiéndoles este que su hija moriría pronto a menos que fuera criada como un niño, así que vistieron a la niña con ropa de chico y la animaron a comportarse como tal, aficionándose a pasatiempos más masculinos como los deportes. Era una ávida deportista, y ya a los 8 años, disfrazada de niño, fue admitida en la Asociación Masculina Chin Woo (精武体育会), donde destacó en la práctica de las artes marciales.

En 1925, cuando tenía 16 años, un viejo amigo de su padre, el empresario Zhang Puyi, visitó su casa. Zhang acababa de dar el salto a la creciente industria cinematográfica local, fundando una nueva compañía cinematográfica –Langhua Film Company– y esperaba persuadir al patriarca Qian para que invirtiera en ella. La primera película de la productora iba a ser una cinta de acción llamada “Nanhua Meng” (South China Dream), y cuando Zhang conoció a la joven y atlética hija de Qian reconoció inmediatamente su potencial. Al principio el patriarca se opuso, le interesaba invertir en el negocio pero le horrorizaba la idea de que su hija se convirtiera en actriz. Zhang lo persuadió apelando a su vieja amistad y a que seria bueno para el estudio, y para su propia inversión.

“South China Dream” (posteriormente titulada “Dreams of Women”), se lanzó en dos partes y sus beneficios fueron suficientemente buenos para que Qian Siyin apareciera en otras dos películas en importantes papeles secundarios. Pero la Langhua no duró mucho: tras realizar un película fuera del género de la acción, un romance más convencional, Zhang Puyi se vino arriba y envió un equipo de rodaje al sur del país para realizar una gran epopeya histórica sobre la revolución China. No solo la película no se terminó, sino que supuso la bancarrota del estudio. No obstante, Los papeles de Qian Siying en las tres primeras películas de Langhua lanzaron lo que se convertiría en una larga carrera cinematográfica.

En 1928 ficha por la Fudan Film Company, siendo su primer papel para el estudio la protagonista femenina de “Baiyan Nüxia” (The Swallow Heroine). Tras varios papeles más para Fudan, en 1930 se une al Great Wall Studio, convirtiéndose en su trabajo más representativo la película “Jiangnan Nüxia“, dirigida por Yang Xiaozhong y co-protagonizada por Zhang Zhizhi como su malvado adversario. Qian impresionó al público, lo cual se unió al momento en que los estudios de Shanghai estaban descubriendo el potencial de exportación de sus películas a las comunidades Chinas del sudeste asiático; La creciente popularidad de Qian fuera de la propia China atrajo una corriente constante de distribuidores a Shanghai para comprar copias de películas de Qian Siying, sin importar el precio. Realizaría diversas películas más para la Great Wall hasta 1931, cuando el fervor por las películas de artes marciales entró en declive. La actriz aprovecho para cambiar su registro y adentrarse en el cine sonoro.

En 1930 grababa una película en dos partes para el Phoenix film studio dirigida por Hong Ji, hermano menor de Hong Shen, “Padre del guión chino”. El romance floreció y terminaron casándose, continuando con su carrera de actriz, con un pequeño parón para tener a sus hijos. Hong Ji no era un director importante y, a excepción de dos películas que hizo para Tianyi, el antecesor de Shanghai de los estudios Shaw Brothers, la mayor parte de su trabajo fue para estudios pequeños.

Tras varios años en estado latente, a mediados de la década de 1930 la industria del cine de Hong Kong estaba surgiendo con fuerza, y Hong Ji tuvo la oportunidad de dirigir para un nuevo estudio dedicado a películas sonoras en cantonés, creado por los hermanos Shaw como su división local. Así ficha para la Nanyang (South Seas) Film Company. Tras una última aparición de Qian en una película en Shanghai en 1935, la familia se traslada a Hong Kong. La intención original era que Qian Siying continuara su carrera como actriz, pero a medida que la familia crecía (al final 7 hijos, 5 niños y 2 niñas), Qian decidió que sus compromisos familiares requerían toda su atención. Tras realizar una película en 1937 y otra en 1941 se retira de la actuación, pero continuaría ayudando a su marido en la parte comercial del estudio. Su marido, ahora conocido como Hung Chung-ho, continuaría una exitosa carrera, dirigiendo, escribiendo y produciendo mas de 120 películas entre 1937 y 1955, muchas de ellas dentro del género de las artes marciales.

Hung Chung-ho moriría en 1962, y a pesar de que ya era una abuela viuda (que tenía más de 20 nietos y 10 bisnietos), la heroína de las artes marciales aún tenia el impulso de realizar películas. Cuando se comentaba la cuestión de su edad (por aquel entonces 53 años) tan solo sonreía y decía que quería hacer cine, que estaba dispuesta a hacer pequeños papeles o incluso de extra. Así lo hizo, realizando todo tipo de papeles de mujer madura, generalmente madre o abuela como comentábamos al principio del artículo. A pesar de todo su variedad de roles llegó a ser tal que la apodaron “la madre de las mil caras” -en otra ocasión la llamaron “diosa de la longevidad”-. Llegó a participar en más de 180 películas durante las siguientes cinco décadas, primero casi en exclusiva para la Shaw Brothers y después, a partir de 1985, para otros estudios locales como la Golden Harvest.

Recibiría el premio a toda su carrera en los Hong Kong Film Awards en 1993, continuando con su trabajo hasta su última aparición en la gran pantalla en la comedia “My Wife Is 18” de 2002, tras lo cual se retiró por su edad. Qian Siyin moriría en Octubre de 2007 a la edad de 99 años.

Mama Hung fue la matriarca de una familia muy relacionada con el cine. Ya hemos comentado como su marido Hong Ji / Hung Chung-ho era hermano menor del escritor y director pionero Hong Shen, pero otros miembros de la familia, y sus parejas, estuvieron dentro del mundo del cine, como por ejemplo Hong Shuyun (Hung Suk-wan), también hermano menor de Hong Shen y también escritor y director en Hong Kong, además de su esposa Yung Yuk-yi, una afamada estrella cantonesa. Pero todo aficionado internacional al cine de Hong Kong, no solo los locales, reconocerán el nombre de uno de sus nietos favoritos, Hung Kam-Bo (Hong Jinbao), más conocido como Sammo Hung. Mama Hung estaba muy orgullosa de su nieto no solo por su éxito internacional, sino por las dificultades que había tenido que pasar para lograrlo. Desde luego el “Fat Dragon” no es el modelo de constitución atlética, y le requirió mucho esfuerzo llegar a donde ha llegado.

Podría decirse que Mama Hung fue durante muchos años la matriarca del propio cine hongkonés, la “abuela” de varias generaciones de actores y actrices con los que apareció en la gran pantalla y que le ofrecían su cariño y respeto.

Filmografía:
(parcial de sus papeles en Shanghai)

Dreams of Women 1 y 2 (1925)
The Swallow Heroine (1928)
Attack on Golden Snake Mountain (1929)
This House is Only for Maidens, 1 y 3 (1929)
Burning of Seven Star Mansion, 1 (1929)
Three Gates Street (1929)
Judicious Monks (1930)
Burning of Seven Star Mansion, 3 y 5 (1930)
Southern Heroine (1930)
The Yangtze River (1930)
Evil on Golden Island (1930)
In Troubled Times (1930)
Hero on Horseback (1930)
New Yu Tangchun (1930)
Legend of the Golden Tower, 1 y 2 (1931)
Male and Female Swords (1931)
Red Butterfly 3 (1931)
Deep Sorrows (1933)
Two Orphan Girls (1933)
Scenes of Shanghai (1933)
Alladin (1933)
Bloody Road (1933)
Bloodstained Peach Blossom (1934)
New Road (1934)
Mr. Goodwill (1934)

Hace ya unas semanas que se conocieron los nominados a los Hong Kong Film Awards, los premios más prestigiosos del panorama de cine Hongkonés que se desarrollan en el marco del Hong Kong Film Festival. La película que ha obtenido mayor número de nominaciones en esta ocasión es el drama romántico Soul Mate que está presente en 12 categorías, entre ellas mejor película, director, guión y mejor actriz por partida doble para sus dos protagonistas, Zhou Dongyu y Ma Sichun. El taquillazo del momento, la comedia The Mermaid del incombustible Stephen Chow, se ha llevado 8 nominaciones. Entre las películas destacadas también se encuentran Cold War 2, Trivisa o Mad World. A continuación tenéis la lista completa de nominados, los ganadores los conoceremos el próximo 9 de Abril.

Mejor Película

Soul Mate
The Mermaid
Cold War 2
Trivisa
Weeds on Fire

Mejor Director

Wong Chun (Mad World)
Derek Tsang (Soul Mate)
Johnnie To (Three)
Stephen Chow (The Mermaid)
Frank Hui, Jevons Au, Vicky Wong (Trivisa)

Mejor Guión

Florence Chan (Mad World)
Lam Wing Sum, Li Yuan, Xu Yi-meng, Wu Nan (Soul Mate)
Stephen Chow (The Mermaid)
Longman Leung, Sunny Luk, Jack Ng (Cold War 2)
Loong Man Hong, Thomas Ng, Mak Tin Shu (Trivisa)

Mejor Actor

Shawn Yue (Mad World)
Francis Ng (Shed Skin Papa)
Tony Leung Ka-Fai (Cold War 2)
Richie Jen (Trivisa)
Gordon Lam (Trivisa)

Mejor Actriz

Zhou Dongyu (Soul Mate)
Ma Sichun (Soul Mate)
Nina Paw (Show Me Your Love)
Tang Wei (Book of Love)
Kara Wai (Happiness)

Mejor Actor Secundario

Eric Tsang (Mad World)
Paul Chin (Book of Love)
Ng Mang Tat (The Menu)
Philip Keung (Trivisa)
Liu Kai Chi (Weeds on Fire)

Mejor Actriz Secundaria

Charmaine Fong (Mad World)
Elaine Jin (Mad World)
Zhang Yu Qi (The Mermaid)
Fish Lew (Sisterhood)
Janice Man (Cold War 2)

Novato del año

James Ng (Happiness)
Lin Yun (The Mermaid)
Jennifer Yu (Sisterhood)
Wu Tsz Tung Tony (Weeds on Fire)
Tam Sin Yin (Weeds on Fire)

Mejor Fotografía

Jake Pollock, Jing-Ping Yu (Soul Mate)
Cheng Siu-Keung, To Hung Mo (Three)
Jason Kwan (Cold War 2)
O Sing Pui (Weeds on Fire)
Peter Pau, Cao Yu (See You Tomorrow)

Mejor Edición

Derek Hui, Li Dianshi, Zhou Xiaolin, Tan Xiang-Yuan (Soul Mate)
Jordan Goldman, Ron Chan (Cold War 2)
David Richardson (Operation Mekong)
Allen Leung, David Richardson (Trivisa)
David Wu (See You Tomorrow)

Mejor Dirección Artística

Zhai Tao (Soul Mate)
Silver Cheung, Fion Lee, Wu Zhen, Chong Kwok Wing (Sword Master)
Daniel Fu (The Monkey King 2)
Chan Kam Ho Raymond (The Mermaid)
Alfred Yau (See You Tomorrow)

Mejor Vestuario y Maquillaje

Dora Ng (Soul Mate)
Stanley Cheung (Sword Master)
Kenneth Yee Chung Man, Dora Ng (The Monkey King 2)
William Chang, Lui Fung Shan (League of Gods)
William Chang, Cheung Siu Hong (See You Tomorrow)

Mejor Coreografía de Acción

Yuen Bun, Dion Lam (Sword Master)
Sammo Hung (Call of Heroes)
Chin Ka Lok (Cold War 2)
Tung Wai (Operation Mekong)
Sammo Hung (The Monkey King 2)

Mejor Banda Sonora

Yusuke Hatano (Mad World)
Peter Kam Pui Tat, Yusuke Hatano (Soul Mate)
Peter Kam Pui Tat (Cold War 2)
Day Tai (Weeds on Fire)
Nathaniel Méchaly (See You Tomorrow)

Mejor Canción Original

“(It’s Not A Crime) It’s Just What We Do” (Soul Mate)
Composer：Leah Dou, Lyric：Leah Dou, Sung by：Leah Dou
“Wu Di” 8The Mermaid)
Composer：Stephen Chow, Lyric：Stephen Chow, Sung by：Deng Chao
“Anthem Of Shatin Martins” (Weeds on Fire)
Composer：Day Tai, Lyric：Saville Chan, Sung by：Supper Moment
“Better Tomorrow” (Happiness)
Composer：Yusuke Hatano, Lyric：Yusuke Hatano, Sung by：Yusuke Hatano
“Keep Me By Your Side” (See You Tomorrow)
Composer：Tang Hanxiao, Lyric：Tang Hanxiao, Sung by：Eason Chan

Mejor Sonido

Kinson Tsang, George Lee Yiu Keung, Yiu Chun Hin, Lai Chi Hung (Sword Master)
Yin Jay (The Monkey King 2)
Kinson Tsang, George Lee Yiu Keung (Cold War 2)
Nopawat Likitwong, Kaikangwol Rungsakorn, Sarunyu Nurnsai, Stan Yau (Operation Mekong)
Robert Mackenzie (See You Tomorrow)

Mejor Efectos Especiales

Sungjin Luke Jung (Sword Master)
Luke Sungjin Jung, Sanghoon Kim, Kim Chan Soo, Kim Chlu Min (The Monkey King 2)
Ken Law Wai Ho, Lee Inho, Kang Tae Gyun, Marco Ng (The Mermaid)
Yee Kwok Leung, Raymond Leung (Cold War 2)
Yee Kwok Leung, Felix Lai Tsz Fei, Kang Tae Gyun (Operation Mekong)

Mejor Director Novel

Wong Chun (Mad World)
Derek Tsang (Soul Mate)
Jazz Boon (Line Walker)
Andy Lo (Happiness)
Stevefat (Weeds on Fire)

Mejor Película de China y Taiwan

Godspeed (Taiwan)
Chongqing Hot Pot (China)
The Road to Mandalay (Taiwan)
Mr. Six (China)
I Am Not Madame Bovary (China)

El próximo 5 de Marzo se celebra la gala de entrega de premios de la edición número 26 de los Subhanahongsa Awards, concedidos por la Thailand National Film Association y que están considerados los premios más importantes de la industria cinematográfica Tailandesa. Entre las nominadas destaca Cuando oscurezca de la directora Anocha Suwichakornpong, nominada a mejor película, directora y guión. También destacan pos número de nominaciones A Gift, Wandering, One Day y The Island Funeral. A continuación tenéis la lista completa de nominados.

Mejor Película

A Gift
Wandering
One Day
The Island Funeral
Cuando oscurezca

Mejor Director

Kriangkrai Wachirathamporn, Jira Maligool, Chayanop Boonprakob, Nithiwat Tharathorn, A Gift
Pimpaka Towira, The Island Funeral
Boonsong Nakphoo, Wandering
Anocha Suwichakornpong, Cuando oscurezca
Banjong Pisanthanakun, One Day

Mejor Guión

Chatchai Katenut, From Bangkok to Mandalay
Pimpaka Towira, Kong Rithdee, The Island Funeral
Boonsong Nakphoo, Wandering
Patana Chirawong, From Bangkok to Mandalay
Anocha Suwichakornpong, Cuando oscurezca
Thanwarin Sukhaphisit, A Gas Station

Mejor Actor

Krissada Terrence, Look-Tung-Signature
Ananda Everingham, Khun Pan
Sai Sai Kham Leng, From Bangkok to Mandalay
Prama Imanotai, A Gas Station
Chantavit Dhanasevi, One Day

Mejor Actriz

Nittha Jirayungyurn, One Day
Sasithorn Panichnok, The Island Funeral
Davika Hoorne, Suddenly Twenty
Apinya Sakuljaroensuk, Grace
Arpa Pawilai, A Gas Station

Mejor actor secundario

Krissada Terrenc, Khun Pan
Rong Kaomulkadee, Suddenly Twenty
Nutthasit Kotimanuswanich, Grace
Natdanai Wangsiripaisarn, Cuando oscurezca
Nay Toe, From Bangkok to Mandalay

Mejor actriz secundaria

Neeranuch Pattamasoot, Suddenly Twenty
Duangjai Hiransri, Take Me Home
Penpak Sirikul, A Gas Station
Apinya Sakuljaroensuk, Cuando oscurezca
Atchara Suwan, Cuando oscurezca

Mejor fotografía

Wandee Media, Senses from Siam
Naruphol Chokanapitak, One Day
Uruphong Raksasad, Wandering
Ming Kai Leung, Cuando oscurezca
Phuttiphong Aroonpheng, The Island Funeral

Mejor edición

Panayu Khunwallee, Thammarat Sumetsupachok, A Gift
Peannippan Kadeetham, Paradorn Vesurai, A Gas Station
Benjarat Choonuan, Harin Paesongthai, Uruphong Raksasad, The Island Funeral
Lee Chatametikool, Machima Ungsriwong, Cuando oscurezca
Chonlasit Upanigkit, One Day

Mejor sonido

Narubett Peamyai, Grace
Akritchalerm Kalayanamitr, Chalermrat Kaweewattana, Cuando oscurezca
Ekaratt Chungsanga, One Day
Ekaratt Chungsanga, A Gift
Akritchalerm Kalayanamitr, The Island Funeral

Mejor banda sonora

Hualampong Riddim, One Day
Hualampong Riddim, A Gift
Noppanan Panicharoen, The Island Funeral
Bruno Brugnano, From Bangkok to Mandalay
Chatchai Pongprapaphan, Grace

Mejor dirección artística

Thana Maykaumput, Take Me Home
Thana Maykaumput, Khun Pan
Wittaya Boonwitheechot, Suddenly Twenty
Arkadech Keawkotr, A Gift
Rasiguet Sookkarn, Motel Mist

Mejor vestuario

Supakit Kitmangmee, I Love You Two
Nirachara Wannalai, Khun Pan
Praoplern Tangmitcharoen, Serd
Rujirumpai Mongkol, Cuando oscurezca
Kaew Ratanodom, Suddenly Twenty

Mejor maquillaje

Arporn Meebangyang, Haunted School
Siwakorn Suklankarn, Khun Pan
Benjawan Sroy-in, One Day
Montree Watrlaeid, Take Me Home
Montree Watrlaeid, Ghost Is All Around

Mejores efectos especiales

Ghost Is All Around
One Day
Take Me Home
Khun Pan

Este pasado sábado se concedieron los Japanese Academy Awards que concede la academia de cine de Japón y que este año celebraban un 40 aniversario. Finalmente la película más galardonada fue la nueva entrega de Godzilla, que se llevo el premio a mejor película y mejor director, además de casi todos los premiso técnicos. El bombazo de la animación Your Name de Makoto Shinkai se llevo el premio a mejor guión y mejor banda sonora, mientras que el premio a mejor película animada fue para la multipremiada In This Corner of the World. El premio a la carrera cinematográfica ha sido concedido al recientemente fallecido director Seijun Suzuki.

Mejor Película

Ikari
What a Wonderful Family
Shin Godzilla
Her Love Boils Bathwater
64: Part 1

Mejor Animación

Your Name
A Silent Voice
In This Corner of the World
Rudolf the Black Cat
ONE PIECE FILM GOLD

Mejor Director

Hideaki Anno/ Shinji Higuchi (Shin Godzilla)
Makoto Shinkai (Kimi no na wa)
Takahisa Zeze (64 Rokuyon Zenpen)
Ryota Nakano (Yu wo wakasu hodo no atsui ai)
Sang-il Lee (Ikari)

Mejor Actor

Go Ayano (Nihon de Ichiban Warui Yatsura)
Junichi Okada (Kaizoku to yobareta otoko)
Koichi Sato (64 Rokuyon Zenpen)
Hiroki Hasegawa (Shin Godzilla)
Kenichi Matsuyama (Satoshi: A Move for Tomorrow)

Mejor Actriz

Shinobu Ootake (Gosaigyou no Onna)
Haru Kuroki (Rip van Winkle no Hanayome)
Suzu Hirose (Chihayafuru – Kami no ku -)
Aoi Miyazaki (Ikari)
Rie Miyazawa (Her Love Boils Bathwater)

Mejor actor de reparto

Pistol Takehara (The Long Excuse)
Satoshi Tsumabuki (Ikari)
Masahiro Higashide (Satoshi: A Move for Tomorrow)
Mirai Moriyama (Ikari)
Frankie Lily (SCOOP!)

Mejor actriz de reparto

Satomi Ishihara (Shin Godzilla)
Mikako Ichikawa (Shin Godzilla)
Hana Sugisaki (Her Love Boils Bathwater)
Suzu Hirose (Ikari)
Aoi Miyazaki (Birthday Card)

Novato del año

Sugisaki Hana
Mitsuki Takahata
Kanna Hashimoto
Takanori Iwata
Kentaro Sakaguchi
Takara Sakamoto
Yudai Chiba
Mackenyuu

Mejor Guión

Makoto Shinkai – Your Name
Ryota Nakano – Her Love Boils Bathwater
Shinichi Hisamatsu and Takahisa Zeze – 64: Part I
Yoji Yamada and Emiko Hiramatsu – What a Wonderful Family!
Lee Sang-il – Rage

Mejor Fotografía

Kousuke Yamada – Shin Godzilla
Norimichi Kasamatsu – Rage
Kōichi Saitō – 64: Part I
Kozo Shibasaki – A Man Called Pirate
Masashi Chikamori – The Magnificent Nine

Mejor Iluminación

Takayuki Kawabe – Shin Godzilla
Yuuki Nakamura – Rage
Akinaga Tomiyama – 64: Part I
Nariyuki Ueda – A Man Called Pirate
Koichi Watanabe – What a Wonderful Family!

Mejor Dirección Artística

Yuji Hayashida y Eri Sakushima – Shin Godzilla
Toshihiro Isomi – 64: Part I
Tomoko Kurata – What a Wonderful Family!
Yuji Tsuzuki y Fumiko Sakahara – Rage
Takayuki Nitta – The Magnificent Nine

Mejor Edición

Hideaki Anno y Atsuki Sato – Shin Godzilla
Iwao Ishii – What a Wonderful Family!
Tsuyoshi Imai – Rage
Ryo Hayano – 64: Part I
Ryuji Miyajima – A Man Called Pirate

Mejor Banda Sonora

Radwimps – Your Name
Kotringo – In This Corner of the World
Shirou Sagisu – Shin Godzilla
Naoki Sato – A Man Called Pirate
Muramatsu Takatsugu – 64: Part I

Mejor Sonido

Jun Nakamura y Haru Yamada – Shin Godzilla
Kazumi Kishida – What a Wonderful Family!
Mitsugu Shiratori – Rage
Shinya Takada – 64: Part I
Kenichi Fujimoto – A Man Called Pirate

Mejor Película extranjera

Sully
The Martian
Zootopia
Star Wars: The Force Awakens
The Revenant

Ju Dou (1990)
Director: Zhang Yimou, Yang Fengliang
Guión: Liu Heng (basado en su novela Fuxi Fuxi)
Actores: Gong Li, Chong Ma, Cong Zhijun, Fa Wu, Jia Zhaoji, Baotian Li, Li Wei, Yi Zhang, Zheng Ji-an
Productora: China Film Co-Production Corporation, China Film Release Import and Export Company, Cineplex Odeon Films, Tokuma Shoten, Xi’an Film Studio
Director de fotografía: Gu Changwei, Yang Lun
Música: Zhao Jiping, Xia Ru-jin

Un antiguo refrán chino dice: «el pecado más grande de todos los pecados es Yin (feminidad) y la virtud más virtuosa de todas las virtudes es Xiao (piedad filial)». Esta es el dogma detrás de toda la moral confuciana y, a pesar de los intentos diferenciales, del comunismo chino, entendiendo ambos como sistemas de dominación patriarcal. Pero también cuenta la tradición que el universo y la raza humana fueron creados a raíz del matrimonio de dos deidades que eran hermano y hermana: Fuxi que encarna el Yang y Nüwa que encarna el Yin. Este incesto divino sirve de inspiración para la novela en la que se basa el film Fuxi Fuxi del escritor Liu Heng, quien además escribió el guión para Zhang Yimou.

Muchos académicos y críticos subrayan que, tal y como el director ha afirmado en varias entrevistas (Tan & Zhang, 1999-2000: 8-9), Sorgo Rojo y Ju Dou: La semilla del crisantemo (en adelante Ju Dou) son dos caras de la misma moneda: representando Sorgo Rojo la libertad, los deseos primarios sin restricciones, sin leyes imperiales y Ju Dou todo lo contrario, ya que representa la humanidad bajo los sistemas de dominación. Lo que falta en esta explicación es que ambos films se basan en dos novelas de movimientos literarios contrarios. Es decir, si Sorgo Rojo de Mo Yan se enmarca en el realismo mágico chino de los 80, movimiento que crece junto con otros movimientos postmaoistas como la literatura de las raíces y la literatura de las cicatrices, en el ambiente de la Fiebre Cultural de exploración; Fuxi Fuxi de Liu Heng se enmarca dentro del neorrealismo chino que aparece después de la tragedia de Tiananmen de 1989. Lo curioso del neorrealismo es que es un movimiento introspectivo que se opone a la tendencia mayoritaria de los 90 hacia la comercialización y que da voz a aquellos que el realismo social había callado. Así, el escritor neorrealista se despoja del moralismo, del idealismo y del romanticismo para presentarnos una historia acontecida en el pasado y ubicada en una aldea remota, y nos confronta con la crudeza de la vida diaria. Por tanto, ambos films se oponen porque surgen de dos necesidades humanas opuestas: Sorgo Rojo que celebra los orígenes chinos y los mitifica y Fuxi, Fuxi que pretende negar la evolución histórica.

El argumento es el siguiente: Tianqing (“Li Baotian”) regresa, después de unos días de ausencia, a la casa de su tío adoptivo Jinshan (“Li Wei”), dueño de una fábrica de tintes de telas. El empleado que le ha estado sustituyendo le cuenta que su tío ha comprado una esposa joven para que le dé un hijo y que a las dos anteriores las torturó hasta la muerte por no lograrlo. Esa noche Tianqing oye los gritos lastimosos de su nueva tía, Ju Dou (“Gong Li”). Con el tiempo ambos comienzan una relación y Ju Dou queda embarazada, aunque a todos los efectos el verdadero padre es Jinshan. Al poco tiempo el viejo queda discapacitado y los dos jóvenes disfrutan de su amor. Sin embargo, el hijo de ambos, Tianbai, reconoce a Jinshan como padre. Tianbai es introvertido, autoritario y apenas habla, incluso deja que Jinshan se ahogue en un pozo de tinte, convirtiéndose así en el heredero del clan. Siguiendo las tres obediencias chinas, Ju Dou pasa de someterse primero a su padre, luego a su marido y ahora a su hijo aunque continúa su relación con Tianqing a escondidas, a pesar de todo. Un día deciden hacer el amor por última vez y se quedan dormidos en un túnel asfixiante dentro de la casa. Tianbai los encuentra y les salva la vida solo para acabar tirando a Tianqing dentro del mismo pozo en el que murió Jinshan. Ju Dou desesperada quema la fábrica.

El film comienza con un rótulo en el que se puede leer que la historia se sitúa en los años 20, en una aldea rural. Estamos por tanto, en la China feudal y seguimos a un joven y a su mula que atraviesan un campo de cereales hasta llegar a una aldea, recorrer sus calles y luego entrar en una casa con una puerta grande. De la puerta de la casa, pasamos a un gran plano general picado en el que vemos al joven atravesando la casa y unos grandes palos vacíos. El director corta y vemos un plano general de Jinshan sentando recibiendo a su sobrino. Zhang se toma muchas molestias en contextualizar el espacio y la relación entre los dos personajes correctamente. Primero pasamos de lo público a lo general, acompañamos a Tianqing desde el campo al interior de la casa y vemos los grandes palos de la fábrica vacíos. Un plano que se repetirá varias veces para que podamos observar los diferentes colores de las telas a juego con las tensiones sentimentales de los personajes. Y, luego vemos a Jinshan sentado bajo la abrumadora presencia de las tablillas de sus ancestros; por tanto, son los ancestros los que rigen la casa y los que determinan la suerte de sus habitantes. Los mismos ancestros que perpetúan los ancianos del clan Yang que prohibirán a Ju Dou volver a casarse cuando Jinshan muera y obligarán a Tianqing a marcharse de casa.

Lo primero que oímos de Ju Dou son sus chillidos, ni siquiera su voz pues no tiene voz ni voto en esa casa. Esto es muy representativo, porque a pesar de que el film de Zhang debe su título al nombre de ella, la historia de Ju Dou no es tal. A este respecto, la novela original es más sincera en este aspecto: Fuxi, Fuxi. ¿Por qué dónde está el drama? La tragedia de Ju Dou no es suficiente por sí solo; su drama está supeditado a la crítica del patriarcado histórico porque el drama real es la imposibilidad que muestran Jinshan y Tianqing para cumplir con la piedad filial. De hecho, Zhang pidió expresamente a Liu Heng que cambiara la relación carnal que existía en el original entre Jinshan y Tianqing para eludir el tema del tabú del incesto (Tan & Zhang, 1999-2000: 9), porque él no quería hablar de complejos edípicos aunque la analogía se haga inevitable. Con todo, Ju Dou sigue el patrón de Edipo Rey puesto que el patricio es un síntoma generacional y la maldición inevitable del patriarcado (Farquhar, 1993: 63).

La historia de Ju Dou, pues, no es la historia de una mujer china ni una crítica moral, es sobre todas las cosas una crítica a la evolución histórica, a los sistemas de dominación patriarcales que restringen los deseos y las libertades humanas. En este sentido, Ju Dou sirve de alegoría del pueblo chino que lucha y negocia su identidad en relación con la tradición patriarcal histórica, tanto la confucianista como la comunista (Callahan, 1993: 53). Y no hay mejor escena que retrate esta extenuante lucha que la escena del funeral en el que los ancianos castigan a Ju Dou y Tianqing a parar el féretro 49 veces, mientras Tianbai les mira impasible. Y por mucho que Ju Dou luche contra ese sistema patriarcal —porque Tianqing antepone la piedad filial a su amor por ella—, ella acaba reproduciéndolo cuando nace Tianbai. Si seguimos con la alegoría al pueblo chino, Tianbai representaría a los guardias rojos ya que, cegado por el odio a su propio padre acaban matándolo (Sheng, 1998:116). El niño es monstruoso porque proviene de un sistema distorsionado y, al castigar a Jinshan y Tianqing demuestra ejecutar la sentencia de muerte de parte de sus ancestros por no haber cumplido con el Xiao adecuadamente. Irónicamente, así, comete el patricidio del que su padre biológico no ha sido capaz, faltando también al Xiao.

Lo que sí nos interesa de Ju Dou como mujer y como representación del pueblo chino es su poder de sublevación. Me explico: cuando Tianqing oye agua y descubre un agujero en el granero por el que puede ver a su tía bañarse — y la mula rebuzna expresando la excitación de Tianqing—, Ju Dou es un mero objeto de placer visual y así lo expresa la cámara subjetiva de Tianqing por la que observamos a la joven. Esta escena, no obstante, tiene su opuesto cuando Ju Dou decide dejar que Tianqing la vea desnuda y dejar de convertirse en un mero objeto escópico para denunciar su situación. Es un movimiento político que la empodera para tomar el control de su propio cuerpo, se inscribe como sujeto sin negar su sexualidad y reescribe la imagen de su cuerpo como representación (Callahan, 1993: 56-57). «Tianqing, he guardado mi cuerpo para ti», le dice cuando le seduce.

Encontramos, además, varias metáforas interesantes. Por un lado, el símil de Tianqing y Ju Dou con los animales que habitan la casa y que son propiedad del viejo es un constante del film. Por ejemplo cuando oímos al cerdo chillar por su vida igual que Ju Dou chilla por las noches por la suya o cuando el tío le dice que ella no es mejor que cualquier animal que él haya comprado: «Una esposa es como una mula, deber ser montada y golpeada, montada y golpeada». O la canción infantil que canta la pareja cuando juega con su hijo:

«Escucha la campana, ding dong. Estamos aquí en la villa Wang. Muchos perros aquí vienen. Nos muerden pero no podemos huir. No podemos huir, así que nos vamos a casa. Toca la trompeta solo para divertirte».

Por otro lado, “bai” y “qing” —tomados de los nombres de Tianbai y Tianqing— significan pureza y los ancianos escogen el nombre de Tianbai precisamente por esto, para así garantizar la pureza del clan (Sheng, 1998: 101). Y, finalmente, el uso metafórico del color resulta muy representativo, porque a excepción del primer plano de Tianqing atravesando el campo dorado, las primeras escenas son muy oscuras, e incluso los planos nocturnos están teñidos de un azul frío y despiadado. Cuando por fin comienza la actividad en la fábrica de telas, todo se torna dorado debido al gran pedido de amarillo oro que han sido encomendados. El color dorado de las telas no solo nos evoca la razón económica de los matrimonios feudales, y por tanto el valor de moneda de cambio del cuerpo femenino, sino que es una reminiscencia del primero plano con los campos dorados; el color dorado teñirá en esta parte del film el cuadro, sobre todo en los que aparece Ju Dou; es como si la ruralidad decretara su vida. Una vez que Ju Dou revela a Tianqing que su tío es impotente, las telas se tornarán rojas y azules; dos fuerzas contrarias y complementarias que nos indican el comienzo de una historia de amor. A partir de aquí el color rojo será categórico. Cuando Tianqing y Ju Dou hacen el amor por primera vez, una tela roja cae en un líquido como significante del acto sexual; cuando, Ju Dou y Tianqing celebren la enfermedad de Jinshan ella vestirá de rojo —color que simboliza el matrimonio y la masculinidad tradicionalmente—; y cuando primero Jinshan y luego Tianqing mueran en el pozo de tinte, será en un tinte rojo que simboliza el exceso de Yin que les ha llevado a la muerte.

El resultado es conocido por todos los cinéfilos. El film ganó el Premio Luis Buñuel en Cannes y fue nominado a la Palma de Oro en 1990 y luego fue seleccionada para los Oscar —siendo la primera película china en la historia—. Fue entonces cuando la Academia China de Cinematografía prohibió el estreno en el continente porque el film perjudicaba la imagen del gigante asiático e intentó retirarlo de los Oscar alegando que aún no se había lanzando comercialmente en el país. Gracias a que en Hong Kong sí se había estrenado y a que el film contaba con patrocinio internacional —nada más ni nada menos que Tokuma Shoten—, la cinta pudo competir en los Oscar pero las autoridades chinas prohibieron asistir al director (Kwok Wah Lau, 1991:2). Los siguientes films de Zhang, La linterna roja (1991) y Qiu Ju, una mujer china (1992) corrieron la misma suerte y los ciudadanos chinos tuvieron que esperar hasta 1992 para poder verlos fuera de la clandestinidad.

Bibliografía:

Callahan, W. A. (1993). «Gender, Ideology, Nation: Ju Dou in the Cultural Politics of China». East-West Film Journal, 7 (1), 54-80.
Farquhar, M. (1993). «Oedipality in Red Sorghum and Ju Dou». Cinémas, III (2-3), 60.
Kwok Wah Lau, J. (1991). «Ju Dou – a hermeneutical reading of cross-cultural cinema». Film Quarterly, XLV(2), 2.
Sheng, H. H. (1998). A Chinese cultural inquiry of Zhang Yimou’s films. [Tesis doctoral]. Universidad Estatal de California: Facultad de Artes y Humanidades.
Tan, Ye & Zhang, Yimou (1999-2000). «From the Fifth to the Sixth Generation: An Interview with Zhang Yimou». Film Quaterly, 53 (2), 2-13.

El pasado fin de semana se concedieron los Subhanahongsa Awards, concedidos por la Thailand National Film Association y que están considerados los premios más importantes de la industria cinematográfica Tailandesa. Finalmente la cinta independiente dirigida por Anocha Suwichakornpong fue una de las máximas ganadoras. Cuando oscurezca se llevo, entre otros el premio a mejor directora y mejor película, siendo el mejor guión para A Gas Station. A continuación tenéis la lista completa de premiados.

Mejor Película

A Gift
Wandering
One Day
The Island Funeral
Cuando oscurezca

Mejor Director

Kriangkrai Wachirathamporn, Jira Maligool, Chayanop Boonprakob, Nithiwat Tharathorn, A Gift
Pimpaka Towira, The Island Funeral
Boonsong Nakphoo, Wandering
Anocha Suwichakornpong, Cuando oscurezca
Banjong Pisanthanakun, One Day

Mejor Guión

Chatchai Katenut, From Bangkok to Mandalay
Pimpaka Towira, Kong Rithdee, The Island Funeral
Boonsong Nakphoo, Wandering
Patana Chirawong, From Bangkok to Mandalay
Anocha Suwichakornpong, Cuando oscurezca
Thanwarin Sukhaphisit, A Gas Station

Mejor Actor

Krissada Terrence, Look-Tung-Signature
Ananda Everingham, Khun Pan
Sai Sai Kham Leng, From Bangkok to Mandalay
Prama Imanotai, A Gas Station
Chantavit Dhanasevi, One Day

Mejor Actriz

Nittha Jirayungyurn, One Day
Sasithorn Panichnok, The Island Funeral
Davika Hoorne, Suddenly Twenty
Apinya Sakuljaroensuk, Grace
Arpa Pawilai, A Gas Station

Mejor actor secundario

Krissada Terrenc, Khun Pan
Rong Kaomulkadee, Suddenly Twenty
Nutthasit Kotimanuswanich, Grace
Natdanai Wangsiripaisarn, Cuando oscurezca
Nay Toe, From Bangkok to Mandalay

Mejor actriz secundaria

Neeranuch Pattamasoot, Suddenly Twenty
Duangjai Hiransri, Take Me Home
Penpak Sirikul, A Gas Station
Apinya Sakuljaroensuk, Cuando oscurezca
Atchara Suwan, Cuando oscurezca

Mejor fotografía

Wandee Media, Senses from Siam
Naruphol Chokanapitak, One Day
Uruphong Raksasad, Wandering
Ming Kai Leung, Cuando oscurezca
Phuttiphong Aroonpheng, The Island Funeral

Mejor edición

Panayu Khunwallee, Thammarat Sumetsupachok, A Gift
Peannippan Kadeetham, Paradorn Vesurai, A Gas Station
Benjarat Choonuan, Harin Paesongthai, Uruphong Raksasad, The Island Funeral
Lee Chatametikool, Machima Ungsriwong, Cuando oscurezca
Chonlasit Upanigkit, One Day

Mejor sonido

Narubett Peamyai, Grace
Akritchalerm Kalayanamitr, Chalermrat Kaweewattana, Cuando oscurezca
Ekaratt Chungsanga, One Day
Ekaratt Chungsanga, A Gift
Akritchalerm Kalayanamitr, The Island Funeral

Mejor banda sonora

Hualampong Riddim, One Day
Hualampong Riddim, A Gift
Noppanan Panicharoen, The Island Funeral
Bruno Brugnano, From Bangkok to Mandalay
Chatchai Pongprapaphan, Grace

Mejor dirección artística

Thana Maykaumput, Take Me Home
Thana Maykaumput, Khun Pan
Wittaya Boonwitheechot, Suddenly Twenty
Arkadech Keawkotr, A Gift
Rasiguet Sookkarn, Motel Mist

Mejor vestuario

Supakit Kitmangmee, I Love You Two
Nirachara Wannalai, Khun Pan
Praoplern Tangmitcharoen, Serd
Rujirumpai Mongkol, Cuando oscurezca
Kaew Ratanodom, Suddenly Twenty

Mejor maquillaje

Arporn Meebangyang, Haunted School
Siwakorn Suklankarn, Khun Pan
Benjawan Sroy-in, One Day
Montree Watrlaeid, Take Me Home
Montree Watrlaeid, Ghost Is All Around

Mejores efectos especiales

Ghost Is All Around
One Day
Take Me Home
Khun Pan

Durante la primera mitad del año 2017 se celebra la nueva temporada de Cine en Versión Coreana en el Centro Cultural Coreano de Madrid. En esta ocasión se han elegido tres temáticas muy interesantes: febrero se dedicará al nuevo cine independiente coreano, marzo afrontará el papel de la mujer en el cine coreano y la última parte del semestre se dedicará a The Seoul Project, con una exposición y diversas películas que nos presentarán la capital coreana.

El título la mujer en el cine coreano puede ser abordado desde distintos puntos de vista: la figura de la mujer vista en el cine coreano; o bien la mujer directora dentro de la industria del cine en Corea… En la charla con Gloria Fernández Adame trataremos de acercarnos a ambos aspectos con distintos ejemplos para ofrecer una visión general, además de complementarla con dos films, ambos dirigidos y protagonizados por mujeres, muy distintas entre sí.

Miércoles, 15 marzo 2017, 19:30H

Crush and Blush
2008, VO coreano subt. en castellano
Director: LEE Kyoung-mi
Reparto: GONG Hyo-jin, LEE Jong-hyeuk
Género: Drama, Comedia
Duración: 101m

Mi-sook(29 años) es la profesora menos popular de la escuela. Tras ser profesora de lengua rusa en una escuela secundaria, fue relegada a una escuela intermedia para enseñar inglés. Se ruboriza fácilmente, por lo que tiene miedo de mostrar su cara. Para colmo, está enamorada de otro profesor casado, Seo, y cree que él siente lo mismo, pero es demasiado tímida para mostrar sus sentimientos. Pero cuando descubre que está teniendo un romance con una atractiva maestra rusa que tomó su lugar en la escuela secundaria, Mi-sook decide actuar. Ocultando sus verdaderas intenciones, forma una alianza con la hija de Seo, Jong-hee, la estudiante menos popular de la escuela, para salvar el matrimonio de su padre.

Miércoles, 29 marzo 2017, 19:30H
*Tras la proyección habrá una charla con Gloria Fernández Adame.

Our love Story
2016, VO coreano subt. en castellano
Director: LEE Hyun-ju
Reparto: LEE Sang-hee, RYU Sun-young
Género: Romance
Duración: 99m

Yoon-ju es una estudiante de posgrado de Bellas Artes, que tiene trabajos a tiempo parcial para llegar a fin de mes, y vive en la casa de su amiga Young-eun por un pequeño alquiler. A diferencia de Young-eun, que disfruta de sus relaciones sin compromiso, Yoon-ju busca algo más serio. Un día, mientras está buscando materiales para su proyecto, se encuentra con Ji-soo en una tienda de segunda mano. Al ver a Ji-soo en un lugar extraño, Yoon-ju se siente atraída por ella.

Directora Lee Hyun-ju nació en Seúl en 1981 y estudió cine y teatro en la Universidad de Dankook y dirección en la Academia de Artes Cinematográficas de Corea. Ha dirigido los cortometrajes “Private Lesson (2005)”, “Marry Me (2010)”, “Distance (2014)” y “Ordinary Family (2014)”, que obtuvo el Gran Premio en la sección coreana a competición del Festival Internacional de Cortometrajes Asiana y el Premio del Público en el Toronto Korean Film Festival. “Our Love Story” es su primer largometraje, que obtuvo el Gran Premio en Competición coreana en el Festival Internacional de Jeonju y que ha sido invitada al Festival de San Sebastián.

Centro Cultural Coreano
Paseo de la Castellana, 15
28046 Madrid

Casa Asia presenta en los Cinemes Girona de Barcelona siete películas del cine iraní más reciente con la colaboración de la Consejería Cultural de la Embajada de la República Islámica de Irán y la Farabi Foundation de Teherán. Los títulos que integran este programa se han realizado entre 2014 y 2015, y sus directores forman parte de las nuevas generaciones de cineastas que incorporan narrativas locales y domésticas abiertas, poniendo a disposición del público una información que sólo el cine puede transmitir.

Sin querer abordar toda la complejidad de una sociedad poliédrica como la iraní, las películas que se presentan responden a un interés por parte de sus autores de comunicarse con el mundo más allá de sus fronteras naturales, lo que en efecto logran con públicos de otras nacionalidades como la nuestra.

La selección de estas siete producciones demuestra que existe un cine vivo que tiene un sólido desarrollo y que sigue ocupando un lugar de primer orden en el escenario internacional, como demuestra en su imparable trayectoria desde hace más de treinta años. En la última edición del Casa Asia Film Festival | CAFF (2016), se premiaron dos de las películas que se incluyen en este ciclo. Se trata de TAJRISH…AN UNFINISHED STORY, dirigida por Pourya Azarbayjani, que obtuvo el Premio al Mejor Guión en la Sección Panorama; y COLDNESS, dirigida por Bahram y Bahman Haj Abol Loo, a la que el Jurado Joven otorgó el Premio al Mejor Guión, y el Jurado de la Sección Oficial otorgó el Premio al Mejor Director.

Sábado, 18 de marzo de 2017, 20.00 h

Presentación del ciclo y coloquio a cargo de:
Menene Gras Balaguer, Directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia
Alireza Esmaeili, Consejero Cultural de la Embajada de la R. I. de Irán.

CEASE FIRE 2, Dir. Tahmineh Milani | 2014 | 102’ | VOSE

Taraneh y Khosro son una joven pareja intentando arreglar sus problemas matrimoniales con la ayuda de un psiquiatra. Tienen un hijo, y juntos deben enfrentarse a muchos problemas debido a la falta de conocimiento sobre cómo darle una buena educación. De hecho, han sufrido durante toda su vida matrimonial porque no entienden el verdadero significado de prosperidad y tampoco cómo conseguirla. La directora, Tahmineh Milani, es también guionista y productora. Comenzó su carrera con la película Children of Divorce en 1989.

Sábado, 25 de marzo de 2017, 20.00 h

TAJRISH…AN UNFINISHED STORY, Dir. Pourya Azarbayjani | 2015 | 85’ | VOSE

Soroor y Amir se conocieron hace 20 años. Desde entonces ella ha enviudado y ahora es madre soltera de un niño y él se ha casado. Sin embargo, la amistad ha permanecido durante todos estos años. Pourya Azarbayjani empezó su carrera como ayudante de director y, a día de hoy, ha producido y dirigido muchos cortometrajes. Su ópera prima como director y productor es Unfinished Stories. Con Tajrish…An Unfinished Story ganó el premio al Mejor Guión en la Sección Panorama a Competición en la pasada edición del festival de cine asiático de Barcelona, Casa Asia Film Festival | CAFF.

Sábado, 1 de abril de 2017, 20.00 h

THE OTHER’S FATHER, Dir. Yadollah Samadi | 2015 | 100’ | VOSE

Esta película nos relata la vida de Shahab, quien a la edad de seis años aún no ha aprendido a hablar y la única comunicación que tiene es con su madre. Otros se ríen de él y lo tratan como un discapacitado mental, a lo que él responde peleándose con ellos. Esta actitud causa muchos problemas a su familia, y sobre todo a su madre, quien tiene que intentar aceptarlo de algún modo.

Sábado, 8 de abril de 2017, 20.00 h

AVA, Dir. Siamak Kashef Azar | 2014 | 80’ | VOSE

Davoud, un luchador sordo de tan solo 10 años, vive con su padre en un pueblo del norte de Irán. A pesar de discrepar con su padre, él decide dedicarse a la lucha y competir para ayudar a su hermana infértil. Su objetivo es llegar a competir en la Copa de Luchadores Sordos. Ava es el primer largometraje del director Siamak Kashef Azar, quien ha sido aclamado y premiado en festivales nacionales e internacionales por sus cortometrajes.

Sábado, 15 de abril de 2017, 20.00 h

SWEET TASTE OF IMAGINATION, Dir. Kamal Tabrizi | 2014 | 90’ | VOSE

Shirin nos narra la historia sobre cómo conoció al hombre que ahora le pide la mano. Él es Garoos, su profesor, y ella una estudiante. Pronto Garoos correrá peligro, ya que se enfrenta a una situación poco ética. La estructura de la historia tiene la forma de los cuentos populares orientales, sobre todo los iraníes. Sin embargo, esta historia es diferente debido a sus personajes modernos, sus escenarios y sus localizaciones. De la misma manera que sucede en los cuentos, este film combina realidad e imaginación con una forma entretenida de relacionar realidades y metas de hoy en día, especialmente aquellas que tratan sobre la conexión del hombre con la naturaleza.

Sábado, 22 de abril de 2017, 20.00 h

HAILSTONE & SUNLIGHT, Dir. Reza Karimi | 2015 | 90’ | VOSE

Un joven combatiente llamado Yahia vuelve a su ciudad durante unos días de permiso, pero todo se complica cuando tiene que tomar una decisión. Su maestro de ebanistería ha muerto, dejando deudas a su mujer y a sus hijos. En una carta ruega a Yahia que les ayude a salvar la casa. No sabe lo qué quiere realmente: quedarse o volver. Reza Karimi ha dirigido muchos largometrajes, entre los que cabe destacar su ópera prima Love + 2.

Sábado, 29 de abril de 2017, 20.00 h

COLDNESS, Dir. Bahram y Bahman Haj Abol Loo | 2015 | 87’ | VOSE

“Soyuq” trata sobre una familia que tiene que cambiar de casa por problemas económicos. Además, el hijo de 8 años se orina en la escuela debido al estrés. Se esconde continuamente bajo el chador de su madre, quien decide poner punto y final a este hábito. Debido a su fugitivo padre, el hijo se encuentra con más problemas todavía. Coldness recibió el premio al Mejor Guión, otorgado por el Jurado Joven, así como al Mejor Director por la Sección Oficial a Competición en la pasada edición del festival de cine asiático de Barcelona, Casa Asia Film Festival | CAFF.

Cinemes Girona
C/ Girona, 175 (Barcelona)

Precio entrada: 3,5 euros / Abonados y socios de los Cinemes Girona: 2 euros

Desde el próximo 21 al 30 de Marzo la Embajada de Japón en España, en colaboración con las distribuidoras Paramount Pictures, SelectaVisión, Karma Films, Surtsey Films, Sherlock Films y A Contracorriente Films, organiza en los Cines Dreams de Madrid el I Ciclo de Cine Japonés en Madrid, que contará con un total de 10 títulos entre preestrenos, estrenos y retrospectiva.

Your Name, la película de animación japonesa que ha batido récords de taquilla durante el 2016 y cuyo estreno en España está previsto para abril de 2017, abrirá el ciclo tras la inauguración. Para la clausura, el 30 de marzo, se realizará el preestreno del esperado blockbuster Ghost in the Shell, la primera adaptación cinematográfica del exitoso manga creado por Massamune Shirow. Este ciclo cuenta con películas que ya se han visto en España como La Tortuga Roja o Shin Godzilla, además de con estrenos como la multipremiada película de animación In This Corner of the World.

Todas las películas se proyectarán en los Cines Dreams de Madrid.

Cines Dreams
Centro Comercial Palacio de Hielo
C/ Silvano, 77 – 28043 Madrid

Hace ya unas semanas, más de un mes en realidad, que los participantes de la campaña Crowdfunding del Anuario CineAsia recibimos este segundo volumen en nuestros hogares. Heredero de la antigua publicación en papel de la Revista Cineasia, El Anuario CineAsia está dividido por países y sus distintas cinematografías, recogiendo en cada una de ellas los acontecimientos cinematográficos de mayor relieve del año. Encontraremos desde los balances anuales de cada una de las cinematografías asiáticas (Japón, Corea del Sur, China, Hong Kong, Taiwán, India, Sudeste Asiático), más de 125 referencias de películas, entrevistas a directores y/o actores, reportajes diversos, etc. Además, dentro de la Sección España, podrás conocer datos sobre la distribución en España, agenda de festivales…

El Anuario se complementa con la sección Nosolocine (espacio dedicado a la literatura asiática relacionada con el cine y a las bandas sonoras), los Premios CineAsia, y La Mirada Crítica (donde 3 críticos o estudiosos del cine nos dan su visión sobre tres temas de actualidad ‘cineasiática’).

Como sabréis los que nos sigáis desde hace tiempo, desde Asiateca colaboramos activamente con Cineasia, sobre todo a nivel de entrevistas durante festivales como Sitges, y también lo hacemos aquí, con la convicción de que es un lujo poder tener este tipo de publicaciones en nuestro país.

Para celebrar este lanzamiento queremos publicar una de las entrevistas que podréis encontrar en el Anuario, una conversación a tres bandas con el director indio Anurag Kashyap, que presentaba en Sitges su Psycho Raman, y el director y actor principal de la también india Autohead, Rohit Mittal y Deepak Sampat. Esta es una especie de edición extendida, ya que en el anuario prodréis encontrar exclusivamente la parte de Anurag, así que esperamos que lo disfrutéis.

Asiateca.- ¿Como fue eso pasar de estudiar Zoología en la Universidad y a comenzar a escribir guiones cinematográficos?

Anurag – Estaba estudiando Zoología porque me gustaba y, al igual que en muchos melodramas cinematográficos de Bollywood, con 18 años estaba enamorado de una chica de 20 pero ella se prometió con otro. Entonces ambos fuimos seleccionados para ir a la misma universidad, pero yo no quería ir ni verla y ese año no asistí a clase. Durante ese tiempo me dedique a ver muchísimas películas, ir al teatro, estudié algo de interpretación y descubrí un mundo que me cambió la vida. Todo empezó por una chica.

Asiateca.- En sus inicios comenzó escribiendo algún guión para Ram Gopal Varma. ¿Podríamos decir que fue él quien lo introdujo, como maestro, dentro del mundo del cine?

Anurag – Desde luego de cierta manera él fue mi mentor. Cuando decidí dedicarme al cine me mude a Mumbay, donde estaba la industria cinematográfica. Al llegar comencé a hacer teatro y allí conocí al productor Shivam Nair, empecé a trabajar con él y me descubrió todo tipo de cine, las películas de Martin Scorsese por ejemplo. Entonces escribí una película titulada Auto Narayan y cuando Ram Gopal Varma la vio decidió contratarme. Varma fue mi mentor a través de Satya, fueron dos años y medio donde estaba casi como en una escuela de cine: escribiendo, me involucré en el casting, sets, montaje…

Asiateca.- Su anterior película Bombay Velvet fue un fracaso en taquilla, al contrario que Gangs of Wasseypur que funcionó bastante bien. ¿Como afrontó la producción de Psycho Raman después de este fracaso?

Anurag – Salí del fracaso de Bombay Velvet casi por rabia y enfado. Sabia casi desde el primer día que era una película fallida, el equipo tenia la esperanza de que fuera bien pero yo veía claro que no iba a funcionar. En general reacciono muy rápido, como cuando te ahogas y sacas toda la energía que tienes para sobrevivir, y se que la industria cinematográfica no perdona y siempre te recuerda por tu última película, y no quería que Bombay Velvet fuera mi última película durante mucho tiempo y me puse rápidamente con este proyecto. Es como en una ruptura, cuando lo dejas con una novia la manera de superarlo es salir con otra chica.

Teníamos el guión listo y el presupuesto preparado para hacer la siguiente película, y ante el fracaso de Bombay Velvet, antes de que vinieran a decirme que no podríamos hacer ese nuevo proyecto, ya tenia reescrito el guión y tenia lista esta nueva idea para llevarla adelante.

Asiateca.- Sabemos que hay un documental anterior sobre el conocido asesino Raman Raghav. ¿Es por eso que añade el 2.0 al título de su película?

Anurag – No es tanto un documental sino una película de ficción de 1993, pero lo llamé 2.0 no porque fuera una segunda parte o un biopic, sino porque es una especie de historia aumentada de la propia realidad, como cuando cambias un sistema operativo y te actualizas a una versión mejorada. También para llamar un poco la atención y que la gente te haga esta misma pregunta.

Asiateca.- Hablando de Autohead. ¿De donde nace el proyecto? ¿Por qué no hacerla en primera persona y darle ese punto de vista externo desde la cámara de unos documentalistas que siguen al protagonista?

Rohit – Por un lado quería hacer el estudio de un personaje criminal, por otro criticar el cine de realismo social que se está haciendo en la India. Desde mi punto de vista en muchos momentos de la película no sabes si estoy retratando a un criminal o a una persona que esta actuando como resultado de la rabia que siente y que actúa como él cree que debe actuar. Hubo influencias de películas como Taxi Driver, algo de cine Dogma o el director japonés Shinya Tsukamoto.

Asiateca.- Precisamente esa es una de las cosas que nos gusta mucho de la película, que ironiza y crítica todo ese cine miserabilista que copa ciertos sectores del cine independiente.

Rohit – Desde luego fue uno de los motivos principales para hacer la película, queríamos cuestionar ese tipo de cineastas que basan su trabajo en hechos sociales y que luego viajan por el mundo enseñando sus películas sin que haya ninguna repercusión sobre la realidad que ellos mismos retratan. También cuestionar los medios en general y el voyeurismo existente en los mismos.

Asiateca.- Se nos adelanta a las preguntas, ya que otra de las cosas en las que queríamos incidir es exactamente esa, la crítica al sensacionalismo de los medios.

Rohit – Esta crítica se ve en algunas escenas, como cuando está el protagonista bebiendo y los documentalistas le incitan a beber más para que se emborrache y poder grabar esas escenas. Si lo miras desde un punto de vista más general podría verse como una crítica al cine en general, el cine también genera esto, me estoy criticando a mi mismo mientras hago esta película. Considero que mi película es más suave con respecto a lo que se ve en realidad en los medios, la realidad es más dura aún.

Asiateca.- En Psycho Raman tenía con un presupuesto muy ajustado, contaba en la presentación de la película que rodó por las calles de su barrio, su oficina, todo para recortar costes. ¿Como fue el rodaje?

Anurag – De hecho la escena final está rodada en mi casa; la escena del Club es mi oficina, pusimos unas luces y una mesa de DJ e improvisamos el set; la terraza está al lado de mi casa… todo se rodó por allí cerca. Hicimos un rodaje muy rápido y compacto de 20 días, que podíamos haber extendido a 50 por el presupuesto que teníamos, pero entonces la película hubiera parecido más pequeña. Intente hacer secuencias muy largas, hay un total de 10 secuencias en la película, y rodamos dos días por secuencia, así pudimos llevar adelante la producción. Yo hago de productor, director, escritor… es mi manera de sobrevivir en la industria.

Asiateca.- Es director, guionista, ha hecho caemos en muchas películas, de hecho va a tener un papel de villano en Akira, ha producido películas como Monsoon Shootout, The Lunchbox, Udaan, Queen, Lootera… ¿Es esa la manera de salir adelante en el cine independiente indio?

Anurag – Hago esto porque nadie más lo está haciendo en Mumbay, nadie está produciendo según qué películas. Cuando veo algo que me gusta busco a alguien que tenga dinero y pueda producirla, junto a todas las partes y así sale adelante el proyecto. Actúo como productor como me gustaría que me trataran mis propios productores, doy toda la libertad a los directores. Pero esto va por ciclos de dos o tres años en donde uno tiene mucho éxito, luego se le va la cabeza, todo vuelve a bajar y el ciclo comienza de nuevo. Yo dependo de otros para producir, no puedo producir mis propias películas, y mientras tanto voy haciendo todo esto. Disfruto mucho con mis trabajos.

Casi no saco nada de mis propias películas, de hecho si tuviera que cobrar honorarios tendría que trabajar con grandes estrellas y como quiero mantener mi libertad no cobro por hacer mis propias películas, es más nadie cobra en mis películas. Mientras tanto me gano la vida como actor, como guionista y demás.

Asiateca.- Es cierto que nunca trabaja con actores muy conocidos, excepto quizás en Bombay Velvet con Ranbir Kapoor. ¿Es por esto mismo, por que sale muy caro?

Anurag – Cuando empecé a realizar películas no tenía dinero y rodaba donde podía. En la India no hay que pedir permisos para rodar por las calles, es más son todos tan cinéfilos que están encantados de aparecer en una película, nadie se va a quejar. Cuando descubrí que podía hacer esto tenia todo Mumbay como mi decorado. Cuando trabajas con actores famosos ya tienes que pedir permisos, bloquear las calles y por tanto contratar centenares de extras para obtener el realismo que buscas. Prefiero rodar como yo ruedo, sin generar caos en la calle, ni siquiera le digo al actor donde está la cámara o si estamos rodando. Eso genera realismo, con una gran estrella es muy complicado.

Cuando estuve rodando No Smoking fue muy difícil grabar en los suburbios porque era complicado hacerle entender al actor (John Abraham) que no tendríamos seguridad ni un camerino de lujo, que según que cosas no se podían exigir allí. De hecho encontramos un baño, le pusimos un tablón de madera y una silla y se pasó todo el rodaje en ese baño. Pero no cualquier estrella va a aceptar esas condiciones.

Por otro lado quiero trabajar con actores que sean poco complicados, no me interesan para nada los actores de método, nunca los elijo porque a poco que se preparan para rodar todo el mundo ya sabe que estamos por allí, nos cambian los fondos, los extras y no me interesa.

Asiateca.- Rohit ¿está de acuerdo con esta visión? Cuanto menos ruido hagas más libertad hay, pero quizás mas precariedad a la hora de hacerse un nombre en la industria.

Rohit – Estoy de acuerdo en que cuando trabajas con una película de bajo presupuesto tienes más libertad. Ni siquiera hice una presentación cuando tuve el guión de Autohead porque sabia que si iba por ese camino nunca se realizaría la película porque tenía un guión muy fuera de lo común para una producción india. Conseguí el dinero por otras vías, a través de prestamos, y de esa manera no respondía ante nadie, lo cual fue muy liberador y espero poder seguir trabajando así.

Al mismo tiempo cuando haces películas de bajo presupuesto es difícil tener el mismo reconocimiento que otras producciones de presupuestos más grandes, pero tampoco yo busco ese reconocimiento, no estoy compitiendo con ellas. Si a la gente que le interesa el tipo de cine que yo hago y puede llegar a verlo a través de Internet, festivales o cines yo estoy contento, y si podemos cubrir los gastos para que además pueda seguir trabajando pues mejor.

Gracias al hecho de que la película se hizo con un presupuesto bastante bajo, me están preguntando mucho por mis futuros proyectos y saben que puedo hacer películas con poco dinero. Creo que eso me facilita seguir trabajando.

Asiateca.- Y en el caso de Deepak, a nivel del actor que trabaja en cine independiente ¿Ve el panorama de forma similar? ¿Le gustaría dar el salto a una gran producción?

Deepak – Me gustaría seguir realizando todo tipo de proyectos, lo que realmente me interesa es hacer bien mi trabajo sin importar si es un pequeño proyecto o una producción más grande.

Asiateca.- ¿Como se preparó el papel que interpreta en Autohead? ¿Hizo prácticas en el Rickshaw?

Deepak – La verdad que si, iba por la mañana y estuve dos meses llevando un Rickshaw.

Rohit – El director de casting me había hablado de él, nos conocimos y le puse en una situación determinaba, lo estuve grabando y al llegar a casa y estudiar el material me encantó. De hecho no vi a nadie más para este papel, fue la primera persona que vi y estaba convencido de que el personaje era suyo.

Asiateca.- Anurag, ha trabajado en varias ocasiones con el actor Nawazuddin Siddiqui ¿Es ya su pareja de hecho cinematográfica?

Anurag – Trabajo con él dependiendo si tengo un rol para él o no. Lo que me gusta de Siddiqui es que no tiene una personalidad muy fuerte fuera de la pantalla por eso es muy maleable, es como el cobre, lo puedo estirar y modelar a mi gusto, cuando se pone delante de una cámara puede convertirse en cualquier persona. Hay actores con una personalidad muy fuerte fuera de cámara que a mi no me sirven para nada, ya que da igual el rol que hagan siempre son la misma persona. Es muy fácil trabajar con Siddiqui porque no trae su mente al rodaje, recibe la información y las indicaciones y ya está, el trabajo de dirigir es labor del director, yo soy el único que tiene la película en la cabeza y no quiero que venga un actor y se haga cargo de la situación, de su opinión, yo solo quiero la opinión del actor cuando se lee el guión y me dice Si o No.

Si quisiera trabajar con actores famosos pagaría 5 millones de dolares y ya está, pero no quiero hacer eso. Realmente cuando hay dinero yo pago a todo el mundo, pero con Siddiqui nunca hablo de dinero, hablo con su hermano de esos temas, él nunca habla de dinero ni quiere saber si le he pagado, de hecho se enfada conmigo si se entera que el he dado dinero a su hermano por el trabajo. Tenemos una relación donde no entra el dinero. De todos modos cuando hay dinero siempre lo reparto y cuando no hay dinero pues no se cobra, aún así siempre intento compensar y hay ocasiones en que en una película el cámara, el realizador y todo el equipo han cobrado por triplicado para compensar otras veces donde no he podido pagar. Intento ser honesto. La gente piensa que llevamos un estilo de vida de hoteles y lujos, pero para nosotros es un trabajo. Cuando rodé Gangs of Wasseypur tenía una habitación súper barata que compartía con el cámara, mientras que los actores y demás equipo se queda en un hotel.

Solo me queda un Rol para este actor. No soy una persona leal y hay un número limitado de roles que se pueden obtener de un actor, con Siddiqui queda una película más.

Asiateca.- ¿Para cuando una mujer protagonista de una de sus películas?. No nos gustó nada la chica de That Girl in Yellow Boots y vemos los roles femeninos un poco en segundo plano, exceptuando en Gangs of Wasseypur.

Anurag – Mis próximas tres películas tendrán como protagonistas a mujeres. La primera es una historia de amor, la segunda una de mujeres boxeadoras y la tercera una cinta de terror.

Asiateca.- Sus películas suelen rozar la frontera de lo políticamente correcto, rondando con la censaura. ¿Cuanto aprendió de la censura a su primera película Paanch?

Anurag – Aprendí más de Black Friday que de Paanch. Soy una persona muy política y me interesa traer según que temas a mis películas, pero en India es muy difícil. Psycho Raman la considero una película con mucha carga política, pero al hacerla en la India tienes que ir ocultando ciertos temas.

Asiateca.- Nos encanta el tratamiento que hace de la música de sus películas y siempre nos atrapa con sus increíbles títulos de crédito, en Psycho Raman sin ir más lejos. ¿Como trabaja esa parte de la producción?

Anurag – Adoro los títulos de crédito y me gusta controlar cuando entran en mi película. También me gusta mucho la música, crecí escuchando muchísima música, pero no me identifico con las películas de Bollywood en donde los actores de repente se arrancan a cantar. Me encanta la música y la cuido en mis películas pero durante años tuve problemas ya que en Europa se me considera un director indio y en India un director europeo. Me gusta descubrir siempre nuevos sonidos, generalmente a través del miembro más joven del equipo, últimamente la descubro a través de mi hija, escuchar cosas nuevas y trasladar eso a mis películas.

Trabajo la música en primer término, antes incluso que el propio guión. Ahora estoy realizando una película sobre boxeo y tengo una compositora trabajando en la música, pero hasta que no la termine no la voy a presentar ni a decir quién es porque ya me ha pasado varias veces que cuando la música esta terminada y la presento a los productores estos tiene miedo de que no vaya a vender y paran la producción. He aprendido a las malas a guardar ciertos secretos o no comentar con que músico estoy trabajando… lo cuento cuando ya es demasiado tarde para arreglarlo.

Si me llamas para pedirme algún consejo solo le diré que es lo que no tienes que hacer, nunca lo que tienes que hacer, ni yo mismo lo sé. No te sé decir con quien trabajar, pero si con quien no trabajar.

Asiateca.- ¿Que expectativas tienen para Autohead? No sabemos si se ha estrenado en India o si ha tenido buena acogida. ¿Tiene algún nuevo proyecto en mente?

Rohit – Se estrena en unos días en el Mumbai Film Festival y en cines en un par de meses. Como cineastas todos queremos que nuestras películas las vea cuanta más gente mejor, pero espero que sea un elemento nuevo en la India ya que se presenta como un documental, pero solo pasado un tiempo la gente se dará cuenta de lo que es realmente. Espero que aprecien el humor y la ironía.

Para el futuro he escrito dos guiones para dos películas diferentes, una es una cinta de terror y otra es una trama en torno a unos anarquistas que gira entre el thriller, la película de terror y el fantástico. Depende de cual consiga financiación.

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca).

Hace unos días finalizaba el Tokyo Anime Award Festival, festival independiente que otorga premios populares a lo mejor de la animación japonesa del pasado año, además de reconocer a figuras de renombre dentro del mundo de la animación. Este año la ganadora en la sección de largometrajes ha sido A Silent Voice, mientras que en serie de televisión lo ha sido Yuri!!! On ICE, que también se ha llevado el premio de los fans. Como mejor director, como no, tenemos a Makoto Shinkai por su Your Name. A continuación tenéis la lista compelta de premiados.

Película del año

A Silent Voice (Koe no Katachi)

Serie TV del año

Yuri!!! On ICE

Anime Fan Prize

Yuri!!! On ICE

Premios Individuales

Mejor Director: Makoto Shinkai (Your Name)
Mejor Guión e historia original: Reiko Yoshida (A Silent Voice)
Mejor Animador: Tadashi Hiramatsu (Yuri!!! On ICE)
Mejor diseño de personaje y mecánico: Shunichirou Yoshihara (JoJo’s Bizarre Adventures: Diamond Is Unbreakable)
Mejor Sonido: Hiroyuki Sawano (Kabaneri of the Iron Fortress)

Premios Honoríficos

Director de sonido: Susumu Akitagawa (Guin Saga)
Director: Hiroshi Ikeda (Flying Phantom Ship)
Director de animación: Yoshifumi Kondou (Kiki’s Delivery Service), póstumo
Productor: Sumio Gotouda (Three Tales),póstumo
Director artístico: Naoyuki Tsuji (Mazinger Z)
Guionista: Taku Furukawa (Speed)
Cantante: Youku Maekawa (Cutie Honey themes)
Actor de doblaje: Eiko Masuyama (Lupin III: Part II)
Autor original: Reiji Matsumoto (Galaxy Express 999)
Diseñador de color: Michiyo Yasuda (Grave of the Fireflies), póstumo

Hace escasos dos días que se celebró en Hong Kong la gala de entrega de premios de la edición número 11 de los Asian film Awards, premios creados en el marco del Hong Kong Film Festival y que en muy poco tiempo se han convertido en un referente dentro de la producción cinematográfica asiática. De entre la lista de premiados destaca sin duda la china I Am Not Madame Bovary, que se ha llevado, entre otros, el premio a mejor película y mejor actriz para Fan Bingbing, los mismos que ya se llevaría en su paso por el Festival de San Sebastian. El premio a mejor director ha ido a recaer al coreano Na Hong-jin por su magnífica The Wailing. A continuación os acerco la lista completa de premiados.

Mejor Película

The Wailing – Corea del Sur
The Age of Shadows –Corea del Sur
Harmonium – Japón
Godspeed – Taiwan
I Am Not Madame Bovary – China

Mejor Director

Na Hong-jin (The Wailing)
Koji Fukada (Harmonium)
Derek Tsang (Soul Mate)
Feng Xiaogang (I Am Not Madame Bovary)
Lav Diaz (The Woman Who Left)

Mejor Actor

Michael Hui (Godspeed)
Gong Yoo (Train to Busan)
Tadanobu Asano (Harmonium)
Fan Wei (Mr. No Problem)
Richie Jen (Trivisa)

Mejor Actriz

Son Ye-jin (The Last Princess)
Fan Bingbing (I Am Not Madame Bovary)
Haru Kuroki (A Bride for Rip Van Winkle)
Kara Wai (Happiness)
Charo Santos-Concio (The Woman Who Left)

Mejor Novato

Kim Tae-ri (The Handmaiden)
Takara Sakumoto (Rage)
Firdaus Rahman (Apprentice)
Wu Tsz-tung (Weeds on Fire)
Lin Yun (The Mermaid)

Mejor Actor de Reparto

Jun Kunimura (The Wailing)
Ma Dong-seok (Train to Busan)
Go Ayano (Rage)
Dong Chengpeng / Da Peng (I Am Not Madame Bovary)
Lam Suet (Trivisa)

Mejor Actriz de Reparto

Elaine Jin (Mad World)
Moon So-ri (The Handmaiden)
Atsuko Maeda (The Mohican Comes Home Band)
Azmi Shabana (Neerja)
Lynn Xiong (See You Tomorrow)

Mejor Guión

Asghar Farhadi (The Salesman)
Lav Diaz (The Woman Who Left)
Shinkai Makoto (Your Name)
Park Chan-wook and Jeong Seo-Gyeong (The Handmaiden)
Mak Tin-shu, Lung Man-hon, Thomas Ng (Trivisa)

Mejor Fotografía

Yutaka Yamazaki (After the Storm)
Kim Ji-yong (The Age of Shadows)
Luo Pan (I Am Not Madame Bovary)
Zhu Jinjing (Mr. No Problem)
Du Jie (The Wasted Times)

Mejor Diseño de Producción

Ryu Seong-hee (The Handmaiden)
Kang Seung-yong (Pandora)
Heya Kyoko (A Bride (Rip Van Winkle)
Alfred Yau (See You Tomorrow)
Feng Ligang (Railroad Tigers)

Mejor Banda Sonora

Yusuke Hatano, Peter Kam (Soul Mate)
Mowg (The Age of Shadows)
Xavier Jamaux (Three)
Tseng Si-ming (Godspeed)
Ryuichi Sakamoto (Rage)

Mejor Edición

Kim Sang-bum y Kim Jae-bum (The Handmaiden)
Tsuyoshi Imai (Rage)
Yang Jin-mo (Train to Busan)
Lee Chatametikool y Natalie Soh (Apprentice)
David Richardson (Operation Mekong)

Mejores Efectos Especiales

Jung Hwang-su (Train to Busan)
Tetsuo Ohya (Shin Godzilla)
Sun Li, Sheng Yong, Sam Wang, Sun Jing (Railroad Tigers)
Perry Kain, Johnny Lin, Thomas Reppen (See You Tomorrow)

Mejor Vestuario

Kenneth Yee Chung-man (The Wasted Times)
Jo Sang-gyeong (The Handmaiden)
Kazuko Kurosawa (The Sanada Ten Braves)
Kwon Yoo-jin, Rim Seung-hee (Train to Busan)
William Chang, Cheung Siu-hong (See You Tomorrow)

Mejor Sonido

Kim Dong-han (The Wailing)
Fang Tao, Hao Zhiyu (Crosscurrent)
Nakamura Jun (Shin Godzilla)
Kinson Tsang, George Lee (Cold War 2)

Premio a la carrera cinematográfica

Tsui Hark

A través de la ciencia ficción, el cine se ha interrogado siempre por el futuro de la Humanidad. ¿Qué logros alcanzaremos? ¿Cómo cambiará la tecnología nuestro día a día? ¿Permitirían los viajes en el tiempo cambiar eventos del pasado? Como espectadores, hemos asistido a la creación de mundos distópicos, a la aparición de realidades difíciles de creer en las que hemos colonizados otros mundos, hemos derrotado tiránicos sistemas controlados por máquinas, o nos hemos preguntado sobre nuestra propia identidad como individuos.
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Acostumbrados a una representación del género trepidante, donde nuestro entorno se ha transformado en un paisaje futurista de arquitectura imposible, este ciclo organizado por la Escuela oficial de Idiomas de Madrid, propone un enfoque diferente en torno a la ciencia ficción.

Viernes 31 de Marzo
The Sky Crawlers
Director: Mamotu Oshii
Animación

Yūichi Kannami es trasladado a su nueva base con tan solo vagos recuerdos de su pasado y la certeza de que ha nacido para pilotar aviones de combate. Pronto llama la atención de la comandante Suito Kusanagi, que se comporta como si llevara tiempo esperándole. Al tiempo que la relación entre ambos se estrecha, Yūichi descubrirá el sabor agridulce de la vida y el amor

Lunes 3 de Abril
Platina Data
Director: Keishi Ōtomo
Suspense, Misterio, Ciencia ficción

En un futuro cercano, el gobierno japonés se propone controlar y almacenar en secreto el ADN de sus habitantes con un sistema especial llamado Platina Data.
Ryūhei Kagura, joven científico de gran talento, trabaja para el Instituto de Investigación y Análisis Especial como especialista en este campo. Sin embargo, un día su mundo se derrumba cuando el propio sistema que ha ayudado a crear le señala como el autor de un doble asesinato. Atrapado entre la espada y la pared, Kagura deberá probar su inocencia mientras es perseguido por la policía.

Martes 4 de Abril
El Clon vuelve a casa
Director: Kanji Nakajima
Ciencia ficción

Kōhei Takahara forma parte de un programa experimental de clonación. Cuando muere accidentalmente en una misión espacial, los científicos clonan su cuerpo y su memoria, esperando que el clon ocupe el puesto de Kōhei en su antigua vida. Sin embargo, los resultados no son los esperados y la clonación tiene que repetirse, llevando al protagonista a una espiral en la que buscará las claves de su vida.

Miércoles 5 de Abril
Enoshima Prism
Director: Yasuhiro Yoshida
Ciencia ficción, Comedia

Shūta, Saku y Michiru han sido amigos desde que eran niños. Sin embargo, la relación se rompe cuando Saku muere en un accidente tras sufrir una crisis cardiaca. Con la desaparición de su amigo y la marcha de Michiru a Inglaterra, Shūta siente un gran vacío.
En el segundo aniversario de la muerte de Saku, Shūta adquiere la habilidad de viajar al pasado, exactamente a un día antes del fatal accidente.

Jueves 6 de Abril
Real
Director: Kiyoshi Kurosawa
Drama, Romance, Ciencia ficción

La ciencia ha creado una máquina que permite introducir la mente de una persona en el subconsciente de otra. El método permite a Kōichi explorar la psique de su prometida Atsumi, en un intento desesperado por sacarla del coma en el que lleva inmersa desde su intento de suicidio. Cuando Kōichi establece contacto, su novia le pide un extraño favor: que encuentre el dibujo del plesiosaurio que hizo de pequeña.
​En un mundo en el que se mezclan sueños, recuerdos y temores, Kōichi y Atsumi intentarán afrontar y superar su doloroso pasado.

Todas las proyecciones se realizarán a las 18 horas.
Salón de Actos de la Escuela Oficial de Idiomas de Madrid.
c/ Jesús Maestro s/n
28003 Madrid –España